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<p><img src="/files/images/resize/640x1000_abordaje-endonasal-75166.jpeg" alt="640x1000_abordaje-endonasal-75166.jpeg" /></p>
<p>Miriam Vega también muestra su cuerpo desnudo, además de detalles de su físico. Éstos aparecen camuflados con el entorno, se mimetizan, se reflejan en objetos cotidianos o espejos, dibujan sombras y ofrecen una lectura de la realidad.Es por tanto, el cuerpo desnudo y el rostro de Miriam, los que muestran en ocasiones lasmodificaciones provocadas por una vulnerabilidad del cuerpo. Esta práctica ayuda a la autocomprensión y aceptación de una "deformación". Esta experiencia ya ha sido terapia y referencia en el proceso de otras artistas, ya que el cuerpo se convierte en el propio objeto de trabajo, como fuerte arma y herramienta digna.</p>
<p>Su propio hogar es el escenario de casi todos los encuentros, consigo misma y con todos los elementos que conforman su propio yo. El recogimiento, lejos de ocasionar reclusión, produce inspiración y reflejos narrativos con perfectos negros y variantes de mimesis. Otras veces, la artista deambula por campos solitarios que ocupa con su identidad, creación y recuerdos...</p>
<p> </p>
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<p>Kiev cuando nueva publica Antepenúltima porque la han compuesto, porque la han grabado y les apetece compartirla con el propósito, claro está, de que vengan nuevas alegrías en el futuro. Antepenúltima es una canción sobre las contrariedades infinitesimales de todos los días, sobre las pequeñas meteduras de pata en las relaciones con las personas y con las cosas, y sobre la percepción -probablemente errónea- de que en el pasado todo eso se sorteaba con más gracia y sagacidad. </p>
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<p> </p>
<p>Próximamente disponible en Spotify, Apple Music y demás plataformas digitales. Enlace a Bandcamp</p>
<p><a href="https://kievcuandonieva.bandcamp.com/track/antepen-ltima">https://kievcuandonieva.bandcamp.com/track/antepen-ltima</a></p>
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<p> </p>
<p>Enlace al videoclip</p>
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<p>Kiev cuando nueva publica Antepenúltima porque la han compuesto, porque la han grabado y les apetece compartirla con el propósito, claro está, de que vengan nuevas alegrías en el futuro. Antepenúltima es una canción sobre las contrariedades infinitesimales de todos los días, sobre las pequeñas meteduras de pata en las relaciones con las personas y con las cosas, y sobre la percepción -probablemente errónea- de que en el pasado todo eso se sorteaba con más gracia y sagacidad. </p>
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<p> </p>
<p><img src="/files/images/resize/640x1000_sharedimage-1158994292.jpeg" alt="640x1000_sharedimage-1158994292.jpeg" /></p>
<p>“All The Colours Of You” (Virgin 2021) grabado antes de la pandemia, está producido por Jacknife Lee (U2, REM y The Killers), arranca con una ensoñadora “Zero” en la que las atmosferas gravitacionales van cediendo terreno a una oleada de sintetizadores emocionales que ponen las cosas en su sitio “Todos vamos a morir, esa es la verdad, deja de medir el tiempo por el dinero y la juventud…” , hasta rendirse a unas armonías corales que ponen el punto y seguido con “All The Colours Of You”. Primer sencillo del álbum, con un sonido plenamente evocador a los años 80 mas oscuros gracias a una voz de Booth cargada de emoción que encuentra respaldo en la instrumental de una banda que ponen el mejor telón de fondo a tu banda sonora mas vibrante “¿Quién está más despierto que tú? ¿Quién está más arruinado que tú?...”.</p>
<p>Destaca “Wherever It Takes Us” de una intensidad cruda y directa binomio perfecto entre la teatralidad de unos Pink Floyd y el punch de Talking Heads. Un tema que aspira a convertirse en un himno a corear en futuros festivales y que sin duda aporta un aire fresco y esencialmente positivo capaz de dibujarte una sonrisa tan acida como irónica. El momento “Getting Myself Into” dibuja un aire de vodevil cómico y letras irónicas, "...it's half-past midlife" y "I'm already half-past wrecked".</p>
<p>“All The Colors Of You” es un regreso que incluso en los momentos mas introspectivos nos da un aliento estimulante y esperanza y es que James es sin duda una banda banda que, a pesar de su condición de veteranos, todavía tiene bien cogido el pulso a hacer temas capaz de hacernos emocionar y sacudirnos el cuerpo como en “Recover” en la que la sutil línea de bajo nos va adentrando a la parte mas personal e intima de Booth para contarnos la terrible experiencia que supuso la perdida de un ser querido durante la primera ola de la Covid- 19. Sin caer en sentimentalismos ni en la lamentación fácil, dando un giro para recordar recuerdos felices. “Recordaremos tu malvado sentido de la diversión.... Recordaremos cómo transmitir tu espíritu…”. Toda una lección de vida.</p>
<p>“All The Colours Of You” (Virgin 2021) es un trabajo grabado y producido durante un periodo histórico, lleno de emociones, contradicciones y acontecimientos de un tiempo que siempre perdurara en nuestra memoria, en nuestra piel. Un tiempo que capturado en los 11 cortes de “All The Colours Of You” (Virgin 2021) que conforman un un álbum inconformista, desafiante extravagante, oscuro, pero finalmente optimista, un disco capaz de sobrecogernos y atraparnos entre sus múltiples caras de una misma realidad.</p>',
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<p> </p>
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<p>“All The Colours Of You” (Virgin 2021) grabado antes de la pandemia, está producido por Jacknife Lee (U2, REM y The Killers), arranca con una ensoñadora “Zero” en la que las atmosferas gravitacionales van cediendo terreno a una oleada de sintetizadores emocionales que ponen las cosas en su sitio “Todos vamos a morir, esa es la verdad, deja de medir el tiempo por el dinero y la juventud…” , hasta rendirse a unas armonías corales que ponen el punto y seguido con “All The Colours Of You”. Primer sencillo del álbum, con un sonido plenamente evocador a los años 80 mas oscuros gracias a una voz de Booth cargada de emoción que encuentra respaldo en la instrumental de una banda que ponen el mejor telón de fondo a tu banda sonora mas vibrante “¿Quién está más despierto que tú? ¿Quién está más arruinado que tú?...”.</p>
<p>Destaca “Wherever It Takes Us” de una intensidad cruda y directa binomio perfecto entre la teatralidad de unos Pink Floyd y el punch de Talking Heads. Un tema que aspira a convertirse en un himno a corear en futuros festivales y que sin duda aporta un aire fresco y esencialmente positivo capaz de dibujarte una sonrisa tan acida como irónica. El momento “Getting Myself Into” dibuja un aire de vodevil cómico y letras irónicas, "...it's half-past midlife" y "I'm already half-past wrecked".</p>
<p>“All The Colors Of You” es un regreso que incluso en los momentos mas introspectivos nos da un aliento estimulante y esperanza y es que James es sin duda una banda banda que, a pesar de su condición de veteranos, todavía tiene bien cogido el pulso a hacer temas capaz de hacernos emocionar y sacudirnos el cuerpo como en “Recover” en la que la sutil línea de bajo nos va adentrando a la parte mas personal e intima de Booth para contarnos la terrible experiencia que supuso la perdida de un ser querido durante la primera ola de la Covid- 19. Sin caer en sentimentalismos ni en la lamentación fácil, dando un giro para recordar recuerdos felices. “Recordaremos tu malvado sentido de la diversión.... Recordaremos cómo transmitir tu espíritu…”. Toda una lección de vida.</p>
<p>“All The Colours Of You” (Virgin 2021) es un trabajo grabado y producido durante un periodo histórico, lleno de emociones, contradicciones y acontecimientos de un tiempo que siempre perdurara en nuestra memoria, en nuestra piel. Un tiempo que capturado en los 11 cortes de “All The Colours Of You” (Virgin 2021) que conforman un un álbum inconformista, desafiante extravagante, oscuro, pero finalmente optimista, un disco capaz de sobrecogernos y atraparnos entre sus múltiples caras de una misma realidad.</p>',
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<p>De momento, para ir abriendo boca, ya podemos escuchar la canción homónima del disco disponible para poder escucharla asi como la reciente "Recover".</p>
<p> </p>
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<p>‘<strong><em>All The Colors Of You</em></strong>’ y su letra se refiere a los años de Donald Trump en la presidencia de EEUU, en los que destacó la supremacía blanca.</p>
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<p> </p>
<p>James es una banda veterana que suma en 38 años de trayectoria profesional 15 discos a la espalda.</p>
<p><strong>"All The Colors Of You"</strong> contendrá 11 pistas y se publicara bajo el sello <strong>Virgin Music</strong>.En cuanto a sus proximas citas en directo, de momento, está previsto que los de Manchester pasen por España para actuar en el <strong>Visor Fest</strong> (Benidorm) el 18 de septiembre.</p>
<p> </p>
<p>Mientras tanto, la banda nos ofrece una pre-order, que podemos hacer desde su página <a href="https://james.lnk.to/AllTheColoursOfYouSo/officialartiststore">web</a>.</p>
<p> </p>',
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<p>De momento, para ir abriendo boca, ya podemos escuchar la canción homónima del disco disponible para poder escucharla asi como la reciente "Recover".</p>
<p> </p>
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<p>‘<strong><em>All The Colors Of You</em></strong>’ y su letra se refiere a los años de Donald Trump en la presidencia de EEUU, en los que destacó la supremacía blanca.</p>
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<p> </p>
<p>James es una banda veterana que suma en 38 años de trayectoria profesional 15 discos a la espalda.</p>
<p><strong>"All The Colors Of You"</strong> contendrá 11 pistas y se publicara bajo el sello <strong>Virgin Music</strong>.En cuanto a sus proximas citas en directo, de momento, está previsto que los de Manchester pasen por España para actuar en el <strong>Visor Fest</strong> (Benidorm) el 18 de septiembre.</p>
<p> </p>
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<p><img src="/files/images/resize/640x1000_confirmaciones-palencia-sonora-98283.png" alt="640x1000_confirmaciones-palencia-sonora-" /></p>
<p>El festival que se celebrará <strong>entre los días 10 y 13 de junio en la Plaza de Toros de la capital palentina, para la presente edicion ha optado por un formato reducido en el que los</strong> conciertos estaran repartidos entre sesión vermut y la sesión noche. La presente edicion2021 contarán con las actuaciones de <strong>Fuel Fandango, Baiuca, Ladilla Rusa, Sidonie, La Bien Querida, Rodrigo Cuevas y Derby Motoreta´s Burrito Kachimba.</strong></p>
<p> </p>
<p><iframe src="http://www.youtube.com/embed/gxBQGWEBXCA" width="450" height="300"></iframe></p>
<p> </p>
<p>Las entradas pueden adquirirse en la web oficial del festival a precios que oscilan entre los 15,00€ y los 22,00€.</p>
<p>La venta de los abonos nuevos es numerada para garantizar los criterios de distancia de seguridad, con un máximo de seis emplazamientos por transacción, se podra elegir emplazamiento en el mapa del recinto <a href="https://www.palenciasonora.com/venta-entradas-palencia-sonora.html?fbclid=IwAR1vxUNEffLp240xPPkUpHySP8LZuiPWLDE_tOW5XAVcKQB-P_u1faWSiIc">en <strong>este enlace </strong></a></p>
<p>Para las personas que quieran cambiar su abono general/VIP* de 2020-2021 por el #MicroPalenciaSonora2021, el localizador actúa como código de descuento y se puede encontrar en el abono (el número que aparece debajo del código QR) .</p>
<p>Los abonos físicos adquiridos en el Universonoro y Jimmy Jazz, se puede acudir al Universonoro (horario de jueves a domingo de 18.30h hasta el cierre) a canjear el abono de 2020-2021 (llevandolo físicamente) por un código de descuento, que se puede usar para adquirir el abono del Micro. También se puede mantener el abono para la edición del próximo año.</p>
<p>No hay venta física de abonos para Micro Palencia Sonora 2021.</p>
<p>Toda la información detallada en cuanto a precios y horarios en la web del festival.</p>
<p> </p>
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<p>La brasileña LaBaq, estrenará nuevo album el próximo día 26 de abril, como adelanto de “Lux” podemos distrutar de dos de los temas incluidos en el álbum “Vento” y “Glow”, que están disponibles a partir de hoy en plataformas digitales. Con su nuevo trabajo Labaq se mueve en un registro que la acerca a las cavilaciones del pop avant-garde, de la canción protesta experimental y texturas que van desde la bossa nova a la indietrónica o el machine pop...</p>
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<p><iframe src="http://www.youtube.com/embed/Y9xl4pdSD-w" width="450" height="300"></iframe></p>
<p> </p>
<p> </p>
<p>La programación del festival se extiende hasta el día 2 de diciembre con obras tan interesantes como por ejemplo <em>Kusama – Infinity</em> que narra de manera excepcional la vida y la obra de la japonesa Yayoi Kusama, la artista viva más cotizada, una mujer que, gracias a su carácter fuerte y determinado, logró liberarse de la rígida sociedad en la que se crió, superando el sexismo, el racismo y la enfermedad mental para llevar su incomparable y maravillosa visión artística a la escena mundial. A los 88 años, Kusama vive en un hospital psiquiátrico y continúa creando arte en su taller.</p>
<p><iframe src="http://www.youtube.com/embed/x8mdIB1WxHI" width="450" height="300"></iframe></p>
<p>+ info<a href="https://www.dart-festival.com/docs/espiritu-pintura/"> dart-festival.com</a></p>
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<p class="txt_respuesta">La música me ha acompañado toda la vida. Siempre he soñado con hacer musicales como actriz, y en mi tiempo libre me ha gustado componer con mi guitarra y compartir mis canciones con familia y amigos. Está siendo muy especial para mi poder por fin compartirlo con más gente.</p>
<p class="txt_pregunta">Por qué “Subo Bajo” como título de tu primer trabajo</p>
<p class="txt_respuesta">“Subo Bajo” es el nombre de uno de los temas del disco, y me pareció que abarcaba muy bien el conjunto de las demás canciones. Tengo temas pausados, íntimos, dulces, y otros más gamberros, como una rumba o el reggae “Balanceo”. Además los temas de los que hablo tienen que ver con los altibajos de la vida y las emociones extremas.</p>
<p class="txt_respuesta"> </p>
<p><img src="/files/images/resize/640x1000_manuela-119839.jpeg" alt="640x1000_manuela-119839.jpeg" /></p>
<p class="txt_pregunta">Un tema al que tengas especial “cariño”…</p>
<p class="txt_respuesta">¡Es muy difícil escoger! Todas las he escrito en algún momento especial de mi vida… Fue complicado elegir el primer single, pero ahora te puedo decir que “Amanezco Cantando” fue una buena elección.. La gente está identificándose mucho con la letra y me gusta pensar que representa mi “Amanecer”, mi ¨despertar¨en la música.</p>
<p class="txt_pregunta">Cuáles son tus fuentes de inspiración a la hora de componer…</p>
<p class="txt_respuesta">Mi vida, cosas que veo, que siento, papeles que interpreto, un amanecer, un paisaje…</p>
<p><span class="txt_pregunta">Tus referentes musicales…</span><span class="txt_respuesta"> Antonio Vega, Serrat, Cristina Rosenvinge, Natalia Lafourcade, Vetusta Morla, Jorge Drexler…</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Tu faceta como actriz te aporta algún tipo de sinergia a tu faceta musical.</span> <span class="txt_respuesta">Creo que sí. En mi primer concierto, no era la primera vez que me subía a un escenario, y creo que a la hora de cantar también interpreto mis canciones… Me gusta contar historias, mirar a los ojos de la gente y que sientan lo que dice la canción.</span></p>
<p class="txt_pregunta">Tus inicios en el cine fueron de la mano de Julio Medem, que recuerdas de aquella época.</p>
<p class="txt_respuesta">Para mí fue una alegría y un susto. Nunca me había puesto delante de una camara y fue un rodaje duro e intenso. Lo recuerdo como un gran sueño. Descubrí mi vocación y disfruté muchísimo cada momento. Aprendí muchas cosas.</p>
<p class="txt_respuesta">Un consejo que me dio Medem una vez que ensayaremos con Charlotte Rampling es que nunca opinase del trabajo de otro actor cuando estaba él dirigiendo. Eso se me quedó grabado. Glups.</p>
<p class="txt_pregunta">En una entrevista tuya leí que en el cine y las series de TV se perciben claramente desigualdades de género desde el momento en que las mejores tramas y diálogos más largos suelen vincularse a papeles masculinos y las mujeres suelen ser las "desencadenadoras de conflictos". ¿Crees que esta desigualdad es trasladable al sector musical? Por favor comentamos tu opinión al respecto...</p>
<p class="txt_respuesta">Creo que con respecto al cine las cosas están cambiando. Ha sido muy importante hablar de esto y no dar por sentado ciertas cosas para que se produzca el cambio.</p>
<p class="txt_respuesta">En la música estoy asomando la cabeza y aún no tengo experiencia. Lo único que sé es que yo me siento muy libre, orgullosa y creadora de mi proyecto.</p>
<p><img src="/files/images/resize/640x1000_manuela-272892.jpeg" alt="640x1000_manuela-272892.jpeg" /></p>
<p> </p>
<p>CURIOSIDADES:</p>
<p><span class="txt_pregunta">Las pasiones de tu vida son:</span><span class="txt_respuesta"> El amor, el viento en la cara, un día de sol, y el helado de dulce de leche.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Canción comercial que cantas en la ducha:</span> "<span class="txt_respuesta">Poker Face" de Lady Gaga</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Una película que te haya impactado:</span> <span class="txt_respuesta">El Reino de Rodrigo Sorogoyen</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Un libro:</span> <span class="txt_respuesta">Poemas de Pedro Casariego</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Un festival de música especial</span>:<span class="txt_respuesta"> El Primavera Sound</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Has posado para diferentes editoriales de moda, ¿te gusta la moda?</span><span class="txt_respuesta"> No soy muy de tendencias. Me gusta vestirme con lo que me encuentro bien y cómoda.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">¿Dónde te gusta comprar tu ropa, en pequeñas tiendas o en grandes superficies y por qué?</span>… <span class="txt_respuesta">Me gusta ver tiendas cuando viajo a otras ciudades. Es parte de la visita, como comer en restaurantes ricos..</span> </p>
<p><span class="txt_respuesta txt_pregunta">Jamás sales</span> <span class="txt_respuesta"><span class="txt_pregunta">a la calle sin</span>: Cartera, móvil, llaves,… cartera, móvil, llaves… Y aún así a veces se me olvida alguna.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Lo que no falta nunca en tu mesa de noche:</span> <span class="txt_respuesta">Un vaso de agua, un libro y el teléfono-despertador.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Último descubrimiento musical que te fascina</span>: <span class="txt_respuesta">Chicco, música africana.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Un lugar ideal para desconectar:</span><span class="txt_respuesta"> La montaña</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Te gustan las plantas\ flores...</span> <span class="txt_respuesta">Reconozco que muchas no las he podido cuidar y al final he optado por alguna artificial..</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Un día perfecto comenzaría por:</span> <span class="txt_respuesta">Desayuno en la cama y más cosas…</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Una comida sobre todas las demás:</span> <span class="txt_respuesta">La tortilla de patata y las croquetas.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Esa idea que te obsesiona desde hace años:</span><span class="txt_respuesta"> ¡Sacar un disco! ¡Epa!</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Elemento para que una noche de fiesta sea redonda:</span> <span class="txt_respuesta">Buena musica y NO LLEVAR TACONES.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Último pecado confesable cometido:</span> <span class="txt_respuesta">Jaja Sabes que si hubieras dicho inconfesable, no te lo iba a contar…</span></p>
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<p class="txt_respuesta">“Subo Bajo” es el nombre de uno de los temas del disco, y me pareció que abarcaba muy bien el conjunto de las demás canciones. Tengo temas pausados, íntimos, dulces, y otros más gamberros, como una rumba o el reggae “Balanceo”. Además los temas de los que hablo tienen que ver con los altibajos de la vida y las emociones extremas.</p>
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<p class="txt_pregunta">Cuáles son tus fuentes de inspiración a la hora de componer…</p>
<p class="txt_respuesta">Mi vida, cosas que veo, que siento, papeles que interpreto, un amanecer, un paisaje…</p>
<p><span class="txt_pregunta">Tus referentes musicales…</span><span class="txt_respuesta"> Antonio Vega, Serrat, Cristina Rosenvinge, Natalia Lafourcade, Vetusta Morla, Jorge Drexler…</span></p>
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<p class="txt_respuesta">Para mí fue una alegría y un susto. Nunca me había puesto delante de una camara y fue un rodaje duro e intenso. Lo recuerdo como un gran sueño. Descubrí mi vocación y disfruté muchísimo cada momento. Aprendí muchas cosas.</p>
<p class="txt_respuesta">Un consejo que me dio Medem una vez que ensayaremos con Charlotte Rampling es que nunca opinase del trabajo de otro actor cuando estaba él dirigiendo. Eso se me quedó grabado. Glups.</p>
<p class="txt_pregunta">En una entrevista tuya leí que en el cine y las series de TV se perciben claramente desigualdades de género desde el momento en que las mejores tramas y diálogos más largos suelen vincularse a papeles masculinos y las mujeres suelen ser las "desencadenadoras de conflictos". ¿Crees que esta desigualdad es trasladable al sector musical? Por favor comentamos tu opinión al respecto...</p>
<p class="txt_respuesta">Creo que con respecto al cine las cosas están cambiando. Ha sido muy importante hablar de esto y no dar por sentado ciertas cosas para que se produzca el cambio.</p>
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<p>CURIOSIDADES:</p>
<p><span class="txt_pregunta">Las pasiones de tu vida son:</span><span class="txt_respuesta"> El amor, el viento en la cara, un día de sol, y el helado de dulce de leche.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Canción comercial que cantas en la ducha:</span> "<span class="txt_respuesta">Poker Face" de Lady Gaga</span></p>
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<p><span class="txt_pregunta">¿Dónde te gusta comprar tu ropa, en pequeñas tiendas o en grandes superficies y por qué?</span>… <span class="txt_respuesta">Me gusta ver tiendas cuando viajo a otras ciudades. Es parte de la visita, como comer en restaurantes ricos..</span> </p>
<p><span class="txt_respuesta txt_pregunta">Jamás sales</span> <span class="txt_respuesta"><span class="txt_pregunta">a la calle sin</span>: Cartera, móvil, llaves,… cartera, móvil, llaves… Y aún así a veces se me olvida alguna.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Lo que no falta nunca en tu mesa de noche:</span> <span class="txt_respuesta">Un vaso de agua, un libro y el teléfono-despertador.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Último descubrimiento musical que te fascina</span>: <span class="txt_respuesta">Chicco, música africana.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Un lugar ideal para desconectar:</span><span class="txt_respuesta"> La montaña</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Te gustan las plantas\ flores...</span> <span class="txt_respuesta">Reconozco que muchas no las he podido cuidar y al final he optado por alguna artificial..</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Un día perfecto comenzaría por:</span> <span class="txt_respuesta">Desayuno en la cama y más cosas…</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Una comida sobre todas las demás:</span> <span class="txt_respuesta">La tortilla de patata y las croquetas.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Esa idea que te obsesiona desde hace años:</span><span class="txt_respuesta"> ¡Sacar un disco! ¡Epa!</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Elemento para que una noche de fiesta sea redonda:</span> <span class="txt_respuesta">Buena musica y NO LLEVAR TACONES.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Último pecado confesable cometido:</span> <span class="txt_respuesta">Jaja Sabes que si hubieras dicho inconfesable, no te lo iba a contar…</span></p>
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<p>El tour de Jurado proseguirá por Valencia (21 de octubre, Teatro El Musical), Madrid (el 22, Teatro Calderón), Ourense (el 25, Teatro Principal, dentro del ciclo American Autumn) y finalizará en el vizcaíno festival BIME(donde actuará el 26 de octubre en el Stage Teatro).</p>
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<p>El estadounidense será teloneado por Nacho Casado con sus filias sonoras brasileñas y jazzies...</p>
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<p>+ info: houstonpartymusic.com</p>',
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<p> Desde el 8 de agosto hasta el 12 no me extrañaría entrar en Wikipedia y ver que Aranda de Duero ha pasado a llamarse Sonorama. El pueblo digievoluciona en una rave indie donde viene a ser imprescindible tener una ametralladora de agua, bien para protegerte del calor de la Plaza del Trigo o bien para devolverle la jugada a ese festivalero con camisa hawaiana que te saluda desde la otra punta de la Plaza del Rollo.</p>
<p>Sonorama sufre una metamorfosis si la comparas con el día y la noche. Por el día brilla demasiado debido a las altas cantidades de purpurina, las camisas de colores, las gafas de sol más extravagantes y la piel mojada por la manguera de Antonio -y varios vecinos que también colaboran en la batalla contra el calor-. Hay varios estilos de sonorámicos, los que “arenalsoundizan” el festival y los que beben hasta los posos del grupo más recóndito. En el punto medio está la virtud, al menos para mí. Ni tanto ni tan calvo que decía aquel. El pueblo está para disfrutar, escuchar música, bailar, abrazarte, mojarte y es el momento idóneo para quedar con esos “festiamigos” a los que, exactamente, hace 365 días que no ves, así como para reencontrarte con ese cachi de croquetas que en la pasada edición te devolvió a la vida tras darlo todo con un combo de “Toro” y “Mira como vuelo”.</p>
<p><img src="/files/images/resize/640x1000_img-20180810-wa000450138.jpeg" alt="640x1000_img-20180810-wa000450138.jpeg" /></p>
<p>Volvimos a sufrir la transformación. Por las venas dejó de brotar la sangre para hacerlo el Ribera del Duero y por nuestros tímpanos solo fluyeron las ondas de los enormes altavoces que sirven de escaparate para las 118 bandas diferentes que pasaron por los trece escenarios. Un año más nos adentramos en el festival de pop rural más famoso del mundo.</p>
<p>Tras plantar la tienda de campaña el miércoles por la tarde es buen momento de telefonear a un par de amigos que han llegado por su cuenta. El primer día es de contacto y hay que guardar fuerzas pese a que somos unos fijos en la fiesta bienvenida del pueblo. En la parrilla de salida de esta maratón indie estaban Disco Las Palmeras! y Triángulo Inverso (bandas recomendadas por Lados Magazine en la previa de Sonorama). Tras escuchar sus nuevos trabajos, ‘Cálida’ y ‘Golpe y efecto’ respectivamente, fue turno para Correos -que también estaban de estreno con ‘Terapia, terapia’- y Kid Simus. Entre medias salió Dj Ziry, paisano arandino. Un inicio con tres de los nuevos sabores de este 2018 rico en vitamina musical. Sin olvidar la fiesta de disfraces, pero para entonces ya estábamos bailando sobre Aranda los mejores hits a ritmo de Intronauta y Blutaski.</p>
<p><strong><em> Mari Carmen, El Cigala está en el ‘afterhour’</em></strong></p>
<p>El despertador sonó pronto en el camping. Ducha rápida (parecía que el agua no estaba tan fría como años atrás) en esa maraña de tubos en forma de cubo que mejora la línea de duchas de otras ediciones. Sin esperar a los rezagados, bajamos a la Plaza del Trigo. Hay que hacerse fuertes en la plaza más famosa de Aranda. De camino nos deleitamos con Floridablanca y su “Solo de madrugada” en la Plaza de la Sal. Nuestro destino es Desvariados, Staytons y el gran Jacobo Serra. Y de sorpresa… Cycle. Javier Ajenjo brindó el primer momento Espíritu Ribera desde el escenario Radio 3 para bailar el famoso “Confusion!!!” de la banda de electropop anglo-española.</p>
<p>El fantasma de la cola de dos horas del año pasado desapareció. Una entrada escalonada, así como la organización del reparto de pulseras tanto durante la semana en Aranda como en el camping durante todo el festival, permitió que los asistentes pudiesen entrar sin problemas a ver a sus artistas favoritos. El nuestro fue El Cigala. No porque nos encante la mezcla de flamenco con salsa de ‘Lágrimas negras’ pero era la guinda del cartel y estaba marcado en rojo en nuestros horarios. Sin embargo, Diego dejó un sabor agridulce tras retrasarse más de 45 minutos. El cantaor salió y se llevó aplausos, sobre todo cuando pegaba un traguito a su copa, pero se le vio fuera de su hábitat natural.</p>
<p>Nuestra siguiente parada fue el escenario Burgos Origen y Destino (el tercero en importancia) para empalmar Modelo de Respuesta Solar, Egon Soda y Pasajero. Un triplete que bien merecía haber estado en otra localización y en otro horario para no coincidir con Bunbury y Mikel Erentxun. Y a su vez, Enrique San Francisco exponía su humor en el escenario Negrita.</p>
<p> Con Rozalen se vieron los primeros tapones entre el público. La cabezonería nos hace ir por el camino más corto para acceder al escenario principal y, en la mayoría de las veces, es el peor. “La puerta violeta” y “Comiéndote a besos” fueron los temas más aclamados de la manchega que acabó, junto a su inseparable Beatriz Romero -intérprete de lenguaje de signos-, con “Girasoles”. No fue la última vez en que Rozalen pisó el escenario Ribera ya que lo hizo con La Pegatina para entonar el “Algo está pasando”. La banda que mezcla ska, rumba catalana y pogos fue lo más bailado de la jornada del jueves. Entre “Mari Carmen” y “Lloverá y yo veré” el recinto se envolvió en un ritmo festivo para brincar junto a los tuyos. Ritmos poco comunes entre los indies que acabaron conquistando hasta los más puretas.</p>
<p>Hubo tiempo de ver a Lagartija Nick y las “Chinches” de Amatria. Pero también hubo escapadas hacia el tercer escenario para ver a Ley Dj & DSJ Pop Live (volvimos a cantar “Solo quiero bailar” de Zenttric cuando ya mi cerebro la había reciclado hacía años), DJ Amable y Eme DJ.</p>
<p><strong><em>La consagración de La M.O.D.A.</em></strong></p>
<p>Ya lo hicieron con Izal y lo han conseguido con La M.O.D.A. Aquello que suena en Sonorama se suele convertir en oro. La banda de Burgos se coronó como líder indiscutible de un día en el que compartía escenario con el hermano malo de Oasis, con Nada Surf o Milky Chance. Resplandecieron en los dos puntos más importantes del festival, primero en la Plaza del Trigo y posteriormente en el escenario Ribera.</p>
<p>La corneta sonó a la misma hora con el mismo ritual que nos llevó hasta el escenario Radio 3. Los ritmos caribeños de Club del Río y el taconeo de Tomasito nos deleitaron. Este último salió a las tablas como un pincel y, como es de costumbre, acabó en calzones interpretando una versión de "Back in black" de AC/DC y “El vino y el pescao” de aquel supergrupo llamado G5 que creó junto a Kiko Veneno y Muchachito. Tu Otra Bonita se arrancó con Rosalía y su “Malamente” y nos pareció un fastidio no ver a Rubén Pozo & Lichis pero ya nos habían chivado la sorpresa que se venía en el Trigo.</p>
<p>Allí estaba, Javier Ajenjo, organizador de Sonorama, con una camiseta de tirantes blanca dando paso a La Maravillosa Orquesta del Alcohol. Los burgaleses jugaban en casa y ganaron por goleada. “Los hijos de Johnny Cash” pusieron todo su talento en la pequeña plaza que parece enorme cuando se llena. “PRMVR”, “1932”, “¿Quién nos va a salvar?”, “Nómadas”, “Gasoline” y “Héroes del sábado” reventaron la calle Isilla. Exhaustos nos fuimos a comer y a canturrear un rato por el resto de calles repletas de Aranda.</p>
<p>Nos hubiese encantado llegar al “Rock & roll queen” de The Subways pero descansamos hasta Ángel Stanich. El ermitaño del rock nunca falta en nuestro itinerario y más aún si interpreta ‘Antigua y Barbuda’ como lo hizo. Un repaso por el ‘Camino Ácido’ recorriendo a su vez el nuevo elepé, con un globo aerostático de fondo, y el final con “Metralleta Joe” dejó una estampa inmejorable. Hubo hasta dedicatoria para el gran “ausente” de esta edición (Julio Iglesias). L.A. y su ‘Kings of beasts’ volvió a emocionarnos y a ponernos los pelos de punta cada vez que suena “Stop the clocks”.</p>
<p>Unos con Nada Surf, y otros con Pantomima Full, de fondo aprovechamos para recargar fuerzas y coger sitio para el platazo fuerte del día: Liam Gallagher. Me retorceré sobre mi tumba por haber faltado a El Último Vecino y La Plata, seguramente de mis bandas favoritas del cartel, pero los horarios no hicieron justicia a su talento -algo que he maldecido con ganas- y no iba a tener muchas más oportunidades de ver al chico malo de Manchester. Allí se plantó Liam.</p>
<p><img src="/files/images/resize/640x1000_img-20180811-wa000031429.jpeg" alt="640x1000_img-20180811-wa000031429.jpeg" /></p>
<p> </p>
<p>Seguramente no sabría en qué punto estaba de Aranda pero el escenario principal estaba como si de su ciudad natal se tratase, a rebosar. Empezó con tres temas de Oasis (“Rock ‘n’ roll star” y “Morning glory” entre ellos) y siguió con sus canciones: “Greedy soul”, “Wall of glass”, “Bold” y “For what it’s worth”. No arriesgó más y empalmó “Whatever”, “Supersonic” y “Cigarettes & alcohol” para llegar a “Wonderwall”. Aquí apareció su carácter macarra y paró en medio del estribillo cuando todas las gargantas del público ya entonaban el “And all the roads we have to walk are winding”… paró en seco. Liam recriminó a uno de seguridad que dejase disfrutar a un chico del público y volvió a iniciar la canción (por lo que escuchamos casi dos veces “Wonderwall”). Cosas de ser una estrella de rock. Finiquitó su estancia con “Live Forever”.</p>
<p>La M.O.D.A. volvió a aparecer en Sonorama, esta vez en el escenario Ribera. El septeto liderado por David Ruiz quitó cualquier espejismo de lo vivido ese mismo día por la mañana. Supongo que Liam estaría aún en el recinto y vería pasar a estos chavales de Burgos pasarle como un avión y dejándole como una simple anécdota de viernes de Sonorama. Folk, blues, rock & roll y punk en nuestros oídos. Recuperaron todos los temas del Trigo y se recrearon con su tercer trabajo ‘Salvavida (de las balas perdidas)’. No faltó mi favorita, “Vasos vacío”, ni “Los lobos”, ni “La inmensidad”, ni “Hay un fuego”, ni “Catedrales”. Nada quedó en el tintero. Un reconocimiento merecidísimo para este grupo que hacía siete años estaba tocando en este mismo festival ante treinta personas, de las cuales, la mitad serían curiosos. Era viernes, pero fueron los “Héroes del sábado”.</p>
<p>Y aún quedaba Viva Suecia. Los murcianos no tienen nada que envidiar a los burgaleses, e incluso a mí no me hubiese parecido una chifladura que tocasen en el escenario principal, pero al menos, esta vez les pusieron en un horario decente para lo que se merecen. Comenzaron con “Piedad” y siguieron con “El nudo y la esperanza” y “Los años” para desembocar en “A dónde ir”. Entre ‘Otros principios fundamentales’ y ‘La fuerza mayor’ -sus dos discos- han creado una burbuja que atrae a miles de adeptos. “Permiso o perdón”, “Bien por ti” y “Hemos ganado tiempo” fueron el final de una banda que tiene su cuna en Sonorama, y que si siguen en la línea de sus hermanos mayores… les auguro un gran desenlace.</p>
<p>Algunos sacamos fuerzas de algún lado y reventamos la noche con la “Fábrica de baile” de Joe Crepusculo y el final de ElyElla -Amatria incluido para sus “Chinches”-. Daniless y Estereoclub DJs fueron los culpables de que llegásemos (tan) tarde al camping.</p>
<p> <strong><em>La increíble historia del grupo que podía volar en Sonorama pero no sabía cómo</em></strong></p>
<p> Te puede gustar más, menos, nada, pero algo es indiscutible: Izal ha triunfado y en parte es por Sonorama. Es su casa. Mikel, Alberto, Gato, Alejandro e Iván atraen a hordas de festivaleros. Su regreso era esperadísimo en Aranda y eso que el año pasado hicieron su aparición estelar en el Trigo rememorando aquel “Que bien” de 2013. Ahora, tras pasar ‘Autoterapia’ volvieron a sobrevolar el recinto de Aranda.</p>
<p> Antes de poner rumbo al meollo, Repion en la Plaza de la Sal fue nuestra primera parada. En el Trigo nos asombraron Claim y sobre todo Carolina Durante. Los madrileños lo petaron muy fuerte y eso que contarán con menos de un año de vida en la farándula. “Cayetano”, “El himno titular”, “En verano” o “Niña de hielo” hicieron vibrar la plaza. El subidón que han pegado era digno de ponerles en el segundo escenario más importante de Sonorama. Mientras cantábamos el “todos mis amigos se llaman Cayetano”, Nathy Peluso en el escenario Charco y La Bien Querida en el escenario Castilla y León hacían delicias de aquellos que pasaron del mogollón.</p>
<p>Pero el Espíritu Ribera volvió a lo grande y lo hizo con Lori Meyers. Si Carolina Durante hizo vibrar los cimientos, los de Loja hicieron tambalear los cimientos y las bodegas subterráneas que recorren el centro de Aranda (si más de uno supiese lo que hay bajo sus pies se pensaría dos veces meterse allí con taitantos mil festivaleros botando sin parar). Noni y compañía crearon la locura desde la primera canción. “Luces de neón”, “Siempre brilla el sol”, “Tokio ya no nos quiere”, “El tiempo pasará”, “Emborracharme”, “Mi realidad” y “Alta fidelidad”. Una de las bandas que faltaban por pasar por las tablas más famosas de la localidad burgalesa dejaron el pabellón bien alto así como un recuerdo imborrable en la mente de todos aquellos que llenaron -literal- la plaza y la calle que principal de Aranda de Duero.</p>
<p>Mi capitán abrió el recinto con ‘Un tiro por la salud del imperio’. Seguimos al tercer escenario con Cosmen Adelaida y Los Punsetes. Ariadna, con un traje regional (?), gritó “¡Viva!”, “Tu puto grupo”, “Maricas”, “Opinión de Mierda” y “Tus amigos”. Impecables como siempre a la par que punzantes con su estilo y letras. Vi a más de uno sorprendido por la puesta en escena -seguro que ese no para de escucharles ahora mismo-.</p>
<p>Nos habíamos perdido Maga y Sidecars pero no podíamos hacer eso a Xoel López. Pese a llegar con el concierto a medias pudimos disfrutar del exquisito ‘Sueños y pan’. Un fijo en Sonorama, que desde que yo tengo uso de razón, solo ha faltado a una edición. Corriendo nos fuimos a Izal que presentaba su ‘Autoterapia’ ante su público más fiel. Arrancaron con la canción que da nombre a su cuarto disco y con “Ruido blanco” aunque enseguida Mikel calmó a aquellos que no habían estudiado para el examen ya que aún iban a pasar por ‘Copacabana’ a través de los ‘Agujeros de gusano’ y haciendo ‘Magia y efectos especiales’. El líder de la banda brindó “Pausa”, “Pequeña gran revolución”, “Los seres que me llenan” y “Tóxica”. El acierto llegó cuando interpretaron “La increíble historia del hombre que podía volar pero no sabía cómo”.</p>
<p>El líder de la banda explicó la importancia de un festival que les ha visto (ha hecho) crecer desde aquel “Que bien” famoso en la Plaza del Trigo. Ante este tema, Mikel y Alberto explicaron lo que sintieron y que cerca estuvo de quedarse fuera de su primer trabajo. Con “Pánico práctico” hizo un alegato contra el machismo y metió el rush final con un directo más que ensayado y que no se permite ni un sobresalto. “El baile” y “El pozo” fueron la traca final con fuegos artificiales incluidos. El público les llevó en volandas, como siempre. Sonorama es su casa.</p>
<p>Mientras cenábamos vimos a Los Nastys y su disco ‘Música para el amor y la guerra’. De los mejores de lo que llevamos en este 2018. Cabe destacar que el recinto, pese a la masificación en algunas de las entradas a los conciertos estaba bastante bien organizado con una nueva localización de los baños, merchandising y food trucks. Nada de tapones y saltos de valla como el año pasado.</p>
<p>Dorian llegó con su ‘Justicia universal’ al escenario principal no sin olvidar “La tormenta de arena”, “A cualquier otra parte”, “Los amigos que perdí” y “Verte amanecer”. Entre confeti y bailes, la noche veía el final. Pero de repente, Nunatak nos revivió. La banda cartaginense dejó en bandeja su disco de este curso: ‘Nunatak y el tiempo de los valientes’. Si no lo habéis escuchado ya estáis tardando. Vintage Trouble nos enloqueció y el ritmazo de Ty Taylor que no dudó en escalar la mesa de sonido y nadar entre el público. Ah, y también cantamos el “Macaulay Culkin” con Ladilla Rusa.</p>
<p>Nancys Rubias proclamaron la guerra a Barbie con su “Alfabeto nancy”, “Peluquitas” y “Me encanta”. Mario Vaquerizo se tomó un par de latas de cerveza ante los sonorámicos que ya estaba más con la botella de agua que con otra cosa. Algunos dijeron que era playback pero yo estaba demasiado lejos como para comprobarlo con lupa. Hot Chip Dj cerró el recinto en este 2018.</p>
<p><strong><em>Bendito domingo junto a Cala Vento y Varry Brava</em></strong></p>
<p>Los domingos de Sonorama son tristes. Puede que para muchos sean el día más triste del año. Las despedidas, recoger la tienda de campaña y sobre todo pensar que tienes que trabajar al día siguiente cuando todavía hay gente que aún va a disfrutar del festival aunque sea de una manera más ‘light’.</p>
<p>Este año tuve la suerte de aguantar en esta jornada de desbandada y comprobé que la Plaza del Trigo se sigue llenando. Comandante Twin y El Meister crearon el ambiente. Este último con su calidad artística que también se vio la noche anterior con Arizona Baby. Llegó el turno de Cala Vento. Joan y Aleix se comen el escenario. Tal cual. A ellos dos les basta para noquear a todos con su disco homónimo y ‘Fruto Panorama’. La batuta la cogieron Varry Brava que salieron de sorpresa. Los de Murcia montaron la “Fiesta” en un escenario donde brotaba ya el “Calor”. Se rindieron ante todos los presentes y continuaron con “No gires”, “El sitio perfecto”, “Chicas” y “Fantasmas”.</p>
<p>Mi Sonorama concluyó en ese mismo momento. Llegué a la meta de mi maratón musical pese a que en el escenario Desperados del camping quedaban por tocar Villanueva, Anaut, Embusteros, Sexy Zebras y las sorpresas Julieta 21 y Taburete. Aunque yo para entonces… ya estaba “caminito al motel”. Con esta broma mala confirmo que el próximo año volveré a pisar esas calles que se llenan de agua y confeti, esos escenarios que dan las mismas oportunidades a los grupos emergentes como a los consagrados y sobre todo volveré a tomar ese vino que aún recorre por mi cuerpo. Seguramente, en la definición de la palabra “música”, Sonorama aparece en una de sus acepciones.</p>',
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<p> Desde el 8 de agosto hasta el 12 no me extrañaría entrar en Wikipedia y ver que Aranda de Duero ha pasado a llamarse Sonorama. El pueblo digievoluciona en una rave indie donde viene a ser imprescindible tener una ametralladora de agua, bien para protegerte del calor de la Plaza del Trigo o bien para devolverle la jugada a ese festivalero con camisa hawaiana que te saluda desde la otra punta de la Plaza del Rollo.</p>
<p>Sonorama sufre una metamorfosis si la comparas con el día y la noche. Por el día brilla demasiado debido a las altas cantidades de purpurina, las camisas de colores, las gafas de sol más extravagantes y la piel mojada por la manguera de Antonio -y varios vecinos que también colaboran en la batalla contra el calor-. Hay varios estilos de sonorámicos, los que “arenalsoundizan” el festival y los que beben hasta los posos del grupo más recóndito. En el punto medio está la virtud, al menos para mí. Ni tanto ni tan calvo que decía aquel. El pueblo está para disfrutar, escuchar música, bailar, abrazarte, mojarte y es el momento idóneo para quedar con esos “festiamigos” a los que, exactamente, hace 365 días que no ves, así como para reencontrarte con ese cachi de croquetas que en la pasada edición te devolvió a la vida tras darlo todo con un combo de “Toro” y “Mira como vuelo”.</p>
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<p>Volvimos a sufrir la transformación. Por las venas dejó de brotar la sangre para hacerlo el Ribera del Duero y por nuestros tímpanos solo fluyeron las ondas de los enormes altavoces que sirven de escaparate para las 118 bandas diferentes que pasaron por los trece escenarios. Un año más nos adentramos en el festival de pop rural más famoso del mundo.</p>
<p>Tras plantar la tienda de campaña el miércoles por la tarde es buen momento de telefonear a un par de amigos que han llegado por su cuenta. El primer día es de contacto y hay que guardar fuerzas pese a que somos unos fijos en la fiesta bienvenida del pueblo. En la parrilla de salida de esta maratón indie estaban Disco Las Palmeras! y Triángulo Inverso (bandas recomendadas por Lados Magazine en la previa de Sonorama). Tras escuchar sus nuevos trabajos, ‘Cálida’ y ‘Golpe y efecto’ respectivamente, fue turno para Correos -que también estaban de estreno con ‘Terapia, terapia’- y Kid Simus. Entre medias salió Dj Ziry, paisano arandino. Un inicio con tres de los nuevos sabores de este 2018 rico en vitamina musical. Sin olvidar la fiesta de disfraces, pero para entonces ya estábamos bailando sobre Aranda los mejores hits a ritmo de Intronauta y Blutaski.</p>
<p><strong><em> Mari Carmen, El Cigala está en el ‘afterhour’</em></strong></p>
<p>El despertador sonó pronto en el camping. Ducha rápida (parecía que el agua no estaba tan fría como años atrás) en esa maraña de tubos en forma de cubo que mejora la línea de duchas de otras ediciones. Sin esperar a los rezagados, bajamos a la Plaza del Trigo. Hay que hacerse fuertes en la plaza más famosa de Aranda. De camino nos deleitamos con Floridablanca y su “Solo de madrugada” en la Plaza de la Sal. Nuestro destino es Desvariados, Staytons y el gran Jacobo Serra. Y de sorpresa… Cycle. Javier Ajenjo brindó el primer momento Espíritu Ribera desde el escenario Radio 3 para bailar el famoso “Confusion!!!” de la banda de electropop anglo-española.</p>
<p>El fantasma de la cola de dos horas del año pasado desapareció. Una entrada escalonada, así como la organización del reparto de pulseras tanto durante la semana en Aranda como en el camping durante todo el festival, permitió que los asistentes pudiesen entrar sin problemas a ver a sus artistas favoritos. El nuestro fue El Cigala. No porque nos encante la mezcla de flamenco con salsa de ‘Lágrimas negras’ pero era la guinda del cartel y estaba marcado en rojo en nuestros horarios. Sin embargo, Diego dejó un sabor agridulce tras retrasarse más de 45 minutos. El cantaor salió y se llevó aplausos, sobre todo cuando pegaba un traguito a su copa, pero se le vio fuera de su hábitat natural.</p>
<p>Nuestra siguiente parada fue el escenario Burgos Origen y Destino (el tercero en importancia) para empalmar Modelo de Respuesta Solar, Egon Soda y Pasajero. Un triplete que bien merecía haber estado en otra localización y en otro horario para no coincidir con Bunbury y Mikel Erentxun. Y a su vez, Enrique San Francisco exponía su humor en el escenario Negrita.</p>
<p> Con Rozalen se vieron los primeros tapones entre el público. La cabezonería nos hace ir por el camino más corto para acceder al escenario principal y, en la mayoría de las veces, es el peor. “La puerta violeta” y “Comiéndote a besos” fueron los temas más aclamados de la manchega que acabó, junto a su inseparable Beatriz Romero -intérprete de lenguaje de signos-, con “Girasoles”. No fue la última vez en que Rozalen pisó el escenario Ribera ya que lo hizo con La Pegatina para entonar el “Algo está pasando”. La banda que mezcla ska, rumba catalana y pogos fue lo más bailado de la jornada del jueves. Entre “Mari Carmen” y “Lloverá y yo veré” el recinto se envolvió en un ritmo festivo para brincar junto a los tuyos. Ritmos poco comunes entre los indies que acabaron conquistando hasta los más puretas.</p>
<p>Hubo tiempo de ver a Lagartija Nick y las “Chinches” de Amatria. Pero también hubo escapadas hacia el tercer escenario para ver a Ley Dj & DSJ Pop Live (volvimos a cantar “Solo quiero bailar” de Zenttric cuando ya mi cerebro la había reciclado hacía años), DJ Amable y Eme DJ.</p>
<p><strong><em>La consagración de La M.O.D.A.</em></strong></p>
<p>Ya lo hicieron con Izal y lo han conseguido con La M.O.D.A. Aquello que suena en Sonorama se suele convertir en oro. La banda de Burgos se coronó como líder indiscutible de un día en el que compartía escenario con el hermano malo de Oasis, con Nada Surf o Milky Chance. Resplandecieron en los dos puntos más importantes del festival, primero en la Plaza del Trigo y posteriormente en el escenario Ribera.</p>
<p>La corneta sonó a la misma hora con el mismo ritual que nos llevó hasta el escenario Radio 3. Los ritmos caribeños de Club del Río y el taconeo de Tomasito nos deleitaron. Este último salió a las tablas como un pincel y, como es de costumbre, acabó en calzones interpretando una versión de "Back in black" de AC/DC y “El vino y el pescao” de aquel supergrupo llamado G5 que creó junto a Kiko Veneno y Muchachito. Tu Otra Bonita se arrancó con Rosalía y su “Malamente” y nos pareció un fastidio no ver a Rubén Pozo & Lichis pero ya nos habían chivado la sorpresa que se venía en el Trigo.</p>
<p>Allí estaba, Javier Ajenjo, organizador de Sonorama, con una camiseta de tirantes blanca dando paso a La Maravillosa Orquesta del Alcohol. Los burgaleses jugaban en casa y ganaron por goleada. “Los hijos de Johnny Cash” pusieron todo su talento en la pequeña plaza que parece enorme cuando se llena. “PRMVR”, “1932”, “¿Quién nos va a salvar?”, “Nómadas”, “Gasoline” y “Héroes del sábado” reventaron la calle Isilla. Exhaustos nos fuimos a comer y a canturrear un rato por el resto de calles repletas de Aranda.</p>
<p>Nos hubiese encantado llegar al “Rock & roll queen” de The Subways pero descansamos hasta Ángel Stanich. El ermitaño del rock nunca falta en nuestro itinerario y más aún si interpreta ‘Antigua y Barbuda’ como lo hizo. Un repaso por el ‘Camino Ácido’ recorriendo a su vez el nuevo elepé, con un globo aerostático de fondo, y el final con “Metralleta Joe” dejó una estampa inmejorable. Hubo hasta dedicatoria para el gran “ausente” de esta edición (Julio Iglesias). L.A. y su ‘Kings of beasts’ volvió a emocionarnos y a ponernos los pelos de punta cada vez que suena “Stop the clocks”.</p>
<p>Unos con Nada Surf, y otros con Pantomima Full, de fondo aprovechamos para recargar fuerzas y coger sitio para el platazo fuerte del día: Liam Gallagher. Me retorceré sobre mi tumba por haber faltado a El Último Vecino y La Plata, seguramente de mis bandas favoritas del cartel, pero los horarios no hicieron justicia a su talento -algo que he maldecido con ganas- y no iba a tener muchas más oportunidades de ver al chico malo de Manchester. Allí se plantó Liam.</p>
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<p> </p>
<p>Seguramente no sabría en qué punto estaba de Aranda pero el escenario principal estaba como si de su ciudad natal se tratase, a rebosar. Empezó con tres temas de Oasis (“Rock ‘n’ roll star” y “Morning glory” entre ellos) y siguió con sus canciones: “Greedy soul”, “Wall of glass”, “Bold” y “For what it’s worth”. No arriesgó más y empalmó “Whatever”, “Supersonic” y “Cigarettes & alcohol” para llegar a “Wonderwall”. Aquí apareció su carácter macarra y paró en medio del estribillo cuando todas las gargantas del público ya entonaban el “And all the roads we have to walk are winding”… paró en seco. Liam recriminó a uno de seguridad que dejase disfrutar a un chico del público y volvió a iniciar la canción (por lo que escuchamos casi dos veces “Wonderwall”). Cosas de ser una estrella de rock. Finiquitó su estancia con “Live Forever”.</p>
<p>La M.O.D.A. volvió a aparecer en Sonorama, esta vez en el escenario Ribera. El septeto liderado por David Ruiz quitó cualquier espejismo de lo vivido ese mismo día por la mañana. Supongo que Liam estaría aún en el recinto y vería pasar a estos chavales de Burgos pasarle como un avión y dejándole como una simple anécdota de viernes de Sonorama. Folk, blues, rock & roll y punk en nuestros oídos. Recuperaron todos los temas del Trigo y se recrearon con su tercer trabajo ‘Salvavida (de las balas perdidas)’. No faltó mi favorita, “Vasos vacío”, ni “Los lobos”, ni “La inmensidad”, ni “Hay un fuego”, ni “Catedrales”. Nada quedó en el tintero. Un reconocimiento merecidísimo para este grupo que hacía siete años estaba tocando en este mismo festival ante treinta personas, de las cuales, la mitad serían curiosos. Era viernes, pero fueron los “Héroes del sábado”.</p>
<p>Y aún quedaba Viva Suecia. Los murcianos no tienen nada que envidiar a los burgaleses, e incluso a mí no me hubiese parecido una chifladura que tocasen en el escenario principal, pero al menos, esta vez les pusieron en un horario decente para lo que se merecen. Comenzaron con “Piedad” y siguieron con “El nudo y la esperanza” y “Los años” para desembocar en “A dónde ir”. Entre ‘Otros principios fundamentales’ y ‘La fuerza mayor’ -sus dos discos- han creado una burbuja que atrae a miles de adeptos. “Permiso o perdón”, “Bien por ti” y “Hemos ganado tiempo” fueron el final de una banda que tiene su cuna en Sonorama, y que si siguen en la línea de sus hermanos mayores… les auguro un gran desenlace.</p>
<p>Algunos sacamos fuerzas de algún lado y reventamos la noche con la “Fábrica de baile” de Joe Crepusculo y el final de ElyElla -Amatria incluido para sus “Chinches”-. Daniless y Estereoclub DJs fueron los culpables de que llegásemos (tan) tarde al camping.</p>
<p> <strong><em>La increíble historia del grupo que podía volar en Sonorama pero no sabía cómo</em></strong></p>
<p> Te puede gustar más, menos, nada, pero algo es indiscutible: Izal ha triunfado y en parte es por Sonorama. Es su casa. Mikel, Alberto, Gato, Alejandro e Iván atraen a hordas de festivaleros. Su regreso era esperadísimo en Aranda y eso que el año pasado hicieron su aparición estelar en el Trigo rememorando aquel “Que bien” de 2013. Ahora, tras pasar ‘Autoterapia’ volvieron a sobrevolar el recinto de Aranda.</p>
<p> Antes de poner rumbo al meollo, Repion en la Plaza de la Sal fue nuestra primera parada. En el Trigo nos asombraron Claim y sobre todo Carolina Durante. Los madrileños lo petaron muy fuerte y eso que contarán con menos de un año de vida en la farándula. “Cayetano”, “El himno titular”, “En verano” o “Niña de hielo” hicieron vibrar la plaza. El subidón que han pegado era digno de ponerles en el segundo escenario más importante de Sonorama. Mientras cantábamos el “todos mis amigos se llaman Cayetano”, Nathy Peluso en el escenario Charco y La Bien Querida en el escenario Castilla y León hacían delicias de aquellos que pasaron del mogollón.</p>
<p>Pero el Espíritu Ribera volvió a lo grande y lo hizo con Lori Meyers. Si Carolina Durante hizo vibrar los cimientos, los de Loja hicieron tambalear los cimientos y las bodegas subterráneas que recorren el centro de Aranda (si más de uno supiese lo que hay bajo sus pies se pensaría dos veces meterse allí con taitantos mil festivaleros botando sin parar). Noni y compañía crearon la locura desde la primera canción. “Luces de neón”, “Siempre brilla el sol”, “Tokio ya no nos quiere”, “El tiempo pasará”, “Emborracharme”, “Mi realidad” y “Alta fidelidad”. Una de las bandas que faltaban por pasar por las tablas más famosas de la localidad burgalesa dejaron el pabellón bien alto así como un recuerdo imborrable en la mente de todos aquellos que llenaron -literal- la plaza y la calle que principal de Aranda de Duero.</p>
<p>Mi capitán abrió el recinto con ‘Un tiro por la salud del imperio’. Seguimos al tercer escenario con Cosmen Adelaida y Los Punsetes. Ariadna, con un traje regional (?), gritó “¡Viva!”, “Tu puto grupo”, “Maricas”, “Opinión de Mierda” y “Tus amigos”. Impecables como siempre a la par que punzantes con su estilo y letras. Vi a más de uno sorprendido por la puesta en escena -seguro que ese no para de escucharles ahora mismo-.</p>
<p>Nos habíamos perdido Maga y Sidecars pero no podíamos hacer eso a Xoel López. Pese a llegar con el concierto a medias pudimos disfrutar del exquisito ‘Sueños y pan’. Un fijo en Sonorama, que desde que yo tengo uso de razón, solo ha faltado a una edición. Corriendo nos fuimos a Izal que presentaba su ‘Autoterapia’ ante su público más fiel. Arrancaron con la canción que da nombre a su cuarto disco y con “Ruido blanco” aunque enseguida Mikel calmó a aquellos que no habían estudiado para el examen ya que aún iban a pasar por ‘Copacabana’ a través de los ‘Agujeros de gusano’ y haciendo ‘Magia y efectos especiales’. El líder de la banda brindó “Pausa”, “Pequeña gran revolución”, “Los seres que me llenan” y “Tóxica”. El acierto llegó cuando interpretaron “La increíble historia del hombre que podía volar pero no sabía cómo”.</p>
<p>El líder de la banda explicó la importancia de un festival que les ha visto (ha hecho) crecer desde aquel “Que bien” famoso en la Plaza del Trigo. Ante este tema, Mikel y Alberto explicaron lo que sintieron y que cerca estuvo de quedarse fuera de su primer trabajo. Con “Pánico práctico” hizo un alegato contra el machismo y metió el rush final con un directo más que ensayado y que no se permite ni un sobresalto. “El baile” y “El pozo” fueron la traca final con fuegos artificiales incluidos. El público les llevó en volandas, como siempre. Sonorama es su casa.</p>
<p>Mientras cenábamos vimos a Los Nastys y su disco ‘Música para el amor y la guerra’. De los mejores de lo que llevamos en este 2018. Cabe destacar que el recinto, pese a la masificación en algunas de las entradas a los conciertos estaba bastante bien organizado con una nueva localización de los baños, merchandising y food trucks. Nada de tapones y saltos de valla como el año pasado.</p>
<p>Dorian llegó con su ‘Justicia universal’ al escenario principal no sin olvidar “La tormenta de arena”, “A cualquier otra parte”, “Los amigos que perdí” y “Verte amanecer”. Entre confeti y bailes, la noche veía el final. Pero de repente, Nunatak nos revivió. La banda cartaginense dejó en bandeja su disco de este curso: ‘Nunatak y el tiempo de los valientes’. Si no lo habéis escuchado ya estáis tardando. Vintage Trouble nos enloqueció y el ritmazo de Ty Taylor que no dudó en escalar la mesa de sonido y nadar entre el público. Ah, y también cantamos el “Macaulay Culkin” con Ladilla Rusa.</p>
<p>Nancys Rubias proclamaron la guerra a Barbie con su “Alfabeto nancy”, “Peluquitas” y “Me encanta”. Mario Vaquerizo se tomó un par de latas de cerveza ante los sonorámicos que ya estaba más con la botella de agua que con otra cosa. Algunos dijeron que era playback pero yo estaba demasiado lejos como para comprobarlo con lupa. Hot Chip Dj cerró el recinto en este 2018.</p>
<p><strong><em>Bendito domingo junto a Cala Vento y Varry Brava</em></strong></p>
<p>Los domingos de Sonorama son tristes. Puede que para muchos sean el día más triste del año. Las despedidas, recoger la tienda de campaña y sobre todo pensar que tienes que trabajar al día siguiente cuando todavía hay gente que aún va a disfrutar del festival aunque sea de una manera más ‘light’.</p>
<p>Este año tuve la suerte de aguantar en esta jornada de desbandada y comprobé que la Plaza del Trigo se sigue llenando. Comandante Twin y El Meister crearon el ambiente. Este último con su calidad artística que también se vio la noche anterior con Arizona Baby. Llegó el turno de Cala Vento. Joan y Aleix se comen el escenario. Tal cual. A ellos dos les basta para noquear a todos con su disco homónimo y ‘Fruto Panorama’. La batuta la cogieron Varry Brava que salieron de sorpresa. Los de Murcia montaron la “Fiesta” en un escenario donde brotaba ya el “Calor”. Se rindieron ante todos los presentes y continuaron con “No gires”, “El sitio perfecto”, “Chicas” y “Fantasmas”.</p>
<p>Mi Sonorama concluyó en ese mismo momento. Llegué a la meta de mi maratón musical pese a que en el escenario Desperados del camping quedaban por tocar Villanueva, Anaut, Embusteros, Sexy Zebras y las sorpresas Julieta 21 y Taburete. Aunque yo para entonces… ya estaba “caminito al motel”. Con esta broma mala confirmo que el próximo año volveré a pisar esas calles que se llenan de agua y confeti, esos escenarios que dan las mismas oportunidades a los grupos emergentes como a los consagrados y sobre todo volveré a tomar ese vino que aún recorre por mi cuerpo. Seguramente, en la definición de la palabra “música”, Sonorama aparece en una de sus acepciones.</p>',
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<p>Los días 8, 9, 10, 11 y 12 de agosto Aranda de Duero se tiñe de color, agua fantasía, pistolas de agua y mucha música (sin olvidar el humor, una de las novedades de este año). El epicentro del indie nacional que el pasado año celebró su 20 aniversario quiere seguir dando importancia a los grupos españoles. En Lados Magazine recomendamos ocho bandas que no encabezan el cartel y que bien merecen ser “escenario principal” (cántico que suele entonar una abarrotada y entregada Plaza del Trigo).</p>
<p><strong><em>Los Nastys</em></strong></p>
<p>Este grupo de madrileños son viejos conocidos de Sonorama, ya les hemos visto en la Plaza del Trigo en pasadas ediciones, pero no podemos obviar su presencia. Ahora regresan a tierras burgalesas con <em>MÚSICA PARA EL AMOR Y LA GUERRA (El Volcán Música, 2018)</em>. Un LP que sigue teniendo el tono canalla que tanto les caracteriza y que elevan al máximo con “Veneno de Serpiente”, “Bla, Bla, Bla” y “Los Autos Locos”. Tocarán el sábado y el domingo.</p>
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<p><strong><em>Disco Las Palmeras!</em></strong></p>
<p><em>CÁLIDA</em><em> (Sonido Muchacho, 2018) </em>supone un paso más en el sonido de la banda gallega mucho más cerca del pop que del noise-rock que tanto han explotado en sus anteriores tres trabajos. Un contundente cambio que supone un movimiento de ficha del grupo y que sin duda ha llamado la atención. Son uno de nuestros imprescindibles para Sonorama 2018, que además se encargarán de abrir el festival el miércoles. De este punto de inflexión destacamos “Bestia “Hoy”, “Miedos” y “Alegría”.</p>
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<p><strong><em>La Plata</em></strong></p>
<p>Directos desde Valencia,presentarán uno de los discos revelación del año:<em> DESORDEN (Sonido Muchacho, 2018)</em>. Una amalgama de estilos que parten desde el pop triste -así es como ellos lo llaman- hasta llegar a acercarse al punk o al new wave. Están empezando, pero ya han hecho bastante ruido como para congregar a varios adeptos para escuchar el viernes de Sonorama temas como “Me Voy”, “Un Atasco”, “La Luz” o “Fracaso”. Por cierto, no han sido pocas las veces que he oído que esta banda se parece a El Último Vecino (que también estarán en el festival el sábado) pero a una velocidad superior.</p>
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<p><strong><em>Club del Río</em></strong></p>
<p>Los madrileños reaparecen con su tercer álbum <em>SUSTANCIA<strong> </strong></em><em>(El Volcán, 2018)</em> y con el indie flok más español que verás en este Sonorama. La voz de Esteban de Bergia se envuelve entre los instrumentos de viento y las optimistas melodías que ya son una marca de la casa. Un buenrrollismo perfecto para esos días de festival con los tuyos recordando los grandes momentos vividos. “Vaivén”, “Remedios” y la alegre “Bahama Mamma” levantará el viernes 10 de agosto a todos los sonoramicos.</p>
<p><strong><em>Cosmen Adelaida</em></strong></p>
<p>El indie más real llega con Javier Egea y Nacho de la Hoz en <em>DOS CABALLOS (El Genio Equivocado, 2017)</em>. Los matices más oscuros y psicodélicos aparecen en el trabajo que los madrileños expusieron el pasado año y que supuso grandes cambios en la banda como la renovación de su batería y bajista. Un trabajo donde sobresalen las guitarras y el trabajo del productor Paco Loco y que cuando lo escuchas te viene a la memoria una ciudad: Madrid. El grupo brindará temas como “Hermanos Wright”, “Parque Jurásico”, “Contra la Pared” y su pasado, e infalible, “Becerro de Oro”.</p>
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<p><strong><em>Triángulo Inverso</em></strong></p>
<p>El miércoles estarán en Sonorama presentando su disco debut <em>GOLPE Y EFECTO (Hook Ediciones Musicales, 2018)</em>. La banda muestra sus grandes hazañas y planta cara al miedo siguiendo el concepto marcado en el EP que publicaron en 2017: <em>CROMATISMOS</em>. Este sonido muy pop sirvió de punto de partida para un grupo que tuvo que nutrirse del ‘crowdfunding’ para que temas como “Hazañas”, “Barlovento” o “Ciudades” pudiesen ver la luz. Unos recién llegado que seguro que van a dar guerra.</p>
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<p><strong><em>Floridablanca</em></strong></p>
<p>Ritmos bailables para el jueves. Sonidos veraniegos de la mano de esta banda que anteriormente se llamaba Sin Rumbo. Tras varios años con ese anterior título, decidieron darse un lavado de cara y acercarse más a sonidos como el dance-funk de los setenta para reventar las pistas de baile y con “Solo de Madrugada” lo consiguen con creces y lo continúan con “Buscando el equilibrio”, “Leyendas” y “Deseo.Espejos.Olvidar”. Ellos mismos se catalogan como la banda sonora del fin de semana. Su disco debut llegará en otoño bajo el sello de Mushroom Pillow.</p>
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<p> </p>
<p><strong><em>Repion</em></strong></p>
<p>Recién salido del horno, el grupo publicó el adelanto “Los Noventa” del nuevo EP que verá la luz en noviembre de 2018. Un himno generacional para aquellos que nacimos en los noventa. Los ganadores del MadCool Talent 2018 son unos de las promesas del indie español que en ocasiones coquetea -y bastante- con el rock. Su rebeldía y melancolía no hay que perdérsela. Estarán en Sonorama el sábado y por el momento vibraremos con su álbum <em>AMAPOLA DUELES (Repion, 2016)</em>.</p>
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<p>Los días 8, 9, 10, 11 y 12 de agosto Aranda de Duero se tiñe de color, agua fantasía, pistolas de agua y mucha música (sin olvidar el humor, una de las novedades de este año). El epicentro del indie nacional que el pasado año celebró su 20 aniversario quiere seguir dando importancia a los grupos españoles. En Lados Magazine recomendamos ocho bandas que no encabezan el cartel y que bien merecen ser “escenario principal” (cántico que suele entonar una abarrotada y entregada Plaza del Trigo).</p>
<p><strong><em>Los Nastys</em></strong></p>
<p>Este grupo de madrileños son viejos conocidos de Sonorama, ya les hemos visto en la Plaza del Trigo en pasadas ediciones, pero no podemos obviar su presencia. Ahora regresan a tierras burgalesas con <em>MÚSICA PARA EL AMOR Y LA GUERRA (El Volcán Música, 2018)</em>. Un LP que sigue teniendo el tono canalla que tanto les caracteriza y que elevan al máximo con “Veneno de Serpiente”, “Bla, Bla, Bla” y “Los Autos Locos”. Tocarán el sábado y el domingo.</p>
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<p><strong><em>La Plata</em></strong></p>
<p>Directos desde Valencia,presentarán uno de los discos revelación del año:<em> DESORDEN (Sonido Muchacho, 2018)</em>. Una amalgama de estilos que parten desde el pop triste -así es como ellos lo llaman- hasta llegar a acercarse al punk o al new wave. Están empezando, pero ya han hecho bastante ruido como para congregar a varios adeptos para escuchar el viernes de Sonorama temas como “Me Voy”, “Un Atasco”, “La Luz” o “Fracaso”. Por cierto, no han sido pocas las veces que he oído que esta banda se parece a El Último Vecino (que también estarán en el festival el sábado) pero a una velocidad superior.</p>
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<p><strong><em>Club del Río</em></strong></p>
<p>Los madrileños reaparecen con su tercer álbum <em>SUSTANCIA<strong> </strong></em><em>(El Volcán, 2018)</em> y con el indie flok más español que verás en este Sonorama. La voz de Esteban de Bergia se envuelve entre los instrumentos de viento y las optimistas melodías que ya son una marca de la casa. Un buenrrollismo perfecto para esos días de festival con los tuyos recordando los grandes momentos vividos. “Vaivén”, “Remedios” y la alegre “Bahama Mamma” levantará el viernes 10 de agosto a todos los sonoramicos.</p>
<p><strong><em>Cosmen Adelaida</em></strong></p>
<p>El indie más real llega con Javier Egea y Nacho de la Hoz en <em>DOS CABALLOS (El Genio Equivocado, 2017)</em>. Los matices más oscuros y psicodélicos aparecen en el trabajo que los madrileños expusieron el pasado año y que supuso grandes cambios en la banda como la renovación de su batería y bajista. Un trabajo donde sobresalen las guitarras y el trabajo del productor Paco Loco y que cuando lo escuchas te viene a la memoria una ciudad: Madrid. El grupo brindará temas como “Hermanos Wright”, “Parque Jurásico”, “Contra la Pared” y su pasado, e infalible, “Becerro de Oro”.</p>
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<p><strong><em>Triángulo Inverso</em></strong></p>
<p>El miércoles estarán en Sonorama presentando su disco debut <em>GOLPE Y EFECTO (Hook Ediciones Musicales, 2018)</em>. La banda muestra sus grandes hazañas y planta cara al miedo siguiendo el concepto marcado en el EP que publicaron en 2017: <em>CROMATISMOS</em>. Este sonido muy pop sirvió de punto de partida para un grupo que tuvo que nutrirse del ‘crowdfunding’ para que temas como “Hazañas”, “Barlovento” o “Ciudades” pudiesen ver la luz. Unos recién llegado que seguro que van a dar guerra.</p>
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<p><strong><em>Floridablanca</em></strong></p>
<p>Ritmos bailables para el jueves. Sonidos veraniegos de la mano de esta banda que anteriormente se llamaba Sin Rumbo. Tras varios años con ese anterior título, decidieron darse un lavado de cara y acercarse más a sonidos como el dance-funk de los setenta para reventar las pistas de baile y con “Solo de Madrugada” lo consiguen con creces y lo continúan con “Buscando el equilibrio”, “Leyendas” y “Deseo.Espejos.Olvidar”. Ellos mismos se catalogan como la banda sonora del fin de semana. Su disco debut llegará en otoño bajo el sello de Mushroom Pillow.</p>
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<p> </p>
<p><strong><em>Repion</em></strong></p>
<p>Recién salido del horno, el grupo publicó el adelanto “Los Noventa” del nuevo EP que verá la luz en noviembre de 2018. Un himno generacional para aquellos que nacimos en los noventa. Los ganadores del MadCool Talent 2018 son unos de las promesas del indie español que en ocasiones coquetea -y bastante- con el rock. Su rebeldía y melancolía no hay que perdérsela. Estarán en Sonorama el sábado y por el momento vibraremos con su álbum <em>AMAPOLA DUELES (Repion, 2016)</em>.</p>
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<p> </p>',
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<p><img src="/files/images/resize/640x1000_hogan-63820.jpeg" alt="640x1000_hogan-63820.jpeg" /></p>
<p>La neoyorkina trata temas tan seríos como la misoginea, el capilalismo, la muerte, el sexismo... desde un sonido pop repleto de ritmos bailables y humor perverso.</p>
<p>Seguro que su directo en le FIB, el próximo día 19 de julio, no deja indiferente a nadie...</p>
<p><iframe src="http://www.youtube.com/embed/NcOPz7Kby1A" width="450" height="300"></iframe></p>',
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<p><span class="txt_pregunta">Lugar de nacimiento:</span> <span class="txt_respuesta">Madrid</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Edad:</span> <span class="txt_respuesta">En la treintena, pero dicen que aparento ser de la veintena. Feliz en ambas, y en las que vengan!!</span></p>
<p><span class="txt_pregunta"> Cómo surge ELE...</span> <span class="txt_respuesta">Del apoyo de amigos y familia, especialmente de Manuel Castro, que es quién me puso en contacto con Pablo Cebrián, productor de “Summer Rain” y de este segundo trabajo “ What Night hides”. Así surgió este proyecto, de la confianza, el trabajo y amor por la música.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Cómo describiríais tus comienzos...</span> <span class="txt_respuesta">Rodeada de varios estilos; comencé con clásico y folk, pasando por soul y blues en la escuela. Diferentes estilos al piano y a la voz, formé parte de varias bandas donde aprendí mucho. Sigo aprendiendo a día de hoy claro está, cada estilo abre tu mente a otras maneras compositivas.</span></p>
<p class="txt_respuesta"><span class="txt_pregunta">“What nigth Hides”es el título de tu nuevo disco, qué destacaríais de él...</span> Es un trabajo muy cuidado, hay mucho cariño puesto en cada tema, cariño de mucha gente que se ha unido al proyecto. Me veo con más madurez compositivamente hablando, temas más enérgicos.</p>
<p><span class="txt_pregunta">Por qué elegiste “Last Time”como carta de presentación de“What nigth Hides”...</span> <span class="txt_respuesta">Last Time refleja bien esa evolución sonora de la que hablábamos anteriormente. Engloba el camino que se ha tomado en este disco, con la orquestación presente, energía plasmada con la que veníamos de los directos, los coros, la banda. Me pareció buena carta de presentación.</span></p>
<p> </p>
<p><iframe src="http://www.youtube.com/embed/Ed-aqDid-eM" width="450" height="300"></iframe></p>
<p> </p>
<p><span class="txt_pregunta">Un tema de “What nigth Hides”al que tengas especial “cariño”…</span> <span class="txt_respuesta">Puede que “Angels with no wings” sea uno de mis favoritos, por lo que representa sobretodo. Me he rodeado de pequeños ángeles que han querido ayudarme, seguir mi camino y disfrutar conmigo de lo que hacemos.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">A la hora de componer, ¿cómo planteas el proceso?... tienes un protocolo de trabajo o te gusta enfocarlo de un modo totalmente espontáneo…</span><span class="txt_respuesta"> Me gusta componer de noche; las ideas que pueden aparecer durante el día toman forma cuando me relajo y puedo dedicarle más tiempo a que cojan forma. Las horas pasan sin límite.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Cuáles son tus fuentes de inspiración...</span><span class="txt_respuesta"> Lo que me rodea, ya sean las historias de amigos de las que formo parte, las mías propias, música que voy descubriendo.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Y tus referentes musicales…</span> <span class="txt_respuesta">Leonard Cohen, Bruce Springsteen, John Mayer, Joni Mitchell, Jhonny Cash, Maggie Rogers…</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Otras pasiones a parte de la música...</span><span class="txt_respuesta"> Ahora me ha dado por el dibujo, nada, en plan cómic. Para relajarme.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">De no haberte dedicado a esto, muy probablemente hubieras sido…</span> <span class="txt_respuesta">Pues profesora, que es a lo que me dedico actualmente. Estudié para ello en la universidad, me gusta la docencia y he podido compaginarla a lo largo de estos años, tanto con el primer álbum como con este segundo.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Lo que más os gusta y aquello que odias de tu profesión...</span> <span class="txt_respuesta">De la música me gusta eso, la música, disfrutar del directo, de la banda, el público. Sentarme al piano, relajarme, componer, viajar con ella. Odiar … nada; no gustarme…temas administrativos, lidiar con aquellos con los que no apetece lidiar…vamos, lo que no tiene que ver con la música</span>.</p>
<p><span class="txt_pregunta">Una película que te haya impactado...</span> <span class="txt_respuesta">Ahora mismo no caigo, poco cine veo ahora y el que veo no deja mucha huella.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Un libro…</span> <span class="txt_respuesta">Como me ha dado por el dibujo, “Idiotizadas” de Moderna de Pueblo.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Un festival especial…</span> <span class="txt_respuesta">Festival de jazz de San Sebastia</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Jamás sales a la calle sin…</span> <span class="txt_respuesta">Ropa, y una sonrisa.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Lo que no falta nunca en vuestra mesa de noche...</span> <span class="txt_respuesta">Crema de lavanda de Lush, para dormir mejor.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Último descubrimiento musical que te fascina...</span> <span class="txt_respuesta">Joey Landreth, su último disco Whiskey suena increíble.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Tu lugar ideal para desconectar:</span> <span class="txt_respuesta">La playa; un libro, sol y sonido del mar. Maravilla.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Un día perfecto comenzaría por:</span> <span class="txt_respuesta">Haber dormido bien, sin haberme despertado en mitad de la noche.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Una comida sobre todas las demás:</span> <span class="txt_respuesta">El arroz negro de mi madre.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Esa idea que te obsesiona desde hace años:</span><span class="txt_respuesta"> Ser feliz.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Recientemente se ha celebrado en todo el mundo la campaña “Fashion Revolution”, que trata de sensibilizarnos sobre la “fast fashion”… que opinas sobre el tema… En tu caso dónde te gusta comprar ropa… </span><span class="txt_respuesta">Intento comprar ropa o zapatos de marcas españolas, fabricados aquí. Siempre hemos tenido muy buena calidad y hay que apostar por nuestro producto y diseñadores. No soy de tendencias. Me fijo en la ropa que sea cómoda, sencilla, y atemporal. Siempre hay alguna prenda que rompe más ese “fondo de armario” pero entra dentro de lo vintage y no del fast fashion concept.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">¿Te gustan las plantas y/o flores?</span> <span class="txt_respuesta">Me encantan! Mi mini salón está lleno, tanto que dicen que se parece ya a una jungla. Pero es que dan mucha vida, hogar acogedor. En casa de mis padres igual, lo he heredado. Mi flor favorita: la margarita.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Elemento para que una noche de fiesta sea redonda:</span> <span class="txt_respuesta">Amigos, buenos amigos. Una terraza y unos vinitos.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Último pecado confesable cometido:</span> <span class="txt_respuesta">Comerme una bolsa de patatas con sabor a huevo frito de una sentada. Luego me encontraba con el estómago de “hola qué tal” pero están </span>bien ricas!</p>
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<p><span class="txt_pregunta">Cómo describiríais tus comienzos...</span> <span class="txt_respuesta">Rodeada de varios estilos; comencé con clásico y folk, pasando por soul y blues en la escuela. Diferentes estilos al piano y a la voz, formé parte de varias bandas donde aprendí mucho. Sigo aprendiendo a día de hoy claro está, cada estilo abre tu mente a otras maneras compositivas.</span></p>
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<p><span class="txt_pregunta">Por qué elegiste “Last Time”como carta de presentación de“What nigth Hides”...</span> <span class="txt_respuesta">Last Time refleja bien esa evolución sonora de la que hablábamos anteriormente. Engloba el camino que se ha tomado en este disco, con la orquestación presente, energía plasmada con la que veníamos de los directos, los coros, la banda. Me pareció buena carta de presentación.</span></p>
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<p><span class="txt_pregunta">Una película que te haya impactado...</span> <span class="txt_respuesta">Ahora mismo no caigo, poco cine veo ahora y el que veo no deja mucha huella.</span></p>
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<p><img src="/files/images/resize/640x1000_levi-s-red-tab-women-lados-47556.jpeg" alt="640x1000_levi-s-red-tab-women-lados-4755" /></p>
<p>Para presentar esta nueva gama de colores, Levi’s® ha acompañado en su paseo por las calles de París con Lulu Figueroa, Brianda Fitz-James Stuart y Rebeca Khamlichi...</p>
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<p><span class="txt_pregunta">Lugares de nacimiento:</span> <span class="txt_respuesta">Madrid</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Edad:</span> <span class="txt_respuesta">27</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Cómo surge Morgan: </span><span class="txt_respuesta">Nos juntamos para tocar algunas canciones que teníamos compuestas.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Cómo describiríais vuestros comienzos: </span><span class="txt_respuesta">Muy divertidos y muy enriquecedores.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">En marzo salió a la calle vuestro próximo álbum “AIR”, qué destacaríais de este</span><span class="txt_pregunta">nuevo trabajo de Morgan: </span><span class="txt_respuesta">Es un viaje continuando un poco en la línea del “North” pero explorando otros ambientes y otras sensaciones que teníamos después de haber trabajado todos juntos en la gira del primer disco.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Un tema de “AIR” al que tengáis especial “cariño"<span class="txt_respuesta">:</span></span><span class="txt_respuesta"> A todos.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Inglés en lugar de castellano en la mayor parte de vuestros temas, qué os aporta este</span><span class="txt_pregunta">idioma: </span><span class="txt_respuesta">Nos apetece mucho más trabajar en inglés.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">“Sargento de Hierro” es la excepción en este sentido, por qué optasteis por el</span><span class="txt_pregunta">castellano para este tema: </span><span class="txt_respuesta">Surgió así desde el principio.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Cuáles son vuestras fuentes de inspiración: </span><span class="txt_respuesta">Cada uno tiene su estilo favorito. Nos inspira desde el rock duro hasta la música clásica, pasando por el soul, el blues, el pop, el funky o el gospel.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Otras pasiones a parte de la música:</span> <span class="txt_respuesta">El cine, los libros, las antiguas civilizaciones…</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">De no haberos dedicado a esto, muy probablemente hubierais sido…</span><span class="txt_respuesta">Muy infeliz.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Lo que más os gusta y aquello que odiáis de vuestra profesión:</span> <span class="txt_respuesta">Lo que más me gusta es la música, en el sentido artístico de la palabra. Lo que menos me gusta es la música, en el sentido industrial y especulativo de la palabra.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Canción comercial que cantáis en la ducha...</span><span class="txt_respuesta">Queen of the night de Whitney Houston</span></p>
<p><img src="/files/images/resize/640x1000_morgan-lados28093.jpeg" alt="640x1000_morgan-lados28093.jpeg" /></p>
<p><span class="txt_pregunta">Una película que te haya impactado:</span> <span class="txt_respuesta">Foxcatcher de Bennet Miller.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Un libro…</span> <span class="txt_respuesta">Cisnes Salvajes de Jung Chang.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Un festival especial..</span> <span class="txt_respuesta">El Festival de la Luz en Boimorto.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Tu mayor filia y fobia...</span><span class="txt_respuesta"> Filia: Los botones del mando. Fobia: Los zancudos.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Jamás sales a la calle sin… </span><span class="txt_respuesta">pensar que me dejo algo.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Lo que no falta nunca en tu mesa de noche:</span> <span class="txt_respuesta">Gomas del pelo.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Último descubrimiento musical que te fascina: </span><span class="txt_respuesta">Kendrick Lamar.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Tu lugar ideal para desconectar: </span><span class="txt_respuesta">El campo.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Un día perfecto comenzaría con:</span> <span class="txt_respuesta">Un café y bizcocho de zanahoria.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Una comida sobre todas las demás: </span><span class="txt_respuesta">Bizcocho de zanahoria.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Esa idea que te obsesiona desde hace años:</span> <span class="txt_respuesta">¿Podré seguir cantando?</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Elemento para que una noche de fiesta sea redonda:</span> <span class="txt_respuesta">Que estemos todos.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Último pecado confesable cometido:</span> <span class="txt_respuesta">No haber descubierto a Kendrick Lamar antes.</span></p>',
'body_html_clean' => '<p><span class="txt_pregunta">Nombre:</span> <span class="txt_respuesta">Nina</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Lugares de nacimiento:</span> <span class="txt_respuesta">Madrid</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Edad:</span> <span class="txt_respuesta">27</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Cómo surge Morgan: </span><span class="txt_respuesta">Nos juntamos para tocar algunas canciones que teníamos compuestas.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Cómo describiríais vuestros comienzos: </span><span class="txt_respuesta">Muy divertidos y muy enriquecedores.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">En marzo salió a la calle vuestro próximo álbum “AIR”, qué destacaríais de este</span><span class="txt_pregunta">nuevo trabajo de Morgan: </span><span class="txt_respuesta">Es un viaje continuando un poco en la línea del “North” pero explorando otros ambientes y otras sensaciones que teníamos después de haber trabajado todos juntos en la gira del primer disco.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Un tema de “AIR” al que tengáis especial “cariño"<span class="txt_respuesta">:</span></span><span class="txt_respuesta"> A todos.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Inglés en lugar de castellano en la mayor parte de vuestros temas, qué os aporta este</span><span class="txt_pregunta">idioma: </span><span class="txt_respuesta">Nos apetece mucho más trabajar en inglés.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">“Sargento de Hierro” es la excepción en este sentido, por qué optasteis por el</span><span class="txt_pregunta">castellano para este tema: </span><span class="txt_respuesta">Surgió así desde el principio.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Cuáles son vuestras fuentes de inspiración: </span><span class="txt_respuesta">Cada uno tiene su estilo favorito. Nos inspira desde el rock duro hasta la música clásica, pasando por el soul, el blues, el pop, el funky o el gospel.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Otras pasiones a parte de la música:</span> <span class="txt_respuesta">El cine, los libros, las antiguas civilizaciones…</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">De no haberos dedicado a esto, muy probablemente hubierais sido…</span><span class="txt_respuesta">Muy infeliz.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Lo que más os gusta y aquello que odiáis de vuestra profesión:</span> <span class="txt_respuesta">Lo que más me gusta es la música, en el sentido artístico de la palabra. Lo que menos me gusta es la música, en el sentido industrial y especulativo de la palabra.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Canción comercial que cantáis en la ducha...</span><span class="txt_respuesta">Queen of the night de Whitney Houston</span></p>
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<p><span class="txt_pregunta">Una película que te haya impactado:</span> <span class="txt_respuesta">Foxcatcher de Bennet Miller.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Un libro…</span> <span class="txt_respuesta">Cisnes Salvajes de Jung Chang.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Un festival especial..</span> <span class="txt_respuesta">El Festival de la Luz en Boimorto.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Tu mayor filia y fobia...</span><span class="txt_respuesta"> Filia: Los botones del mando. Fobia: Los zancudos.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Jamás sales a la calle sin… </span><span class="txt_respuesta">pensar que me dejo algo.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Lo que no falta nunca en tu mesa de noche:</span> <span class="txt_respuesta">Gomas del pelo.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Último descubrimiento musical que te fascina: </span><span class="txt_respuesta">Kendrick Lamar.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Tu lugar ideal para desconectar: </span><span class="txt_respuesta">El campo.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Un día perfecto comenzaría con:</span> <span class="txt_respuesta">Un café y bizcocho de zanahoria.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Una comida sobre todas las demás: </span><span class="txt_respuesta">Bizcocho de zanahoria.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Esa idea que te obsesiona desde hace años:</span> <span class="txt_respuesta">¿Podré seguir cantando?</span></p>
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<p> </p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. Trabajar con Brian Eno y Flood, productores de ALTAR, es motivo de orgullo para cualquier banda.</span> <span class="txt_respuesta">Nuno Gonçalves. THE GIFT siempre ha estado rodeado de personas bastante importantes en la música pop mundial y este es el LP más conseguido de todos, en directo también funciona bien y por eso creemos que es el disco vital del grupo. Con Brian Eno, más que la importancia de él en el proyecto, es la importancia de él en el proceso, en la motivación y confianza que nos dio. El sonido de THE GIFT no ha cambiado mucho lo que ha cambiado es el proceso de grabarlo, el proceso de componerlo. Sonia no cambia la voz, yo no cambio la manera de hacer canciones pero la influencia de Brian Eno es bastante inspiradora sobre todo en cuanto a persona, es de los mejores artistas de nuestro siglo y tenerle ahí al lado dándonos confianza, cantando, aportando sus ideas a nuestras canciones, fue bastante positivo y bastante bueno. El hecho de haber cantado con nosotros en Londres unos meses atrás eso significa que está completamente involucrado y comprometido con este disco y eso nos resulta bastante agradable.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. Brian se enamoró de la banda portuguesa en España, en Vigo.</span> <span class="txt_respuesta">Nuno Gonçalves. Fue el primer contacto directo que tuvo con nosotros, después escuchó las canciones nuevas que le enseñé en Londres y le gusto. Creía que nos íbamos a divertir mucho y ese fue el propósito, divertirnos, pasarlo bien, aprovechar el momento junto a la tranquilidad de la casa donde estábamos grabando que nos proporcionaba. Es muy importante tener una persona como esa involucrada en el grupo.</span></p>
<p> </p>
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<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. Flood también es una parte fundamental del elepé</span>. <span class="txt_respuesta">Nuno Gonçalves. Hace mucho tiempo que queríamos trabajar con él y tiene un currículum personal muy interesante. Es top. Conocer la persona de Brian fue muy importante pero conocer el ser humano que es Flood, las anécdotas y la manera con la que trabajó… fue espectacular. En un principio iba a trabajar un par de meses por su agenda apretada pero al final se quedó con nosotros casi un año (siete meses con las primeras canciones y un par de meses en las del final). Cuando surgió la oportunidad nos quedamos muy contentos y es alguien con el que pude contactar mucho, el sonido quedó fenomenal y las canciones crecieron mucho con la mezcla. Además, fue interesante que nos dijese que la mezcla estaría hecha cuando la banda estaría contenta, y es que es muy importante tener ese respeto porque es muy importante tener gente muy buena con nosotros y también que la gente que tenemos trabajando con nosotros entienda quienes somos y donde queremos ir. Eso fue totalmente conseguido con estos dos cerebros de la música pop mundial.</span></p>
<p> </p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. THE GIFT no tiene un disco igual, no hacen canciones muy similares, ese es su sello de identidad. No tener un estilo definido es el gran logro de la banda.</span> <span class="txt_respuesta">Nuno Gonçalves. Es un problema ser diverso, en todo en la vida. La gente que opina sobre música no está abierta a diversidad. Le gusta lo blanco blanco, lo negro negro, lo amarillo amarillo y si uno es multicolor ya es raro. Ya no sé como decir bien o como decir mal. Vivimos en un momento que si eres distinto tienes un problema por delante. Cuando estamos en festivales nos preguntan que qué estilo hacemos y casi siempre no consigo responder en menos de diez minutos. Eso es un lío pero es la única solución que vemos para nuestras vidas, seguir peleando por una diversidad de estilos que es lo que nos hace seguir en 2018.</span></p>
<p class="txt_respuesta"><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. “Big Fish” es una canción de verano, movida, de fiesta. Un pop vitalista y bailable.</span> <span class="txt_respuesta">Nuno Gonçalves. El inicio de los 90 nos enseñó que la música electrónica no es solo de baile y también que la música de baile no es solo MADONNA, hay otras cosas. Y nos gusta bailar MADONNA en una buena fiesta. Tenemos influencias de las pistas de baile y “Big Fish” es una canción más fresca en un universo bastante lento y ceremonial que el disco tiene. Es una canción más “funk” con una estructura más normal que las demás y por eso es una canción obvia. La manera como Sonia la canta, la manera como está hecho el estribillo… es una canción positiva y eso es agradable.</span> </p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. En ALTAR hay gran variedad de estilos, desde las bases synth-pop ochenteras de “Clinic Hope” hasta el góspel de “Malifest”.</span> <span class="txt_pregunta txt_respuesta">Nuno Gonçalves. En esta última usamos un coro de chicos y resulta que cantaban en un coro que grabó también con Damon Albarn de BLUR y GORILLAZ. Los conocimos en un concierto de Damon, contactamos con ellos y tres días después fueron al estudio de Brian Eno a grabar. Lo aprovechamos bastante. Hay un calor de las voces que cuadra muy bien con indefinición sonora de Sonia y eso pintó muy bien en este LP. No escucho discos soul ni góspel pero a la hora de componer no veo barreras y me gustó la idea.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. “Love without violins” cruza las voces de Sonia y Brian Eno. Una canción que habla de un amor crudo.</span><span class="txt_respuesta"> Nuno Gonçalves. El tema de la canción cuadra muy bien con las dos voces de ellos. Tiene un estructura super distinta, no se repite nunca. Es un amor entre un hombre y una mujer pero desde uno de los lados solamente, un amor no correspondido. Muy inspirado sobre los amores de “dominatrix” que existe en la internet más profunda, porque existe una internet “underground” que nos gusta bastante para explorar. Hay hombres y mujeres que tienen historias juntos y nunca llegaron a conocerse… nos parece increíble como existe un amor tan duro, cruel y tan fuera de amor, es casi el lado opuesto del amor y fue inspirado en eso. Por un lado la cantante Sonia canta el lado manipulador y después Brian canta el lado del manipulado.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. La “deep web” para explorar esas historias negras que existen en este mundo.</span> <span class="txt_respuesta">Nuno Gonçalves. Cuando era más joven e iba a la universidad en autobús, yo creía que el autobús era la mejor fuente de inspiración posible porque era lo que veía. Ahora, internet nos tras quinientos mil autobuses distintos y la paleta de inspiraciones se abre muchísimo. Después hay un problema y es que se pierde el enfoque. En internet puedes tener mucha información y eso es genial y para esta canción especifica nos inspiró bastante pero después puedes perderte entre tanta información. Tienes que tener mucha cabeza para saber lo que sí te puede convenir y lo que te puede distraer. Ese juego de lo que es bueno y lo que es malo es interesante para el artista. A mi, personalmente me gusta explorar sensaciones nuevas y entender lo que hay en el mundo como parte de inspiración pero tampoco creo que mucha diversidad sea siempre bueno. Es un mundo peligroso por un lado pero fascinante por otro.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. ALTAR ha sido el paso final para darse a conocer internacionalmente tanto que llegaron a entrar en la lista de la BBC de la Radio 6 Music.</span><span class="txt_respuesta"> Nuno Gonçalves. Conseguimos entrar en una serie de mercados que nos resultaban más difíciles y es que no hay una banda portuguesa en el pop mundial, no existe. Y atención, existe un problema en ser portugués en este momento o un problema de ser griego, turco o español porque no existe un espacio que fue navegado anteriormente por otras bandas porque los que consiguen tocar en esos mercados más dominados por ingleses o americanos son raros. Es raro que un país periférico consiga entrar en esos países. Eso es un problema, de la industria, de como están hechas las cosas, del prejuicio por un lado y por otro lado de las faltas de ganas por conocer más allá de sus oficinas. THE GIFT también tiene dificultades con eso, no vamos a decir que con este disco derribamos todas las barreras, no, existen aún y hay prejuicios pero estamos aquí para hacer música, no estamos para ganar el Nobel de la Paz. Queremos hacer música buena y cuando más gente venga a los conciertos mejor. Un ejemplo tonto, si en Pamplona tocó para cuatro personas y fuera se quedan 400, me importan las cuatro de dentro. Quiero hacer un buen concierto. Siempre están preocupados con la gente que no viene, yo no, yo me preocupo con la gente que viene y quiero tratarlos bien. Y hacemos eso y por eso tenemos veintiséis años de carrera y no doce.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. Donde sí son muy conocidos es en España, de hecho viene de tocar en el Teatro Nuevo Apolo de Madrid en el pasado mes de diciembre donde triunfaron una vez más. El grupo portugués sigue con su idilio en nuestro territorio</span>. <span class="txt_respuesta">Nuno Gonçalves. Somos vecinos y no necesitamos avión para llegar. La furgoneta va igual de Lisboa a Oporto como de Lisboa a Badajoz. Para nosotros España es Iberia y todo lo que está al alcance en furgo. Nuestro primer concierto en España fue en el café La Palma de Madrid en el año 2000 y de esa jornada doble (tocamos un viernes y sábado) que a lo mejor tocamos para cien personas un día, setenta para el otro, tengo certeza que de esas 170 personas, cien estuvieron en el Teatro Nuevo Apolo. Es una idea de conquista, de cada vez llevar más gente. España es un publico que queremos mucho y con el que tenemos un contacto más alto. Empece a vivir en Madrid en 2007, tengo una niña que vive allí e incluso grabamos el disco EXPLODE (La Folie Gift, 2011) en Madrid. Es más fácil tocar, la gente nos entiende y con el lenguaje no hay problema. Da igual que lo hagas en portugués o español, lo que importa es la calidad de la música, el sentimiento que pongas en las canciones.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. En Portugal hay mucha diversidad de grupos pero pocas carreras discográficas. En España, lamentablemente, los grupos lusos no son conocidos.</span><span class="txt_respuesta"> Nuno Gonçalves. Un defecto de esta generación espontánea de internet es triunfa el que es más rápido y se olvida la idea de crear carrera. Hay bandas muy buenas en Portugal, no voy a nombrar ninguna porque puede ser injusto para las otras pero hay un mercado nuevo creciendo que es muy bueno y me gusta mucho. Las bandas que empezaron con nosotros en el 94/95, muy pocas están vivas. La música no es solo la novedad… es también saber crecer, sentirte fresco aunque tengas más de 20 años.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. Fuera de vuestra parcela, entrando en el debate político, cómo se ve desde fuera el conflicto catalán.</span><span class="txt_respuesta"> Nuno Gonçalves. Me parece una tontería. Alguien que quiere independencia es porque no entiende el poder de gran país que tienen. Es como los vecinos que están siempre con envidia porque otro vecino tiene uno mejor. Es solo un coche, funciona igual que el tuyo. Lo que pasa con Cataluña fue la idea de que son mejores que España y no me parece justo, ni para los españoles ni para los catalanes. Son igual de buenos. Hay que juntarse y unirse para ser un país mejor. Hay gente que quiere independencia pero se tiene que hablar, no hacer referéndums con bolas de chinos y después cuando la cosa va mal uno se va para otro país… parece una peli mal escrita. Para quien ve esto de fuera le parece ridículo. Esta mal que un país tan grande, tan bonito, y tan llenos de valores buenos como España, este atrapada en 2018 con esto de la independencia.</span></p>
<p class="txt_entradilla txt_pregunta">Esos niños que ahora comparten productor con sus ídolos de la infancia no se cansan de progresar, sea como sea, buscando la inspiración hasta en lo más profundo de internet, y, pese a llevar un cuarto de siglo juntos, lo han vuelto a hacer con ALTAR.</p>',
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<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. Trabajar con Brian Eno y Flood, productores de ALTAR, es motivo de orgullo para cualquier banda.</span> <span class="txt_respuesta">Nuno Gonçalves. THE GIFT siempre ha estado rodeado de personas bastante importantes en la música pop mundial y este es el LP más conseguido de todos, en directo también funciona bien y por eso creemos que es el disco vital del grupo. Con Brian Eno, más que la importancia de él en el proyecto, es la importancia de él en el proceso, en la motivación y confianza que nos dio. El sonido de THE GIFT no ha cambiado mucho lo que ha cambiado es el proceso de grabarlo, el proceso de componerlo. Sonia no cambia la voz, yo no cambio la manera de hacer canciones pero la influencia de Brian Eno es bastante inspiradora sobre todo en cuanto a persona, es de los mejores artistas de nuestro siglo y tenerle ahí al lado dándonos confianza, cantando, aportando sus ideas a nuestras canciones, fue bastante positivo y bastante bueno. El hecho de haber cantado con nosotros en Londres unos meses atrás eso significa que está completamente involucrado y comprometido con este disco y eso nos resulta bastante agradable.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. Brian se enamoró de la banda portuguesa en España, en Vigo.</span> <span class="txt_respuesta">Nuno Gonçalves. Fue el primer contacto directo que tuvo con nosotros, después escuchó las canciones nuevas que le enseñé en Londres y le gusto. Creía que nos íbamos a divertir mucho y ese fue el propósito, divertirnos, pasarlo bien, aprovechar el momento junto a la tranquilidad de la casa donde estábamos grabando que nos proporcionaba. Es muy importante tener una persona como esa involucrada en el grupo.</span></p>
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<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. Flood también es una parte fundamental del elepé</span>. <span class="txt_respuesta">Nuno Gonçalves. Hace mucho tiempo que queríamos trabajar con él y tiene un currículum personal muy interesante. Es top. Conocer la persona de Brian fue muy importante pero conocer el ser humano que es Flood, las anécdotas y la manera con la que trabajó… fue espectacular. En un principio iba a trabajar un par de meses por su agenda apretada pero al final se quedó con nosotros casi un año (siete meses con las primeras canciones y un par de meses en las del final). Cuando surgió la oportunidad nos quedamos muy contentos y es alguien con el que pude contactar mucho, el sonido quedó fenomenal y las canciones crecieron mucho con la mezcla. Además, fue interesante que nos dijese que la mezcla estaría hecha cuando la banda estaría contenta, y es que es muy importante tener ese respeto porque es muy importante tener gente muy buena con nosotros y también que la gente que tenemos trabajando con nosotros entienda quienes somos y donde queremos ir. Eso fue totalmente conseguido con estos dos cerebros de la música pop mundial.</span></p>
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<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. THE GIFT no tiene un disco igual, no hacen canciones muy similares, ese es su sello de identidad. No tener un estilo definido es el gran logro de la banda.</span> <span class="txt_respuesta">Nuno Gonçalves. Es un problema ser diverso, en todo en la vida. La gente que opina sobre música no está abierta a diversidad. Le gusta lo blanco blanco, lo negro negro, lo amarillo amarillo y si uno es multicolor ya es raro. Ya no sé como decir bien o como decir mal. Vivimos en un momento que si eres distinto tienes un problema por delante. Cuando estamos en festivales nos preguntan que qué estilo hacemos y casi siempre no consigo responder en menos de diez minutos. Eso es un lío pero es la única solución que vemos para nuestras vidas, seguir peleando por una diversidad de estilos que es lo que nos hace seguir en 2018.</span></p>
<p class="txt_respuesta"><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. “Big Fish” es una canción de verano, movida, de fiesta. Un pop vitalista y bailable.</span> <span class="txt_respuesta">Nuno Gonçalves. El inicio de los 90 nos enseñó que la música electrónica no es solo de baile y también que la música de baile no es solo MADONNA, hay otras cosas. Y nos gusta bailar MADONNA en una buena fiesta. Tenemos influencias de las pistas de baile y “Big Fish” es una canción más fresca en un universo bastante lento y ceremonial que el disco tiene. Es una canción más “funk” con una estructura más normal que las demás y por eso es una canción obvia. La manera como Sonia la canta, la manera como está hecho el estribillo… es una canción positiva y eso es agradable.</span> </p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. En ALTAR hay gran variedad de estilos, desde las bases synth-pop ochenteras de “Clinic Hope” hasta el góspel de “Malifest”.</span> <span class="txt_pregunta txt_respuesta">Nuno Gonçalves. En esta última usamos un coro de chicos y resulta que cantaban en un coro que grabó también con Damon Albarn de BLUR y GORILLAZ. Los conocimos en un concierto de Damon, contactamos con ellos y tres días después fueron al estudio de Brian Eno a grabar. Lo aprovechamos bastante. Hay un calor de las voces que cuadra muy bien con indefinición sonora de Sonia y eso pintó muy bien en este LP. No escucho discos soul ni góspel pero a la hora de componer no veo barreras y me gustó la idea.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. “Love without violins” cruza las voces de Sonia y Brian Eno. Una canción que habla de un amor crudo.</span><span class="txt_respuesta"> Nuno Gonçalves. El tema de la canción cuadra muy bien con las dos voces de ellos. Tiene un estructura super distinta, no se repite nunca. Es un amor entre un hombre y una mujer pero desde uno de los lados solamente, un amor no correspondido. Muy inspirado sobre los amores de “dominatrix” que existe en la internet más profunda, porque existe una internet “underground” que nos gusta bastante para explorar. Hay hombres y mujeres que tienen historias juntos y nunca llegaron a conocerse… nos parece increíble como existe un amor tan duro, cruel y tan fuera de amor, es casi el lado opuesto del amor y fue inspirado en eso. Por un lado la cantante Sonia canta el lado manipulador y después Brian canta el lado del manipulado.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. La “deep web” para explorar esas historias negras que existen en este mundo.</span> <span class="txt_respuesta">Nuno Gonçalves. Cuando era más joven e iba a la universidad en autobús, yo creía que el autobús era la mejor fuente de inspiración posible porque era lo que veía. Ahora, internet nos tras quinientos mil autobuses distintos y la paleta de inspiraciones se abre muchísimo. Después hay un problema y es que se pierde el enfoque. En internet puedes tener mucha información y eso es genial y para esta canción especifica nos inspiró bastante pero después puedes perderte entre tanta información. Tienes que tener mucha cabeza para saber lo que sí te puede convenir y lo que te puede distraer. Ese juego de lo que es bueno y lo que es malo es interesante para el artista. A mi, personalmente me gusta explorar sensaciones nuevas y entender lo que hay en el mundo como parte de inspiración pero tampoco creo que mucha diversidad sea siempre bueno. Es un mundo peligroso por un lado pero fascinante por otro.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. ALTAR ha sido el paso final para darse a conocer internacionalmente tanto que llegaron a entrar en la lista de la BBC de la Radio 6 Music.</span><span class="txt_respuesta"> Nuno Gonçalves. Conseguimos entrar en una serie de mercados que nos resultaban más difíciles y es que no hay una banda portuguesa en el pop mundial, no existe. Y atención, existe un problema en ser portugués en este momento o un problema de ser griego, turco o español porque no existe un espacio que fue navegado anteriormente por otras bandas porque los que consiguen tocar en esos mercados más dominados por ingleses o americanos son raros. Es raro que un país periférico consiga entrar en esos países. Eso es un problema, de la industria, de como están hechas las cosas, del prejuicio por un lado y por otro lado de las faltas de ganas por conocer más allá de sus oficinas. THE GIFT también tiene dificultades con eso, no vamos a decir que con este disco derribamos todas las barreras, no, existen aún y hay prejuicios pero estamos aquí para hacer música, no estamos para ganar el Nobel de la Paz. Queremos hacer música buena y cuando más gente venga a los conciertos mejor. Un ejemplo tonto, si en Pamplona tocó para cuatro personas y fuera se quedan 400, me importan las cuatro de dentro. Quiero hacer un buen concierto. Siempre están preocupados con la gente que no viene, yo no, yo me preocupo con la gente que viene y quiero tratarlos bien. Y hacemos eso y por eso tenemos veintiséis años de carrera y no doce.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. Donde sí son muy conocidos es en España, de hecho viene de tocar en el Teatro Nuevo Apolo de Madrid en el pasado mes de diciembre donde triunfaron una vez más. El grupo portugués sigue con su idilio en nuestro territorio</span>. <span class="txt_respuesta">Nuno Gonçalves. Somos vecinos y no necesitamos avión para llegar. La furgoneta va igual de Lisboa a Oporto como de Lisboa a Badajoz. Para nosotros España es Iberia y todo lo que está al alcance en furgo. Nuestro primer concierto en España fue en el café La Palma de Madrid en el año 2000 y de esa jornada doble (tocamos un viernes y sábado) que a lo mejor tocamos para cien personas un día, setenta para el otro, tengo certeza que de esas 170 personas, cien estuvieron en el Teatro Nuevo Apolo. Es una idea de conquista, de cada vez llevar más gente. España es un publico que queremos mucho y con el que tenemos un contacto más alto. Empece a vivir en Madrid en 2007, tengo una niña que vive allí e incluso grabamos el disco EXPLODE (La Folie Gift, 2011) en Madrid. Es más fácil tocar, la gente nos entiende y con el lenguaje no hay problema. Da igual que lo hagas en portugués o español, lo que importa es la calidad de la música, el sentimiento que pongas en las canciones.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. En Portugal hay mucha diversidad de grupos pero pocas carreras discográficas. En España, lamentablemente, los grupos lusos no son conocidos.</span><span class="txt_respuesta"> Nuno Gonçalves. Un defecto de esta generación espontánea de internet es triunfa el que es más rápido y se olvida la idea de crear carrera. Hay bandas muy buenas en Portugal, no voy a nombrar ninguna porque puede ser injusto para las otras pero hay un mercado nuevo creciendo que es muy bueno y me gusta mucho. Las bandas que empezaron con nosotros en el 94/95, muy pocas están vivas. La música no es solo la novedad… es también saber crecer, sentirte fresco aunque tengas más de 20 años.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. Fuera de vuestra parcela, entrando en el debate político, cómo se ve desde fuera el conflicto catalán.</span><span class="txt_respuesta"> Nuno Gonçalves. Me parece una tontería. Alguien que quiere independencia es porque no entiende el poder de gran país que tienen. Es como los vecinos que están siempre con envidia porque otro vecino tiene uno mejor. Es solo un coche, funciona igual que el tuyo. Lo que pasa con Cataluña fue la idea de que son mejores que España y no me parece justo, ni para los españoles ni para los catalanes. Son igual de buenos. Hay que juntarse y unirse para ser un país mejor. Hay gente que quiere independencia pero se tiene que hablar, no hacer referéndums con bolas de chinos y después cuando la cosa va mal uno se va para otro país… parece una peli mal escrita. Para quien ve esto de fuera le parece ridículo. Esta mal que un país tan grande, tan bonito, y tan llenos de valores buenos como España, este atrapada en 2018 con esto de la independencia.</span></p>
<p class="txt_entradilla txt_pregunta">Esos niños que ahora comparten productor con sus ídolos de la infancia no se cansan de progresar, sea como sea, buscando la inspiración hasta en lo más profundo de internet, y, pese a llevar un cuarto de siglo juntos, lo han vuelto a hacer con ALTAR.</p>',
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<p> </p>
<p>+ info sobre horarios y programación Festival Actual: <a href="/www.actualfestival.com">actualfestival.com</a></p>',
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<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. En </span><span class="txt_pregunta">SUEÑOS Y PAN</span><span class="txt_pregunta"> se establece un triángulo entre lo gallego, Madrid y Argentina en concreto, Latinoamérica en general. </span><span class="txt_respuesta">Xoel López. Es inevitable. Al final siempre están esos tres vértices y Madrid es una pieza fundamental, es como un imán que me atrae, me atrapa y a veces me engulle. Siempre me da cosas buenas, me siento parte de ella, un madrileño más y es irremediable que aparezca en mis canciones. Pero mi identidad es compleja y está compuesta de muchas identidades, y creo que ya soy todas ellas, una pelota de plastilina con muchos colores, mezclados y que conviven en perfecta armonía</span>.</p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. Y en este tercer elepé en solitario homenajea a la capital española con un tema de amor a la ciudad pero un amor realista que pone en la balanza lo bueno y lo malo.</span> <span class="txt_respuesta">Xoel López. Hacía tiempo que no escribía a la ciudad, la última vez lo hice en 2007 cuando compuse ‘El Cielo de Madrid’ con DELUXE aunque esta vez he sido más explícito. ’Madrid’ es una oda a la ciudad pero desde la visión de alguien que vino de fuera. Además, muestro el Madrid de la tensión entre el Madrid que te besa y el que te repele. Entre el Madrid luminoso y el oscuro. Entre el Madrid del éxito y el del fracaso, el “Madrid de todas las suertes” como dice la canción. Es un lugar cariñoso y hostil a la vez, como la propia vida. Si algo tiene Madrid es intensidad, aquí no puedes ir a paso lento, el ritmo exige mucha viveza, ser vivo, estar alerta.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. Y de esa estancia en Buenos Aires todavía queda mucho. </span><span class="txt_respuesta">Xoel López. En </span><span class="txt_respuesta">SUEÑOS Y PAN</span><span class="txt_respuesta"> aparece por ahí Latinoamérica, aunque sea de manera sesgada o indirecta, y se ve a través de lo africano. Hay algo que tiene que ver con lo rítmico y que empecé a investigar con </span><span class="txt_respuesta">ATLÁNTICO (Esmerarte, 2012)</span><span class="txt_respuesta"> y que aquí sobre todo sale lo “afro” de las músicas de Latinoamérica. También sobresalen ritmos que tienen que ver con los folclores, que intentar pensar de una forma que tiene algo más que ver con la percusión y no comprender la música solo como el pop-rock. Ahora entiendo las bases rítmicas desde un lado mucho más percusivo que cuando tenía 20 años que me tiraban más las baterías clásicas de los 60s. En el imaginario hay cosas de las que no me puedo despegar pero es verdad que aquí no hay referencias directas.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. </span><span class="txt_pregunta">ATLÁNTICO</span><span class="txt_pregunta"> era claramente su trabajo latinoamericano y </span><span class="txt_pregunta">PARAMALES (Esmerarte, 2015)</span><span class="txt_pregunta"> fue su puente a la actualidad. </span><span class="txt_respuesta">Xoel López. Me pilló, literalmente, entre las dos orillas, la mitad del álbum lo compuse allí y la otra mitad volviendo a España. </span><span class="txt_respuesta">SUEÑOS Y PAN</span><span class="txt_respuesta"> es un disco más de aquí pero que todavía conserva esos tintes. La pregunta es buena, ¿cuánto queda de todo eso? Pues creo que en algunas cosas que ya están muy interiorizadas y que se diluyen cada vez más. A veces es complejo definir mis propias influencias y cuanto influye cada cosa en qué.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. La gran diferencia con anteriores trabajos es que este se empezó a grabar desde cero en los Estudios Reno.</span> <span class="txt_respuesta">Xoel López. Empezamos en una habitación, no en el Estudio 1 ya que no nos lo podemos permitir económicamente. Nos montamos una especie de estudio casero donde estuvimos haciendo maquetas codo con codo Ángel Luján y yo. A muerte los dos, de una forma muy intensa, casi obsesiva. Luego pasamos al Estudio 1 y ahí grabamos. Durante meses y meses estuvimos trabajando y agradezco mucho a Ángel porque hipotecó parte de su tiempo y se nota en el resultado, hay un trabajo muy profundo en los ritmos, las bases y en cada elemento de cada canción.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. XOEL LÓPEZ ha aprendido a rentabilizar más su tiempo ya que hace unos meses también presentó su primer poemario </span><span class="txt_pregunta">BAILARÁS COMETAS BAJO EL MAR (Espasa), </span><span class="txt_pregunta">no ha parado de girar y por si fuera poco ha creado este LP. </span><span class="txt_respuesta">Xoel López. Ahora no me voy tanto por las ramas. Cuando escribo algo estoy ahí, hago eso y luego puedo cambiar el chip y desconectar. Antes me permitía el lujo de hacer más ensayo y error. Intento ser más certero, concentrarme mucho más en cada momento de inspiración y aprovecharlo.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. ‘Jaguar’ dice “hoy cruzaré la frontera de las fieras negras, en busca de </span><span class="txt_pregunta">SUEÑOS Y PAN</span><span class="txt_pregunta">”. De ahí nace el título del álbum. </span><span class="txt_respuesta">Xoel López. Mi vida se basa en la búsqueda de sueños y de pan. Los sueños son lo artístico, las canciones, lo inconsciente, lo onírico, lo abstracto, lo intangible; y el pan es mi trabajo, mis recursos económicos, estar con los pies en la tierra, reconocer que uno no puede cumplir todos sus sueños pero no por ello dejar de soñar. El pan es la tierra, el trigo, el horno, el trabajo de hacer de una semilla una barra de pan. Es una especie de “Yin Yang” entre los opuestos. Tampoco puedo concretar mucho más porque incluso para mi es algo que cierra cierto misterio. Me salió, no sé por qué, lo elegí, no sé por qué, y lo escribí, no sé por qué.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. Un “Yin Yang” que los afortunados que tengan el LP firmado por el cantautor podrán verlo dibujado a mano. </span><span class="txt_respuesta">Xoel López. Tenemos que aceptar que el otro no siempre es como uno, que las cosas no siempre son de una manera y, a veces, abrazarse con lo otro y entender que hay parte del otro en nosotros y viceversa me parece lo mas sabio. En la idea del disco hay un poco eso, transita mucho por ese concepto del hogar que podría ser mi casa en un sentido metafórico, como uno se siente con los suyos y al mismo tiempo como te relaciones con el otro, con el mundo de fuera, con sus con sus injusticias y sus alegrías. Al final, el mundo es una especie de equilibrio que genera cierta tensión. Estamos lidiando con otras cosas que no somos nosotros.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. El primer tema de este trabajo es ‘Jaguar’ que trata de reflejar la libertad infantil. </span><span class="txt_respuesta">Xoel López. Una libertad psicodélica. Si te fijas en la producción, la idea era jugar como haría un niño, probar cosas sin ningún tipo de prejuicio, mezclar Brasil con lo anglosajón, lo español y con Galicia con esa gaita de Budiño. Entender como entendería un niño, que todo tiene cabida. Trabajar sin los prejuicios o fronteras de los adultos que a veces nos ponemos y que creo que para el arte no siempre son beneficiosas.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. En ‘Cometa’ confluye la idea de la diversidad. </span><span class="txt_respuesta">Xoel López. Cuando uno acepta que es de un sitio, que su madre es esta, su familia es esta, sus amigos son los del colegio de toda la vida… parece que se encasilla y de alguna manera se cierra puertas. Eso puede ser placentero para mucha gente, pero mi vida fue muy distinta. Siempre conviví con gente muy diferente y mi vida es mucho más abierta, no puedo entender que hay un solo padre, una sola madre, metafóricamente hablando. Uno se hace con todas las identidades y formas de entender el mundo que hay en el Universo. Me tocó vivir siendo muchas cosas y esta es mi forma de reflejarlo.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. En el caso de ‘Insomnio’ tiene que ver con la sensación de salirse de lo conocido, del hogar. </span><span class="txt_respuesta">Xoel López. De descubrir mundo, correr aventuras. También de entender lo complejo que es es Universo y el ser humano, de ahí la frase “aunque tengo miedo a perderme en mundos raros”. La vida es rara, extraña, pero al mismo tiempo hay que empaparse de vida, asomarse a esa ventana e incluso salir por ella, no sirve de nada quedarse agazapado en tu escondite. Pero todo esto con la importancia de poder regresar y traer nuevas visiones del mundo. Habla de la importancia del viaje, de explorar el mundo pero siempre teniendo un lugar al que regresar.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. Lo desértico llega con ‘Frutos', junto Miren Iza de TULSA, que trata sobre lo que pasa cuando todo se derrumba. </span><span class="txt_respuesta">Xoel López. A veces es el mejor momento para abrir una nueva puerta, plantar una nueva semilla o para redecorarlo todo y empezar de cero. La canción habla un poco de eso, acepto que todo se fue a la mierda pero no acepto una negativa a una reconstrucción. Las cosas difíciles que nos suceden solo deben ser para aprender de ellas, renacer con más fuerza y levantarse con más energía.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. Y de repente aparece Galicia. ‘Serpes' y la nana ‘Duerme' están cantadas en gallego. </span><span class="txt_respuesta">Xoel López. Es algo inevitable, es una parte de mi vida, nace de mi inconsciente. Es bonito que se refleje esta diversidad que está en mi cabeza, pertenezco a un lugar donde conviven muchas culturas y muchas lenguas, y creo que entender que en un elepé pueda haber diferentes idiomas… es un reflejo de una realidad.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. “Si estas atrapado en las sombras, aguarda”. La fuerza para salir del túnel llega con ‘Lodo’. </span><span class="txt_respuesta">Xoel López. Aguarda en el sentido de no te rindas. Hay que entender que el fracaso no es más que el principio del éxito en el sentido de que es lo que más te va a enseñar. Cuando todo te sale bien… no aprendes un “carallo”. Engancha un poco con algunas canciones de </span><span class="txt_respuesta">RECONSTRUCCIÓN (Virgin/EMI, 2008)</span><span class="txt_respuesta"> de DELUXE que tratan de reflejar lo que he ido aprendiendo sobre la vida, que no quiere decir que sea certero pero es mi punto de vista.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. Dentro de </span><span class="txt_pregunta">SUEÑOS Y PAN</span><span class="txt_pregunta"> hay un nuevo formato. ‘Balas’ es un tema casi teatral. </span><span class="txt_respuesta">Xoel López. Es una canción que se podría llevar a un musical o algo más teatral y me parecía bonito, es una cosa que no solía hacer. Hay una personaje que es el que canta las estrofas y luego el estribillo lo cantan voces femeninas que se refieren a él. También pasa un poco en ‘Frutos’, con Miren, que tiene dos personajes. Es algo que aparece en el disco y que no sé si había hecho y si lo hice no fui muy consciente. Me permite jugar un poco más con la intención del lenguaje, no es lo mismo que tu digas algo a que lo diga otro y eso me dejó atreverme un poco más sabiendo que era un personaje que no era yo.</span></p>
<p><img src="/files/images/resize/640x1000_xoel-lopez-lados41595.jpeg" alt="640x1000_xoel-lopez-lados41595.jpeg" /></p>
<p class="txt_respuesta"> </p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. Y ‘Primavera’ se pregunta “¿Dónde irán las aves que no vuelan, dónde irán los barcos que no vuelven más?” </span><span class="txt_respuesta">Xoel López. Cuando consigues establecer una cierta estabilidad en tu vida solo tienes que mirar por la ventana para entender que todavía hay gente que no ha conseguido eso, que no tiene las mismas oportunidades y no ha podido alcanzar ese equilibrio. Me siento afortunado, sé que lo soy y muchos lo somos, pero siempre tengo la mirada puesta en los que todavía no lo son. Hay una referencia clara a todos los barcos que se pierden, mucha gente desesperada buscando sueños y de repente desaparecen en esos mares envenenados. Se fueron buscando un sueño y no regresaron nunca, probablemente porque aquello se frustró.</span></p>
<p> </p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. Charlie Bautista y la nueva incorporación Alice Wonder acompañarán a XOEL LÓPEZ y su banda en la gira que empieza. </span><span class="txt_respuesta">Xoel López. Es un elepé complejo con mucha producción. Hemos jugado mucho con los estereotipos de los instrumentos, así que vamos a tener que hacer un esfuerzo para poder llevar al directo pero podemos llevarlo a cabo para mantener ciertas búsquedas que tanto nos han costado y llevarlas al directo porque sino sería un poco tirar el trabajo por la borda.</span></p>
<p><span class="txt_entradilla">SUEÑOS Y PAN</span><span class="txt_entradilla"> forma parte de una trilogía con </span><span class="txt_entradilla">ATLÁNTICO</span><span class="txt_entradilla"> y </span><span class="txt_entradilla">PARAMALES</span><span class="txt_entradilla">. Es la pata que faltaba para entender esta etapa de XOEL LÓPEZ pero sin olvidar toda su trayectoria que seguirá en sus directos y en nuestra mente. Pero como dice el propio cantante, “vamos a tener tiempo para poder desgranar y degustar” este esperadísimo disco.</span></p>',
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<p><img src="/files/images/resize/640x1000_xoel-lopez-lados72875.jpeg" alt="640x1000_xoel-lopez-lados72875.jpeg" /></p>
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<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. El primer tema de este trabajo es ‘Jaguar’ que trata de reflejar la libertad infantil. </span><span class="txt_respuesta">Xoel López. Una libertad psicodélica. Si te fijas en la producción, la idea era jugar como haría un niño, probar cosas sin ningún tipo de prejuicio, mezclar Brasil con lo anglosajón, lo español y con Galicia con esa gaita de Budiño. Entender como entendería un niño, que todo tiene cabida. Trabajar sin los prejuicios o fronteras de los adultos que a veces nos ponemos y que creo que para el arte no siempre son beneficiosas.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. En ‘Cometa’ confluye la idea de la diversidad. </span><span class="txt_respuesta">Xoel López. Cuando uno acepta que es de un sitio, que su madre es esta, su familia es esta, sus amigos son los del colegio de toda la vida… parece que se encasilla y de alguna manera se cierra puertas. Eso puede ser placentero para mucha gente, pero mi vida fue muy distinta. Siempre conviví con gente muy diferente y mi vida es mucho más abierta, no puedo entender que hay un solo padre, una sola madre, metafóricamente hablando. Uno se hace con todas las identidades y formas de entender el mundo que hay en el Universo. Me tocó vivir siendo muchas cosas y esta es mi forma de reflejarlo.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. En el caso de ‘Insomnio’ tiene que ver con la sensación de salirse de lo conocido, del hogar. </span><span class="txt_respuesta">Xoel López. De descubrir mundo, correr aventuras. También de entender lo complejo que es es Universo y el ser humano, de ahí la frase “aunque tengo miedo a perderme en mundos raros”. La vida es rara, extraña, pero al mismo tiempo hay que empaparse de vida, asomarse a esa ventana e incluso salir por ella, no sirve de nada quedarse agazapado en tu escondite. Pero todo esto con la importancia de poder regresar y traer nuevas visiones del mundo. Habla de la importancia del viaje, de explorar el mundo pero siempre teniendo un lugar al que regresar.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. Lo desértico llega con ‘Frutos', junto Miren Iza de TULSA, que trata sobre lo que pasa cuando todo se derrumba. </span><span class="txt_respuesta">Xoel López. A veces es el mejor momento para abrir una nueva puerta, plantar una nueva semilla o para redecorarlo todo y empezar de cero. La canción habla un poco de eso, acepto que todo se fue a la mierda pero no acepto una negativa a una reconstrucción. Las cosas difíciles que nos suceden solo deben ser para aprender de ellas, renacer con más fuerza y levantarse con más energía.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. Y de repente aparece Galicia. ‘Serpes' y la nana ‘Duerme' están cantadas en gallego. </span><span class="txt_respuesta">Xoel López. Es algo inevitable, es una parte de mi vida, nace de mi inconsciente. Es bonito que se refleje esta diversidad que está en mi cabeza, pertenezco a un lugar donde conviven muchas culturas y muchas lenguas, y creo que entender que en un elepé pueda haber diferentes idiomas… es un reflejo de una realidad.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. “Si estas atrapado en las sombras, aguarda”. La fuerza para salir del túnel llega con ‘Lodo’. </span><span class="txt_respuesta">Xoel López. Aguarda en el sentido de no te rindas. Hay que entender que el fracaso no es más que el principio del éxito en el sentido de que es lo que más te va a enseñar. Cuando todo te sale bien… no aprendes un “carallo”. Engancha un poco con algunas canciones de </span><span class="txt_respuesta">RECONSTRUCCIÓN (Virgin/EMI, 2008)</span><span class="txt_respuesta"> de DELUXE que tratan de reflejar lo que he ido aprendiendo sobre la vida, que no quiere decir que sea certero pero es mi punto de vista.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. Dentro de </span><span class="txt_pregunta">SUEÑOS Y PAN</span><span class="txt_pregunta"> hay un nuevo formato. ‘Balas’ es un tema casi teatral. </span><span class="txt_respuesta">Xoel López. Es una canción que se podría llevar a un musical o algo más teatral y me parecía bonito, es una cosa que no solía hacer. Hay una personaje que es el que canta las estrofas y luego el estribillo lo cantan voces femeninas que se refieren a él. También pasa un poco en ‘Frutos’, con Miren, que tiene dos personajes. Es algo que aparece en el disco y que no sé si había hecho y si lo hice no fui muy consciente. Me permite jugar un poco más con la intención del lenguaje, no es lo mismo que tu digas algo a que lo diga otro y eso me dejó atreverme un poco más sabiendo que era un personaje que no era yo.</span></p>
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<p class="txt_respuesta"> </p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. Y ‘Primavera’ se pregunta “¿Dónde irán las aves que no vuelan, dónde irán los barcos que no vuelven más?” </span><span class="txt_respuesta">Xoel López. Cuando consigues establecer una cierta estabilidad en tu vida solo tienes que mirar por la ventana para entender que todavía hay gente que no ha conseguido eso, que no tiene las mismas oportunidades y no ha podido alcanzar ese equilibrio. Me siento afortunado, sé que lo soy y muchos lo somos, pero siempre tengo la mirada puesta en los que todavía no lo son. Hay una referencia clara a todos los barcos que se pierden, mucha gente desesperada buscando sueños y de repente desaparecen en esos mares envenenados. Se fueron buscando un sueño y no regresaron nunca, probablemente porque aquello se frustró.</span></p>
<p> </p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. Charlie Bautista y la nueva incorporación Alice Wonder acompañarán a XOEL LÓPEZ y su banda en la gira que empieza. </span><span class="txt_respuesta">Xoel López. Es un elepé complejo con mucha producción. Hemos jugado mucho con los estereotipos de los instrumentos, así que vamos a tener que hacer un esfuerzo para poder llevar al directo pero podemos llevarlo a cabo para mantener ciertas búsquedas que tanto nos han costado y llevarlas al directo porque sino sería un poco tirar el trabajo por la borda.</span></p>
<p><span class="txt_entradilla">SUEÑOS Y PAN</span><span class="txt_entradilla"> forma parte de una trilogía con </span><span class="txt_entradilla">ATLÁNTICO</span><span class="txt_entradilla"> y </span><span class="txt_entradilla">PARAMALES</span><span class="txt_entradilla">. Es la pata que faltaba para entender esta etapa de XOEL LÓPEZ pero sin olvidar toda su trayectoria que seguirá en sus directos y en nuestra mente. Pero como dice el propio cantante, “vamos a tener tiempo para poder desgranar y degustar” este esperadísimo disco.</span></p>',
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<p> Iam Suarez by Okuda, rezuma a partes iguales tradición y modernidad. Una presentación al mundo y una declaración de intenciones,que muestra otra forma de entender la estética de nuestro tiempo...</p>
<p>Okuda San Miguel y los artesanos de Suarez han trabajado mano a mano hasta concluir con una serie de piezas que reconstruyen, a pequeña escala, algunas de las grandes obras del primero. Se ha querido de esta manera recrear a través de los materiales empleados –oro, diamantes, zafiros- los característicos juego cromáticos del artista, respetando en todo momento su idiosincrasia. </p>
<p><iframe src="http://www.youtube.com/embed/Dx1bFdznrSQ" width="450" height="300"></iframe></p>
<p>+Info: <a href="http://joyeriasuarez.com/">joyeriasuarez.com</a></p>
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<p>Podremos ver en la Sala Berlanga de la Filmoteca de València los films <strong><em>Goldfish</em></strong> (<strong>Facundo V. Scalerandi,</strong> Alemania, 2016) y <strong><em>Me and My Father</em></strong> (Aleksander Pietrzak. Polonia, 2017); <em><strong>Feu mes frères</strong></em> (<strong>Simon Rieth</strong>, Francia, 2016) y <em><strong>Tikitat-a-soulima</strong></em> (<strong>Ayoub Layoussifi</strong>, Marruecos/Francia, 2017); <strong><em>Chasse Royale</em></strong> (Lise Akoka y Romane Gueret, Francia, 2016) y <strong><em>An Autobiography</em></strong> (<strong>Mari Mantela</strong>, Finlandia, 2016)...</p>
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<p>Irina trabaja sus piezas bajo unos patrones puros y nítidos, que le permiten dar especial relevancia a las impresiones de sus estampados, creando efectos visuales con movimiento y ritmo que nos evocan al "Op Art" de artistas como Bridget Riley…</p>
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<p> + info: <a href="http://eu.puma.com">eu.puma.com</a></p>
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<p> </p>
<p>Íñigo Renedo. Van a hacer 10 años desde que VETUSTA MORLA lanzó al escaparate de la música UN DÍA EN EL MUNDO (Pequeño Salto Mortal, 2008). Le siguió MAPAS (Pequeño Salto Mortal, 2011) y LA DERIVA(Pequeño Salto Mortal, 2014). Ahora, MISMO SITIO, DISTINTO LUGAR es su cuarto LP. Pucho. Han cambiado cosas y también no han cambiado muchas. Seguimos haciendo canciones, seguimos haciendo discos, seguimos haciendo giras y en ese sentido no ha cambiado mucho. Sí han cambiado las personas, la manera de ver el mundo, la manera de estar en él, la manera de comunicarse con la gente… En este álbum hemos hecho alguna que otra perfección y nos hemos mirado a nosotros mismos, hacemos balance de dónde venimos y lo que nos apetecía hacer en ese momento. Es un resultado de una búsqueda de este año en el que hemos estado reflexionando sobre todo esto.</p>
<p>Íñigo Renedo. Estas variaciones pueden dar vértigo para un grupo tan consolidado. Pucho. Miedo ninguno. Si hubiera habido miedo no lo habríamos sacado. Al revés, lo que hay es muchas ganas por transformar un poco, salir de lo conocido y buscar, experimentar, jugar en otros terrenos. Desde el principio esa ha sido la pauta de este disco. La palabra miedo no existe para nosotros. Íñigo Renedo. Algo característico de VETUSTA MORLA es que son de digestión lenta. Pucho. Sí, me lo dijeron el otro día. Hay una historia con la banda, con la gente que nos empieza a oír, como que de primeras no les entra bien y luego, cuando hay sucesivas escuchas, como que se quedan prendados de las canciones. Estos días he estado reflexionando sobre ello y la verdad es que sí que ocurre eso, pero nos ha pasado incluso desde el principio, directamente con el nombre, muchas veces oyes, “¿VETUSTA qué?”. Una vez que ya se integra eso, como que las personas ya no lo olvidan. Eso es bastante positivo.</p>
<p>Íñigo Renedo. Aunque pueda parecerlo, MISMO SITIO, DISTINTO LUGAR no es un álbum político. Pucho. Ni nuestra intención era hablar de la política, pero nuestras canciones siempre han sido bastante polisémicas y al final cada persona hace suya la letra. Es un LP que parte mucho de nosotros mismo, que habla sobre nosotros mismos y sobre nuestro estado actual a nivel individual y como banda. Es cierto que cuando terminamos de grabar y ya se juntaron las canciones, empezamos a ver el exterior y veíamos como que tenía mucha resonancia. Como colectivo sufrimos una transformación y la sociedad también está en ese momento de transformación y de incertidumbre. Cuando hablas desde dentro, es un reflejo de lo de fuera o viceversa. Muchas veces al hablar de lo de fuera es un reflejo de lo de dentro. En este caso, nuestro punto de partida somos nosotros.</p>
<p>Íñigo Renedo. “La gente hace suyas las canciones”. Pucho. Siempre nos ha gustado que las canciones sean universales. Cada autor, obviamente, está queriendo contar una cosa o exorcizar algo personal pero siempre nos gusta darle un carácter universal porque nos gusta que el oyente participe de ese proceso, de hecho, el propio título del elepé podría apelar un poco a esto. Los SITIOS son físicos, sitios concretos y los LUGARES es la manera que tiene cada uno de verlos, lo que significa esos sitios para cada persona. Las canciones comienzan siendo en un sitio porque tienen un nombre, pero cada uno las sitúa en el lugar que para él ocupan.</p>
<p>Íñigo Renedo. El sonido de este nuevo trabajo también sufre esa transformación de la que hablas. Pucho. Es un disco de búsqueda y al final hemos jugado mucho con las fónicas, encontrar sonoridades distintas y hay bastantes sintetizadores, hay algunas cosas que parecen sintetizadores pero que no lo son, también hay que decir (risas). Queríamos jugar un poquito con otro tipo de instrumentación. Ya no solo con eso sino incluso con la misma instrumentación que hemos tenido anteriormente, pero usándola de otra manera, con otros procesos.</p>
<p>Íñigo Renedo. “Deséame Suerte” es el tema que abre el LP y dice que buscan “las riendas de un nuevo corcel”. Pucho. MISMO SITIO, DISTINTO LUGAR es una autorreflexión de un momento vital de la banda. Es una búsqueda, una especie de refundación de nuestra identidad, acabas una gira, vuelves a casa y te piensas que la casa es exactamente igual que cuando te fuiste pero cuando vuelves tu eres distinto y la casa también. Todo está cambiando y mutando continuamente. En ese sentido, el álbum parte de ahí, de ese “Deséame Suerte” y la exploración de nuevas aventuras. La búsqueda hacia algo que, de momento, acaba de empezar.</p>
<p>Íñigo Renedo. Casi sin saberlo, “El Discurso del Rey” cuenta cosas que han pasado hace muy poco. Los últimos acontecimientos os dan temas para las próximas canciones, o habéis acertado de pleno. Pucho. Nos dicen como que hacemos “spoilers” de la propia realidad. Es lo que decía Juanma Latorre (guitarrista del grupo), “la próxima canción vamos a hablar del descubrimiento de la vacuna contra el cáncer, de terminar con el hambre del mundo… a ver si se cumple ¿no?”. De todos modos, la canción tampoco es que hable de los acontecimientos que han ocurrido en Cataluña, simplemente es una situación cíclica que se repite todos los años como puede ser el discurso del Rey o las Navidades. Imagínate que un año deja de suceder eso, entonces es el desconcierto máximo, la incertidumbre. Habla un poco de los tiempos de fuga y de incertidumbre que vivimos.</p>
<p>Íñigo Renedo. “Palmeras en La Mancha” se dirige hacia la ironía. Pucho. Si, hacia la sátira. Es una especie de “road movie” coral con muchos personajes. Quizás es la canción que más refleje el mundo exterior. Cuenta un poco la historia de gente que llega hasta un límite, explota y cambia de vida radicalmente sin comerlo ni beberlo, y luego de repente te llegan esas noticias de “¿te has enterado que esta persona ha desaparecido?”. Habla de los tiempos actuales, de estos tiempos frenéticos en los que vivimos y como dice la letra de la canción, “a veces el límite es un arco sin control y a veces se tensa y se escapa”. Como hay varios personajes queríamos reflejarlo a través de una especie de noticiario loco.</p>
<p>Íñigo Renedo. Todas las personas tenemos algo parecido a un rival personal y de repente sacas toda esa rabia y se lo dices a la cara, como ocurre en “Te lo Digo a Ti”. Pucho. Puede ser un rival personal o puede ser un rival con uno mismo. Al final el disco tiene mucha confrontación de canciones como en “Guerra Civil” que es una confrontación de uno mismo frente al espejo y es un poco lo que te comentaba, una reflexión de este año. Cuando surge una necesidad de transformación y de buscar nuevas vías de expresión siempre hay ese tipo de ruptura, de enfrentarse a uno mismo y habla un poco de eso. Podrían ser perfectamente acusaciones a un enemigo externo pero muchas veces también, aunque el enemigo parece que está fuera, muchas veces está en uno mismo.</p>
<p>Íñigo Renedo. Este tema es el primero en mostrarse al público. Pucho. Todo lo que nos llega es bueno, obviamente también hay críticas negativas, hay a gente que no le gusta, pero la gran mayoría han sido críticas muy buenas. Podría parecer una canción salida del tiesto pero la gente la ha recibido bastante bien y como que ya la ha integrado, de hecho hemos visto alguna versión por ahí en YouTube. Eso es buena señal.</p>
<p>Íñigo Renedo. “La Vieja Escuela” es una reverencia: “Cantan los que ya no están, no han dejado de girar”. Pucho. La canción va más como una especie de homenaje a la gran cantidad de gente que desapareció durante la época en la que estábamos componiendo el disco, como fueron Bowie, Leonard Cohen, Lou Reed, Prince… en ese sentido hicimos también de vista atrás en este año de reflexión y poníamos en la balanza todo ese gran bagaje tan significativo para nosotros. En nuestro caso todos esos nombres, esas patas, han sido tan importantes en nuestra formación como músicos y como personas y es una manera de hablar de ellos, decir que estas personas han muerto y habrá que generar nuevos mitos como fueron todos ellos. Está en nuestra obligación que todo ese legado de esa gente tan importante no se pierda a través de la música, desde hacer una versión, un homenaje o recordarles siempre. Es nuestro pequeño homenaje a esa Vieja Escuela. Han sido seminales, a lo mejor no para todos, pero para la mayoría de la banda son gente importante que forman parte de la historia de la música.</p>
<p>Íñigo Renedo. A la hora de crear, VETUSTA MORLA también son vieja escuela. Pucho. Tenemos un espíritu un poco romántico en ese aspecto. Nosotros hemos crecido en una época en la que los LPs, como conjunto de canciones, eran importantes desde el arte, las letras e incluso el propio concepto del álbum. Nos gusta mucho el concepto de disco como tal. Es cierto que en los últimos tiempos parece como que cada vez se está desintegrando una vez más y funciona todo a través del single, que también es una vuelta al origen porque antes también los grupos sacaban singles y el elepé vino después.</p>
<p>Íñigo Renedo.“Mismo Sitio, Distinto Lugar” cierra este cuarto trabajo gritando que “es mi turno, sé que debo romperlo”. ¿VETUSTA MORLA rompe un poco con los moldes? Pucho. Visto así rompemos con cierta manera de hacer las cosas. Obviamente nuestra identidad la tenemos, tenemos un pasado, una historia sobre nuestras espaldas y eso está ahí. Sí que hemos roto con ciertas maneras de hacer las cosas o de llegar a ellas probado otras formas. Este tema que da el título al álbum es el final de ese viaje que se inicia con “Deséame Suerte” como una búsqueda, un relato de una transformación, esas ganas de cambio o de hacer cosas distintas.</p>
<p>Íñigo Renedo. Es muy pronto, pero las ganas de girar son enormes. Pucho. Hasta el año que viene no empezamos y, tras esta etapa promocional, es cuando empezaremos a trabajar en esta integración de las canciones con el nuevo show y a ver cómo conviven con sus hermanas mayores. Tenemos ganas de que salga el disco, que la gente lo escuche entero y, sobre todo, ganas de compartirlo.</p>
<p>Íñigo Renedo. La banda es consciente de todo lo que sucede en España y en el momento de la entrevista acababan de suceder los incendios que asolaban Galicia. Pucho. Me apena mucho como sociedad que dañemos lo que nos sostiene, con lo que estamos vivos, que es la propia naturaleza. Da mucha pena que se dañe la naturaleza precisamente indirectamente para dañar a los seres humanos que al final formamos parte de la propia naturaleza.</p>
<p>Íñigo Renedo. ¿Seguimos un poco en LA DERIVA? Pucho. Estamos en un periodo de transición. Siempre intento ver las cosas positivas. Hay cosas que se están cambiando pero las sociedades no cambian de la noche a la mañana y creo que los procesos son largos. Hay que ser un poco pacientes y sobre todo empáticos, que es uno de los valores que más se está deteriorando y que hay que reivindicar. No podemos dejar de perder la empatía con el otro, con el igual, con el diferente e intentar comprender aunque no compartas las mismas opiniones que el prójimo. Intentar comprender, solucionar y dialogar pero siempre desde la empatía. Creo que es una de los valores que más deberíamos reforzar como sociedad.</p>
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<p>“Ha sido mágico” recita Pucho en “Deséame Suerte” y desde Lados Magazine les deseamos que este cuarto trabajo sea igual de fascinante que los tres anteriores.</p>',
'body_html_clean' => '<p>Con todos ustedes, uno de los discos más esperados del año, por no decir el que más. El cantante de la formación, Juan Pedro, a quien todos le conocemos por “Pucho”, charló con Lados Magazine sobre el nuevo retoño de VETUSTA MORLA, se llama MISMO SITIO, DISTINTO LUGAR(Pequeño Salto Mortal, 2017) y es el resultado de una “transformación” de la banda madrileña.</p>
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<p>Íñigo Renedo. Van a hacer 10 años desde que VETUSTA MORLA lanzó al escaparate de la música UN DÍA EN EL MUNDO (Pequeño Salto Mortal, 2008). Le siguió MAPAS (Pequeño Salto Mortal, 2011) y LA DERIVA(Pequeño Salto Mortal, 2014). Ahora, MISMO SITIO, DISTINTO LUGAR es su cuarto LP. Pucho. Han cambiado cosas y también no han cambiado muchas. Seguimos haciendo canciones, seguimos haciendo discos, seguimos haciendo giras y en ese sentido no ha cambiado mucho. Sí han cambiado las personas, la manera de ver el mundo, la manera de estar en él, la manera de comunicarse con la gente… En este álbum hemos hecho alguna que otra perfección y nos hemos mirado a nosotros mismos, hacemos balance de dónde venimos y lo que nos apetecía hacer en ese momento. Es un resultado de una búsqueda de este año en el que hemos estado reflexionando sobre todo esto.</p>
<p>Íñigo Renedo. Estas variaciones pueden dar vértigo para un grupo tan consolidado. Pucho. Miedo ninguno. Si hubiera habido miedo no lo habríamos sacado. Al revés, lo que hay es muchas ganas por transformar un poco, salir de lo conocido y buscar, experimentar, jugar en otros terrenos. Desde el principio esa ha sido la pauta de este disco. La palabra miedo no existe para nosotros. Íñigo Renedo. Algo característico de VETUSTA MORLA es que son de digestión lenta. Pucho. Sí, me lo dijeron el otro día. Hay una historia con la banda, con la gente que nos empieza a oír, como que de primeras no les entra bien y luego, cuando hay sucesivas escuchas, como que se quedan prendados de las canciones. Estos días he estado reflexionando sobre ello y la verdad es que sí que ocurre eso, pero nos ha pasado incluso desde el principio, directamente con el nombre, muchas veces oyes, “¿VETUSTA qué?”. Una vez que ya se integra eso, como que las personas ya no lo olvidan. Eso es bastante positivo.</p>
<p>Íñigo Renedo. Aunque pueda parecerlo, MISMO SITIO, DISTINTO LUGAR no es un álbum político. Pucho. Ni nuestra intención era hablar de la política, pero nuestras canciones siempre han sido bastante polisémicas y al final cada persona hace suya la letra. Es un LP que parte mucho de nosotros mismo, que habla sobre nosotros mismos y sobre nuestro estado actual a nivel individual y como banda. Es cierto que cuando terminamos de grabar y ya se juntaron las canciones, empezamos a ver el exterior y veíamos como que tenía mucha resonancia. Como colectivo sufrimos una transformación y la sociedad también está en ese momento de transformación y de incertidumbre. Cuando hablas desde dentro, es un reflejo de lo de fuera o viceversa. Muchas veces al hablar de lo de fuera es un reflejo de lo de dentro. En este caso, nuestro punto de partida somos nosotros.</p>
<p>Íñigo Renedo. “La gente hace suyas las canciones”. Pucho. Siempre nos ha gustado que las canciones sean universales. Cada autor, obviamente, está queriendo contar una cosa o exorcizar algo personal pero siempre nos gusta darle un carácter universal porque nos gusta que el oyente participe de ese proceso, de hecho, el propio título del elepé podría apelar un poco a esto. Los SITIOS son físicos, sitios concretos y los LUGARES es la manera que tiene cada uno de verlos, lo que significa esos sitios para cada persona. Las canciones comienzan siendo en un sitio porque tienen un nombre, pero cada uno las sitúa en el lugar que para él ocupan.</p>
<p>Íñigo Renedo. El sonido de este nuevo trabajo también sufre esa transformación de la que hablas. Pucho. Es un disco de búsqueda y al final hemos jugado mucho con las fónicas, encontrar sonoridades distintas y hay bastantes sintetizadores, hay algunas cosas que parecen sintetizadores pero que no lo son, también hay que decir (risas). Queríamos jugar un poquito con otro tipo de instrumentación. Ya no solo con eso sino incluso con la misma instrumentación que hemos tenido anteriormente, pero usándola de otra manera, con otros procesos.</p>
<p>Íñigo Renedo. “Deséame Suerte” es el tema que abre el LP y dice que buscan “las riendas de un nuevo corcel”. Pucho. MISMO SITIO, DISTINTO LUGAR es una autorreflexión de un momento vital de la banda. Es una búsqueda, una especie de refundación de nuestra identidad, acabas una gira, vuelves a casa y te piensas que la casa es exactamente igual que cuando te fuiste pero cuando vuelves tu eres distinto y la casa también. Todo está cambiando y mutando continuamente. En ese sentido, el álbum parte de ahí, de ese “Deséame Suerte” y la exploración de nuevas aventuras. La búsqueda hacia algo que, de momento, acaba de empezar.</p>
<p>Íñigo Renedo. Casi sin saberlo, “El Discurso del Rey” cuenta cosas que han pasado hace muy poco. Los últimos acontecimientos os dan temas para las próximas canciones, o habéis acertado de pleno. Pucho. Nos dicen como que hacemos “spoilers” de la propia realidad. Es lo que decía Juanma Latorre (guitarrista del grupo), “la próxima canción vamos a hablar del descubrimiento de la vacuna contra el cáncer, de terminar con el hambre del mundo… a ver si se cumple ¿no?”. De todos modos, la canción tampoco es que hable de los acontecimientos que han ocurrido en Cataluña, simplemente es una situación cíclica que se repite todos los años como puede ser el discurso del Rey o las Navidades. Imagínate que un año deja de suceder eso, entonces es el desconcierto máximo, la incertidumbre. Habla un poco de los tiempos de fuga y de incertidumbre que vivimos.</p>
<p>Íñigo Renedo. “Palmeras en La Mancha” se dirige hacia la ironía. Pucho. Si, hacia la sátira. Es una especie de “road movie” coral con muchos personajes. Quizás es la canción que más refleje el mundo exterior. Cuenta un poco la historia de gente que llega hasta un límite, explota y cambia de vida radicalmente sin comerlo ni beberlo, y luego de repente te llegan esas noticias de “¿te has enterado que esta persona ha desaparecido?”. Habla de los tiempos actuales, de estos tiempos frenéticos en los que vivimos y como dice la letra de la canción, “a veces el límite es un arco sin control y a veces se tensa y se escapa”. Como hay varios personajes queríamos reflejarlo a través de una especie de noticiario loco.</p>
<p>Íñigo Renedo. Todas las personas tenemos algo parecido a un rival personal y de repente sacas toda esa rabia y se lo dices a la cara, como ocurre en “Te lo Digo a Ti”. Pucho. Puede ser un rival personal o puede ser un rival con uno mismo. Al final el disco tiene mucha confrontación de canciones como en “Guerra Civil” que es una confrontación de uno mismo frente al espejo y es un poco lo que te comentaba, una reflexión de este año. Cuando surge una necesidad de transformación y de buscar nuevas vías de expresión siempre hay ese tipo de ruptura, de enfrentarse a uno mismo y habla un poco de eso. Podrían ser perfectamente acusaciones a un enemigo externo pero muchas veces también, aunque el enemigo parece que está fuera, muchas veces está en uno mismo.</p>
<p>Íñigo Renedo. Este tema es el primero en mostrarse al público. Pucho. Todo lo que nos llega es bueno, obviamente también hay críticas negativas, hay a gente que no le gusta, pero la gran mayoría han sido críticas muy buenas. Podría parecer una canción salida del tiesto pero la gente la ha recibido bastante bien y como que ya la ha integrado, de hecho hemos visto alguna versión por ahí en YouTube. Eso es buena señal.</p>
<p>Íñigo Renedo. “La Vieja Escuela” es una reverencia: “Cantan los que ya no están, no han dejado de girar”. Pucho. La canción va más como una especie de homenaje a la gran cantidad de gente que desapareció durante la época en la que estábamos componiendo el disco, como fueron Bowie, Leonard Cohen, Lou Reed, Prince… en ese sentido hicimos también de vista atrás en este año de reflexión y poníamos en la balanza todo ese gran bagaje tan significativo para nosotros. En nuestro caso todos esos nombres, esas patas, han sido tan importantes en nuestra formación como músicos y como personas y es una manera de hablar de ellos, decir que estas personas han muerto y habrá que generar nuevos mitos como fueron todos ellos. Está en nuestra obligación que todo ese legado de esa gente tan importante no se pierda a través de la música, desde hacer una versión, un homenaje o recordarles siempre. Es nuestro pequeño homenaje a esa Vieja Escuela. Han sido seminales, a lo mejor no para todos, pero para la mayoría de la banda son gente importante que forman parte de la historia de la música.</p>
<p>Íñigo Renedo. A la hora de crear, VETUSTA MORLA también son vieja escuela. Pucho. Tenemos un espíritu un poco romántico en ese aspecto. Nosotros hemos crecido en una época en la que los LPs, como conjunto de canciones, eran importantes desde el arte, las letras e incluso el propio concepto del álbum. Nos gusta mucho el concepto de disco como tal. Es cierto que en los últimos tiempos parece como que cada vez se está desintegrando una vez más y funciona todo a través del single, que también es una vuelta al origen porque antes también los grupos sacaban singles y el elepé vino después.</p>
<p>Íñigo Renedo.“Mismo Sitio, Distinto Lugar” cierra este cuarto trabajo gritando que “es mi turno, sé que debo romperlo”. ¿VETUSTA MORLA rompe un poco con los moldes? Pucho. Visto así rompemos con cierta manera de hacer las cosas. Obviamente nuestra identidad la tenemos, tenemos un pasado, una historia sobre nuestras espaldas y eso está ahí. Sí que hemos roto con ciertas maneras de hacer las cosas o de llegar a ellas probado otras formas. Este tema que da el título al álbum es el final de ese viaje que se inicia con “Deséame Suerte” como una búsqueda, un relato de una transformación, esas ganas de cambio o de hacer cosas distintas.</p>
<p>Íñigo Renedo. Es muy pronto, pero las ganas de girar son enormes. Pucho. Hasta el año que viene no empezamos y, tras esta etapa promocional, es cuando empezaremos a trabajar en esta integración de las canciones con el nuevo show y a ver cómo conviven con sus hermanas mayores. Tenemos ganas de que salga el disco, que la gente lo escuche entero y, sobre todo, ganas de compartirlo.</p>
<p>Íñigo Renedo. La banda es consciente de todo lo que sucede en España y en el momento de la entrevista acababan de suceder los incendios que asolaban Galicia. Pucho. Me apena mucho como sociedad que dañemos lo que nos sostiene, con lo que estamos vivos, que es la propia naturaleza. Da mucha pena que se dañe la naturaleza precisamente indirectamente para dañar a los seres humanos que al final formamos parte de la propia naturaleza.</p>
<p>Íñigo Renedo. ¿Seguimos un poco en LA DERIVA? Pucho. Estamos en un periodo de transición. Siempre intento ver las cosas positivas. Hay cosas que se están cambiando pero las sociedades no cambian de la noche a la mañana y creo que los procesos son largos. Hay que ser un poco pacientes y sobre todo empáticos, que es uno de los valores que más se está deteriorando y que hay que reivindicar. No podemos dejar de perder la empatía con el otro, con el igual, con el diferente e intentar comprender aunque no compartas las mismas opiniones que el prójimo. Intentar comprender, solucionar y dialogar pero siempre desde la empatía. Creo que es una de los valores que más deberíamos reforzar como sociedad.</p>
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<p> </p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo.</span><span class="txt_pregunta"> El éxito de KAKKMADDAFAKKA en España es indudable. Muchas ciudades han conocido como se las gastan y queremos saber su secreto. </span><span class="txt_respuesta">Axel Vindenes. </span><span class="txt_respuesta">Bueno, si lo hubiéramos sabido, quizás hubiésemos comenzado a trabajar como directores de música y hubiéramos empezado a ganar muchos billetes (risas). Pero en realidad no tenemos idea. Nos gusta llamarnos a nosotros mismos como una banda de fiesta, y nuestras mayores bases de fans están en España y Alemania. ¡Los pesos pesados de Europa! Tal vez, ¿hay algo allí? (Honestamente, ¿no lo sabemos?).</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo.</span><span class="txt_pregunta"> En muchos de vuestros conciertos en España habéis dejado muchos guiños para nuestro público. Recuerdo en algunos conciertos vuestros oír canciones como “Bailando” de PARADISIO o el himno de la Champions League</span>. <span class="txt_respuesta">Axel Vindenes. </span><span class="txt_respuesta">Pues prepararos... Tenemos nuevas sorpresas para vosotros. </span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo.</span><span class="txt_pregunta"> En nuestro país, tenemos el concepto de que Noruega es un país frío, donde nieva y llueve mucho. Pese a todo ese ambiente grisáceo, su música alberga muchos sonidos mediterráneos, o lo que los críticos llaman el “Bergen Wave”</span>. <span class="txt_respuesta">Axel Vindenes. </span><span class="txt_respuesta">También tenemos cerca de una semana, en el verano, donde tenemos más de 20 grados, así que sabemos cuál es la sensación de calor (risas). Pero ya sabes, Noruega es en realidad un país muy hermoso. Muchos artistas se inspiran cuando vienen aquí. Y en el chaleco, estaba Bergen, es especialmente hermoso. Eso puede explicar la cantidad anormalmente alta de bandas que salen de Bergen, y toda la onda de Bergen.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo.</span><span class="txt_pregunta"> El otro día estuve viendo el Mundial de Ciclismo que se celebró en Bergen y pude ver una pancarta con el nombre de la banda. Allí os quieren mucho</span>. <span class="txt_respuesta">Axel Vindenes.</span><span class="txt_respuesta"> Es la mejor ciudad de Noruega, ¡La número uno!</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo.</span><span class="txt_pregunta"> La banda se caracteriza por tener ritmos alegres como en el disco </span><span class="txt_pregunta">HEST (Bubbles Records, 2011)</span><span class="txt_pregunta"> con “You Girl”, “Is She”, “Restless”… pero a veces pega un giro más melancólico como con </span><span class="txt_pregunta">SIX MONTHS IS A LONG TIME (Bubbles Records, 2013)</span><span class="txt_pregunta"> donde hay canciones como “Forever Alone”. Posteriormente llega la madurez con </span><span class="txt_pregunta">KMF (Bergen Mafia, 2016)</span><span class="txt_pregunta">. Ahora para el “whatever works” (todo vale) como premisa en el nuevo trabajo </span><span class="txt_pregunta">HUS</span><span class="txt_pregunta">, una idea muy cercana a sus inicios, tanto que se van a su propia ciudada natal a retransmitir esos comienzos. </span><span class="txt_respuesta">Axel Vindenes.</span><span class="txt_respuesta"> El nuevo álbum tiene su propio sonido y estilo, creemos. ¡Hemos hecho música por casi 14 años!, y entre los seis integrantes que somos sumamos es un total de 84 años… eso es toda una vida (risas). Entonces eso explica la madurez. Ahora es como si empezásemos de cero aunque, básicamente, ahora creemos que somos mejores escribiendo canciones. Todos los comentarios de nuestros seguidores son positivos y también coinciden en esa idea</span>.</p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo.</span><span class="txt_pregunta"> “All I Want To Hear (ÅÅÅ)”, según explica Axel, es un regalo para los fans y lo compuso tras un viaje a Berlín. Una canción muy fresca y veraniega. Con “Neighbourhood” se habla sobre lo que significa vivir en un pueblo pequeño como… ¿Bergen?</span> <span class="txt_respuesta">Axel Vindenes.</span><span class="txt_respuesta"> Absolutamente. Eso es exactamente de lo que trata. Bergen es un lugar pequeño y especial. Para bien o para mal. Es un caldo de cultivo para la intriga. Muchos corazones se rompen en las últimas horas o en la noche y supongo que en las grandes ciudades del mundo nunca te toparás con tu ex aunque vivas en el mismo área de la ciudad, pero en Bergen es diferente, puede que conozcas al nuevo novio de tu ex y tu empieces a enamorarte con alguien que ya conoces. Es así como es en una ciudad pequeña como esta. </span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo.</span><span class="txt_pregunta"> Las contraposiciones llegan con “Holding Me Back”, “Summer Melancoly” o “Don Juan”. Con “Boy”, “Save Yourself”, “Games” y “Blue Eyes” regresa el buen ambiente. </span><span class="txt_respuesta">Axel Vindenes. </span><span class="txt_respuesta">Todo lo que escribimos tiene alguna base en la realidad y la vida en Bergen. Digamos que son historias reales que nos han podido pasar pero siempre centrándonos en lo que sucede en nuestra ciudad.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo.</span><span class="txt_pregunta"> La canción que cierra </span><span class="txt_pregunta">HUS</span><span class="txt_pregunta"> es “Hillside”</span>. <span class="txt_respuesta">Axel Vindenes.</span><span class="txt_respuesta"> Sucedió en la casa en la que grabamos y escribimos el álbum. Las letras lo explican bastante bien, así que escuchar la canción es la mejor manera de entenderlo, pero básicamente hablamos de un día en el que fuimos a grabar algunas cosas a la casa y encontramos nuestro equipo e instrumentos rotos y revueltos, cerveza por todas partes y una mierda. Algo había sucedido, y escribimos una canción sobre eso.</span></p>
<p>KAKKMADDAFAKKA nos abre las puertas de su HUS o, mejor dicho, de su casa en este cuarto álbum. Su día a día, sus travesuras, lo que les sucede por las calles donde han crecido. No dudan en que España les volverá a acoger con los brazos abiertos, como siempre, y ya preparan sus “armas” para girar por las salas y festivales de esta península que tanto les gusta.</p>
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<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo.</span><span class="txt_pregunta"> La canción que cierra </span><span class="txt_pregunta">HUS</span><span class="txt_pregunta"> es “Hillside”</span>. <span class="txt_respuesta">Axel Vindenes.</span><span class="txt_respuesta"> Sucedió en la casa en la que grabamos y escribimos el álbum. Las letras lo explican bastante bien, así que escuchar la canción es la mejor manera de entenderlo, pero básicamente hablamos de un día en el que fuimos a grabar algunas cosas a la casa y encontramos nuestro equipo e instrumentos rotos y revueltos, cerveza por todas partes y una mierda. Algo había sucedido, y escribimos una canción sobre eso.</span></p>
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Exposición vigente del 6 de octubre al 19 de noviembre, 2017',
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<p><img src="/files/images/resize/640x1000_clash-67428.jpeg" alt="640x1000_clash-67428.jpeg" /></p>
<p>Teenage Rampage no es sólo una colección de carteles, es un recorrido por la historia de la cultura pop, desde finales de los años 50 a los 80s. Cada cartel de la exposición intenta acercarse a la estética de la época, sin olvidar nunca el peculiar estilo del artista. Elvis Presley en 1956, los Beatles en el Hollywood Bowl de Los Angeles, las Ronettes (con los Rolling Stones de teloneros!) en Londres, Gram Parsons con los Fallen Angels en Austin poco antes de morir en Joshua Tree, Iggy Pop con los Stooges en Cincinnati, los Ramones, David Bowie, The Byrds, Blondie, Johnny Cash, The Clash, Otis Redding… y muchos más iconos de la historia de la música se reunirán en este homenaje de Álvaro P-FF a la energía adolescente, de cuando el rock&roll era la principal y más poderosa de las artes de la juventud.</p>
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<p> <strong>+ info: la fiambrera.net</strong></p>',
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<p>Muchos nos acercamos a la fiesta presentación en la Playa de Levante del jueves donde nos esperaban bandas como Rusos Blancos, Miss Caffeina, !!! (Chk Chk Chk) y Miss Deep’in. Rusos Blancos sacaron a relucir su ‘Museo del Romanticismo’ con temas como “Insuficiente”, “A Otra con Esas”, “Camas y Trincheras” o “Un Excusa Diferente” que hizo bailar hasta al turista inglés que pasaba por el paseo de Benidorm. Poco a poco, la gente iba agolpándose en el escenario con ganas de ver a Miss Caffeina, quizás de los más esperados de la noche. Alberto y compañía trasladaron al público a ‘Detroit’ pasando por temas de anteriores trabajos como “Venimos” o “Capitán”. No faltó “Ácido”, ni “Oh Sana”, y menos “Mira Cómo Vuelo”, un verdadero himno de la banda que no se amilanó pese a ser la inauguración del Low. Los siguientes en subirse al escenario fueron los californianos !!! (Chk Chk Chk), un grupo que no sabe saltar a un escenario sin dejarse el alma allí. Pese a tocar al siguiente día, la banda estadounidense acabó en calzoncillos en pleno paseo marítimo con sus pegadizos temas entre los que sobresalió su mítico “One Girl / One Boy”. Tras ellos y sus temas “Dancing in the Best Revenge” o “Freedom”, muchos fueron los que se quedaron escuchando Miss Deep’in aunque otros recogieron a sus respectivos alojamientos pensando en las duras etapas que se venían encima. No nos olvidemos de aquellos que se perdieron entre las discotecas con ese ambiente guiri benidormense con los que, seguro, empezaron el Low escuchando el “Despacito” más de una vez. </p>
<p>Pixies, Pixies, Pixies… y el fiestón de La Casa Azul, Varry Brava y ElYElla Los que ya llevamos yendo a muchos festivales, y sobre todo al Low, sabemos que la organización es la madre de todo buen festivalero. Mis colegas y yo decidimos llevar una hoja de ruta muy marcada para que no sucediese ningún traspiés inesperado y por eso decidimos entrar pronto al recinto en la Ciudad Deportiva Guillermo Amor. Nuestra primera parada del viernes fue Jota Pop en el Escenario Jagermusic que abrió el festival con una pinchada marca de la casa. Seguidos fuimos a ver parte del concierto Full que plantaron cara con su ‘Tercera Guerra Mundial’ y que hicieron vibrar con “Distintos”. La jornada no había hecho nada más que empezar y ya teníamos el primer dilema. Ver a Corizonas o ver a los emergentes Vulk. Finalmente nos decantamos por la banda de Javier Vielba y su ‘Nueva Dimensión Vital’. Al Meister le seguimos desde hace tiempo y siempre hace ilusión escuchar temazos como “Todo Va Bien” o “La Cuerda Que Nos Dan”, sin olvidarnos de esas canciones que nos engancharon country folk: “Run To The River”. Fue entonces cuando pusimos rumbo a Dorian. Los catalanes son unos fijos en este tipo de fiestas con su romanticismo musical. Marc y Belly hicieron estallar una lluvia de confetis en cada temazo que sonaba como “A Cualquier Otra Parte”, “La Tormenta de Arena” y “Paraísos Artificiales”. Los barceloneses siguen contentos con sus ‘Diez Años y Un Día’ y no obviaron “Arrecife” y “Los Amigos que Perdí”. </p>
<p>Tras saltar un par de veces, fuimos a ver a Luis Alberto. Este mallorquín nos tiene enamorados pese a que mostró un setlist muy parecido al que vimos en Tomavistas. L.A. prestó gran parte de su concierto a tocar lo nuevo de ‘King of Beasts’ con su depurada calidad que es capaz de absorberte en un concierto digno de los mejores teatros. “Helsinki”, “Killing Me” y “Leave It All Behind” dejaron claro que cada trabajo de esta banda siempre va a ir a mejor, pero además brindaron a los lowers, muy involucrados en la causa, sus grandes éxitos como “Stop The Clocks”, Living by the Oceans” o “Love Comes Around”. Fue terminar L.A. y acercarnos al Escenario Wiko para ver a Kokoshca y es que en el Tomavistas nos quedamos con las ganas de verles por su infortunio cuando empezaban a tocar. Llegamos justo para “Mi Consentido” y ‘Algo Real’… y fue brutal, al igual que con “La Fuerza”. </p>
<p>Y llegó el momento del Escenario Estrella Damm: Pixies. Desde Massachusetts hasta Benidorm, Black Francis y su banda no dejaron indiferente a nadie. Seguramente uno de los conciertos más esperados de todos los festivales españoles. Los Pixies arrancaron con “Gouge Away” y aceleraron el ritmo para dejar la primera pincelada bien pronto con “Isla de Encanta”. La banda de Boston quiso seguir pintando su obra de arte a base de sus temas emblemáticos y se mantuvieron en alza con “Waze of Mutilation” y “Monkey Gone to Heaven”. También hubo tiempo para escuchar su último trabajo ‘Head Carrier’ pero no tardaron en sonar los verdaderos himnos del indie internacional. Todos los que estuvimos allí podremos decir que escuchamos en directo “Where Is My Mind” y “Here Comes Your Man”. Francis y el resto de Pixies acabaron con “Ed Is Dead” antes de los bises donde, entre humo, luces y calor terminaron su cuadro con un boceto del disco ‘Doolitle’. Los Pixies, pese al hype de todos los festivaleros, no defraudaron y se nombraron, como era de esperar, los grandes triunfadores de la noche. </p>
<p><img src="/files/images/resize/640x1000_img-20170731-wa000291672.jpeg" alt="640x1000_img-20170731-wa000291672.jpeg" /></p>
<p>El cansancio empezaba a asomarse, pero las ganas de marcha seguían presentes. La Casa Azul, con Guille Milkyway como líder, mostraron su propuesta más fiestera y se llevaron al público bajo el brazo pese a los problemas de sonido. “Superguay”, “Cerca de Sibuya” y la “Revolución Sexual” como tema emblema de la banda. Pese a que el número de gente iba disminuyendo nos acercamos a Varry Brava ya que Biznaga ya lo pudimos disfrutar en la Sala El Sol de Madrid hace bien poco. Los murcianos exprimieron toda la marcha que hay en sus discos en el Escenario Matusalem. Hubo momentos excelsos cn el disco ‘Safari Emocional’ pero el climax llegó con “Calor”, “No Gires”, “Oh, Oui Oui” para terminar con “Fantasmas” y todo el público coreando este último tema con el español “lo, lo, lo, looooo”. El siguiente destino fue !!! (Chk, Chk, Chk) que a les habíamos visto el día anterior en la fiesta presentación y acabaron de la misma forma, en calzoncillos y dándolo todo. Pese a la tralla que llevábamos, tiramos de valentía y acabamos entre confeti y temazos con ElyElla. </p>
<p> Franz Ferdinand y Nada Surf fueron los ganadores de la etapa reina, Viva Suecia la confirmación y Los Punsetes la osadía Recuperados de la jornada anterior, empezamos el sábado escuchando a The New Raemon + McEnroe desde el maravilloso césped que rodea el escenario Matusalem. La organización del Low es una de las más perfectas del circuito de festivales veraniegos y hay que reconocerlo ya que, pese a la gran cantidad de festivaleros que acuden, no sientes gran agobio salvo en los conciertos “tops”. Ricardo Lezón y Ramón siguen dando destellos de su calidad allá por donde van. Ya les vimos en otros festivales, pero merecía la pena volver a escuchar “Gracia”, “Espantapájaros” o “Por Fin los Ciervos” de su álbum conjunto ‘Lluvia y Truenos’. No faltaron canciones de McEnroe como “Rugen las Flores.</p>
<p> Nada Surf les estábamos esperando como agua de mayo. Matthews Caws, Ira Elliot y Daniel Lorca, a quien entrevistamos en Lados Magazine con motivo de este Low, se plantaron en el escenario Estrella Damm con sus múltiples estilos pop para representar en un concierto sus 25 años como banda. ‘You Know How You Are’ y ‘High/Low’ reflotaron a los más dormidos en las primeras horas. No se dejaron “Popular”, su gran éxito que hizo quitar la mala sensación que dejaron los problemas técnicos durante “Hi Speed Soul”. Mientras Matthews intentaba hablar en español, se notó el buen rollo de esta banda que ya cumple las bodas de plata que acabó dejando temazos como “Always Love”, “Blizzard Of 77”, “The Way You Wear You Head” o “Hyperspace”. Tras los neoyorkinos dos dimos un respiro entre la atmosfera pop de Soledad Vélez y la psicodelia hipnótica de My Expansive Awareness que más de uno dirá que le recuerda a Tame Impala. Nuestro siguiente paso fue Sidonie. La banda formada por Marc Ros, Jes Senra y Axel Pi no puede faltar en un festival nunca pese a que te sepas de memoria el setlist que vayan a tocar. El público, a reventar, se entregó a ‘El Peor Grupo Del Mundo’ con temas como “Siglo XX”, “No Se Dibujar Un Perro” y su telepronter manual, “Carreteras Infinitas” y los mejores deseos de Marc para grupos como Supersubmarina. No faltaron los temas que les han hecho grande como “El Bosque”, “Te Quiero”, “El Incendio”, “Estáis Aquí” y “Un Día de Mierda” donde el cantante se lanza por el público buscando un beso de amor con sus fieles. Un repaso milimétrico de sus mejores temas en el que el buen festivalero se deja la voz. Posteriormente, entre Viva Suecia y Las Odio estuvo el cotarro. Primero, fuimos a ver al grupo de Murcia que está partiéndolo en todos los escenarios al que se sube. Este grupo ha venido para quedarse y mostraron su exquisito ‘Otros Principios Fundamentales’ que nos dejaron los temas “Hemos Ganado Tiempo”, “A Dónde Ir” y, por su puesto, “Bien Por Ti”. Antes de las 00:00 queríamos pasar a ver a Las Odio, que ya las vimos en Madrid, pero teníamos ganas de escuchar a este grupo íntegramente femenino que están impresionando con su ‘Futuras Esposas’. Tras nuestra entrevista con la bajista Sonsoles, no podíamos faltar a este concierto en el Wiko donde “Yo Lo Vi Primero” e “Indiespañol” fueron aclamados. Tras esta doble parada, seguimos las olas de gente hasta que en el luminoso puso Franz Ferdinand. La formación compuesta por Alex Kapranos llegó al Low para hacer bailar a todo el público con sus grandes éxitos ya que, desde hace más de dos años, los escoceses no han sacado nada nuevo. Se podría decir que la liaron con “Do You Want To”, “Michael”, “Jacqueline”, “No You Girls” y, como no, con “Take Me Out”. Tras su final, nos dio pena perdernos Rrucculla pero no podíamos faltar a la cita con Los Punsetes. Ariadna volvió a salir con un estrafalario y a la par original vestido para quedarse plantada durante todo lo que duró el bolo, a su lado, su escudero Anntona que mete ritmo a la banda cuando quiere. Los madrileños escupieron sus letras llenas de realidad dolorosa y presentaron ‘¡Viva!’ repasando a la vez temazos como “Opinión de Mierda”, “Tus Amigos”, “Me gusta que me Pegues” o “Museo de Historia Natural” para acabar con los buenísimos “Tu Puto Grupo” y “¡Viva!”. Un aplauso enorme para los incansables, aunque a veces repetitivos, Los Punsetes.</p>
<p>Sin descanso volvimos en nuestros pasos hasta The Hives. Los suecos, plasmaron un espectáculo muy parecido al del pasado verano donde combinaban música y vestimenta bicolor mientras Pelle Almqvist empatizaba con el público español de forma muy divertida. El calor hizo mella en varios de los artistas que pasaban por los escenarios de Benidorm y esto pareció atacarle al bueno de Pelle en “Walk Idiot Walk”. Sin embargo, no defraudaron con “Hate To Say I Told You So” y con el final de “Tick Tick Boom” que alargaron hasta que no pudieron más. Los suecos reventaron la noche benidormense y nuestras piernas que ya empezaban a flaquear tras dos días intensísimos. Fue momento del descanso. Recomendamos un bocata de panceta que hará delicias en tu paladar y que resucita a cualquier muerto. Sin embargo, eran más de las tres de la mañana y solo pudimos aguantar a Delorean. La banda electrónica de Zarauz nos tiene engatusados con la psicodelia de ‘Muzik’ hasta que nos hizo levantarnos con “Stay Close”, “Epic”, “Destitute Time” y el más que conocido “Deli”. Además, nos brindaron un regalo del nuevo tinglado que están montando, “Giro”. Aquí es cuando pusimos punto y final a nuestro sábado pese a quedarnos sin ver FM Belfast y Ley Dj, pero ya sabéis, una retirada a tiempo es una victoria.</p>
<p><img src="/files/images/resize/640x1000_img-20170731-wa000668584.jpeg" alt="640x1000_img-20170731-wa000668584.jpeg" /></p>
<p> Lori Meyers y Triángulo de Amor Bizarro reventaron un Low Festival que acabó “Bailando” con Fangoria. No suelo tener grupos favoritos, ni ser fanático con algo, pero no sé qué me pasa con Triángulo de Amor Bizarro que me rompe todos los moldes. Me tiraría escribiendo todo el setlist que esta banda de post-punk remezclado con noise-rock tocaron, pero tampoco estamos para eso, solo puedo decir que ‘Salve Discordia’ es una preciosidad que les ha catapultado a ser una de las mejores bandas españolas (y uno de los mejores discos del 2016, sino el mejor). Los gallegos comenzaron con “Desmadre Estigio” y desde allí hasta el final todo fue garra, fuerza en cada acorde y tanta distorsión (intencionada) que nos sumergieron en lo más oscuro de la banda. “Seguidores” fue una maravilla, al igual que “Baila Sumeria” y “Cómo Encontró a la Diosa” pero también hubo tiempo para escuchar los verdaderos clásicos de Triángulo. En nuestros oídos atronaron “El Fantasma de la Transición”, “Estrellas Místicas”, “Robo tu Tiempo”, “Amigos del Género Humano” y todo claudicó con “De la Monarquía a la Criptocracia”. Ya estábamos exhaustos y acabábamos de entrar. Pusimos rumbo a los esperados Lori Meyers. Los más esperados en cuanto a grupos españoles hablamos. Se notó en la afluencia de gente que llenaron el estadio Guillermo Amor hasta la bandera. El Noni y compañía comenzaron con “Vertigo I” bajo una jaula de luces para hacer un repaso de ‘En la Espiral’ con “Siempre Brilla el Sol”, la preciosista “Océanos” o “Todos lo que Dicen de Ti”, así como “Pierdo El Control”, “Evolución” y “Zona de Confort”. Los granadinos cuidan más el aspecto estético y la puesta en escena dando un paso más allá en sus directos. La maquinaria se puso en marcha muy pronto con “Luces de Neón” de su trabajo ‘Cronolanea’ del cual no falto tampoco “Luciernagas y Mariposas”. Los Lori dejaron un repaso auténtico a todos sus trabajos como con ‘Impronta’ con “Planilandia”, “El Tiempo Pasará” y la movida “Emborracharme”, pero además recordaron “Ham’a’cukoo” de ‘Viaje de Estudios’ como brindis a sus vetustos fans. El ambiente y el calor fue creciendo hasta que se llegó a “Mi Realidad” y “Alta Fidelidad” donde la cerveza se desbordó de nuestros vasos a base de brincos. Como dicen ellos, nunca me cansaré de verles “una y otra vez”. </p>
<p>Xoel López nos esperaba. Llegamos justos y tuvimos que abrirnos hueco entre la multitud, pero pudimos contemplar como su banda y él se entienden a la perfección. Un repaso a su discografía del cual pudimos disfrutar de “Tierra”, “Todo lo que Merezcas” u “Hombre de Ninguna Parte”. Sin olvidar su “Que No” de cuando el genio de Xoel se hacía llamar Deluxe. Casi sin poder parar a repostar nos fuimos a ver Mando Diao. Nos pasó lo mismo que con The Hives, les teníamos vistos del año pasado en Sonorama Ribera pero la banda liderada por Bjorn Dixgard y Carl Johan nos llevaron al cielo de Benidorm. Tras la marcha de su anterior líder, Gustaf Norén, el propio Bjorn confesó que han pasado por malos momentos, algo que parece cambiar con su último trabajo ‘Good Times’ de donde destaca “All The Things”. Los suecos tuvieron tiempo para partir el escenario y tiempo para la entrega desmesurada de su talento con temas más tranquilos, pero “Dance With Somebody” y “Gloria” reflotaron el ambiente. El Columpio Asesino regresó tras un largo parón y han vuelto con la misma fuerza que les caracteriza. Ya estaba entrada la noche en Benidorm y los cuerpos estaban dicharacheros para bailar “Escalofrío”, “Babel”, “Ballenas Muertas en San Sebastián” y, cómo no, “Toro”. Con esta última nos fuimos a ver Fangoria. Un show más que un concierto que da lo que pide el público. Alaska y Nacho hicieron retrospectiva con antiguos éxitos de los Pegamoides y Dinamara pero también explotaron su presente con “Disco Sally” y “Geometría Polisentimental”. ¿A caso dudáis que falto “A Quién le Importa”? El final del concierto fue con “Bailando” y un popurrí de canciones que llevan esa palabra como por ejemplo la que acabábamos de escuchar, “Toro” de El Columpio Asesino, o “Bailando” de Paradisio entre otros. Todo ello combinado con dos bailarínes que se dejaron el alma en cada movimiento. Con Ojete Calor, y unas risas, acabó nuestro Low. La banda de Carlos Areces y Aníbal Gómez fueron un final idílico con “Tonta Gilipó”, “Cuidado con el Cyborg”, el famoso “Viejoven” y lo nuevo de “Vete A Tu Casa” que básicamente es un remix de “Freed From Desire”. Mientras nos íbamos, con mucha nostalgia, escuchábamos de lejos Satellite Stories y Ochoymedio Djs...el #TheBigLow promete... </p>
<p><img src="/files/images/resize/640x1000_img-20170731-wa000175729.jpeg" alt="640x1000_img-20170731-wa000175729.jpeg" /></p>',
'body_html_clean' => '<p>La Costa Blanca de Benidorm se llenó de confeti y música para celebrar un nuevo Low Festival. Los organizadores se empeñaron en tener uno de las mejores programaciones del circuito y lo hicieron con creces coronándose con conciertos como el de Pixies, The Hives, Franz Ferdinand, !!!, Mando Diao, Lori Meyers, Triángulo de Amor Bizarro o Xoel López. Además, consiguieron que hasta 83.000 lowers abarrotasen los cuatro escenarios convirtiendo las tres noches del festival en un paraíso idílico y tropical. </p>
<p>Muchos nos acercamos a la fiesta presentación en la Playa de Levante del jueves donde nos esperaban bandas como Rusos Blancos, Miss Caffeina, !!! (Chk Chk Chk) y Miss Deep’in. Rusos Blancos sacaron a relucir su ‘Museo del Romanticismo’ con temas como “Insuficiente”, “A Otra con Esas”, “Camas y Trincheras” o “Un Excusa Diferente” que hizo bailar hasta al turista inglés que pasaba por el paseo de Benidorm. Poco a poco, la gente iba agolpándose en el escenario con ganas de ver a Miss Caffeina, quizás de los más esperados de la noche. Alberto y compañía trasladaron al público a ‘Detroit’ pasando por temas de anteriores trabajos como “Venimos” o “Capitán”. No faltó “Ácido”, ni “Oh Sana”, y menos “Mira Cómo Vuelo”, un verdadero himno de la banda que no se amilanó pese a ser la inauguración del Low. Los siguientes en subirse al escenario fueron los californianos !!! (Chk Chk Chk), un grupo que no sabe saltar a un escenario sin dejarse el alma allí. Pese a tocar al siguiente día, la banda estadounidense acabó en calzoncillos en pleno paseo marítimo con sus pegadizos temas entre los que sobresalió su mítico “One Girl / One Boy”. Tras ellos y sus temas “Dancing in the Best Revenge” o “Freedom”, muchos fueron los que se quedaron escuchando Miss Deep’in aunque otros recogieron a sus respectivos alojamientos pensando en las duras etapas que se venían encima. No nos olvidemos de aquellos que se perdieron entre las discotecas con ese ambiente guiri benidormense con los que, seguro, empezaron el Low escuchando el “Despacito” más de una vez. </p>
<p>Pixies, Pixies, Pixies… y el fiestón de La Casa Azul, Varry Brava y ElYElla Los que ya llevamos yendo a muchos festivales, y sobre todo al Low, sabemos que la organización es la madre de todo buen festivalero. Mis colegas y yo decidimos llevar una hoja de ruta muy marcada para que no sucediese ningún traspiés inesperado y por eso decidimos entrar pronto al recinto en la Ciudad Deportiva Guillermo Amor. Nuestra primera parada del viernes fue Jota Pop en el Escenario Jagermusic que abrió el festival con una pinchada marca de la casa. Seguidos fuimos a ver parte del concierto Full que plantaron cara con su ‘Tercera Guerra Mundial’ y que hicieron vibrar con “Distintos”. La jornada no había hecho nada más que empezar y ya teníamos el primer dilema. Ver a Corizonas o ver a los emergentes Vulk. Finalmente nos decantamos por la banda de Javier Vielba y su ‘Nueva Dimensión Vital’. Al Meister le seguimos desde hace tiempo y siempre hace ilusión escuchar temazos como “Todo Va Bien” o “La Cuerda Que Nos Dan”, sin olvidarnos de esas canciones que nos engancharon country folk: “Run To The River”. Fue entonces cuando pusimos rumbo a Dorian. Los catalanes son unos fijos en este tipo de fiestas con su romanticismo musical. Marc y Belly hicieron estallar una lluvia de confetis en cada temazo que sonaba como “A Cualquier Otra Parte”, “La Tormenta de Arena” y “Paraísos Artificiales”. Los barceloneses siguen contentos con sus ‘Diez Años y Un Día’ y no obviaron “Arrecife” y “Los Amigos que Perdí”. </p>
<p>Tras saltar un par de veces, fuimos a ver a Luis Alberto. Este mallorquín nos tiene enamorados pese a que mostró un setlist muy parecido al que vimos en Tomavistas. L.A. prestó gran parte de su concierto a tocar lo nuevo de ‘King of Beasts’ con su depurada calidad que es capaz de absorberte en un concierto digno de los mejores teatros. “Helsinki”, “Killing Me” y “Leave It All Behind” dejaron claro que cada trabajo de esta banda siempre va a ir a mejor, pero además brindaron a los lowers, muy involucrados en la causa, sus grandes éxitos como “Stop The Clocks”, Living by the Oceans” o “Love Comes Around”. Fue terminar L.A. y acercarnos al Escenario Wiko para ver a Kokoshca y es que en el Tomavistas nos quedamos con las ganas de verles por su infortunio cuando empezaban a tocar. Llegamos justo para “Mi Consentido” y ‘Algo Real’… y fue brutal, al igual que con “La Fuerza”. </p>
<p>Y llegó el momento del Escenario Estrella Damm: Pixies. Desde Massachusetts hasta Benidorm, Black Francis y su banda no dejaron indiferente a nadie. Seguramente uno de los conciertos más esperados de todos los festivales españoles. Los Pixies arrancaron con “Gouge Away” y aceleraron el ritmo para dejar la primera pincelada bien pronto con “Isla de Encanta”. La banda de Boston quiso seguir pintando su obra de arte a base de sus temas emblemáticos y se mantuvieron en alza con “Waze of Mutilation” y “Monkey Gone to Heaven”. También hubo tiempo para escuchar su último trabajo ‘Head Carrier’ pero no tardaron en sonar los verdaderos himnos del indie internacional. Todos los que estuvimos allí podremos decir que escuchamos en directo “Where Is My Mind” y “Here Comes Your Man”. Francis y el resto de Pixies acabaron con “Ed Is Dead” antes de los bises donde, entre humo, luces y calor terminaron su cuadro con un boceto del disco ‘Doolitle’. Los Pixies, pese al hype de todos los festivaleros, no defraudaron y se nombraron, como era de esperar, los grandes triunfadores de la noche. </p>
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<p>El cansancio empezaba a asomarse, pero las ganas de marcha seguían presentes. La Casa Azul, con Guille Milkyway como líder, mostraron su propuesta más fiestera y se llevaron al público bajo el brazo pese a los problemas de sonido. “Superguay”, “Cerca de Sibuya” y la “Revolución Sexual” como tema emblema de la banda. Pese a que el número de gente iba disminuyendo nos acercamos a Varry Brava ya que Biznaga ya lo pudimos disfrutar en la Sala El Sol de Madrid hace bien poco. Los murcianos exprimieron toda la marcha que hay en sus discos en el Escenario Matusalem. Hubo momentos excelsos cn el disco ‘Safari Emocional’ pero el climax llegó con “Calor”, “No Gires”, “Oh, Oui Oui” para terminar con “Fantasmas” y todo el público coreando este último tema con el español “lo, lo, lo, looooo”. El siguiente destino fue !!! (Chk, Chk, Chk) que a les habíamos visto el día anterior en la fiesta presentación y acabaron de la misma forma, en calzoncillos y dándolo todo. Pese a la tralla que llevábamos, tiramos de valentía y acabamos entre confeti y temazos con ElyElla. </p>
<p> Franz Ferdinand y Nada Surf fueron los ganadores de la etapa reina, Viva Suecia la confirmación y Los Punsetes la osadía Recuperados de la jornada anterior, empezamos el sábado escuchando a The New Raemon + McEnroe desde el maravilloso césped que rodea el escenario Matusalem. La organización del Low es una de las más perfectas del circuito de festivales veraniegos y hay que reconocerlo ya que, pese a la gran cantidad de festivaleros que acuden, no sientes gran agobio salvo en los conciertos “tops”. Ricardo Lezón y Ramón siguen dando destellos de su calidad allá por donde van. Ya les vimos en otros festivales, pero merecía la pena volver a escuchar “Gracia”, “Espantapájaros” o “Por Fin los Ciervos” de su álbum conjunto ‘Lluvia y Truenos’. No faltaron canciones de McEnroe como “Rugen las Flores.</p>
<p> Nada Surf les estábamos esperando como agua de mayo. Matthews Caws, Ira Elliot y Daniel Lorca, a quien entrevistamos en Lados Magazine con motivo de este Low, se plantaron en el escenario Estrella Damm con sus múltiples estilos pop para representar en un concierto sus 25 años como banda. ‘You Know How You Are’ y ‘High/Low’ reflotaron a los más dormidos en las primeras horas. No se dejaron “Popular”, su gran éxito que hizo quitar la mala sensación que dejaron los problemas técnicos durante “Hi Speed Soul”. Mientras Matthews intentaba hablar en español, se notó el buen rollo de esta banda que ya cumple las bodas de plata que acabó dejando temazos como “Always Love”, “Blizzard Of 77”, “The Way You Wear You Head” o “Hyperspace”. Tras los neoyorkinos dos dimos un respiro entre la atmosfera pop de Soledad Vélez y la psicodelia hipnótica de My Expansive Awareness que más de uno dirá que le recuerda a Tame Impala. Nuestro siguiente paso fue Sidonie. La banda formada por Marc Ros, Jes Senra y Axel Pi no puede faltar en un festival nunca pese a que te sepas de memoria el setlist que vayan a tocar. El público, a reventar, se entregó a ‘El Peor Grupo Del Mundo’ con temas como “Siglo XX”, “No Se Dibujar Un Perro” y su telepronter manual, “Carreteras Infinitas” y los mejores deseos de Marc para grupos como Supersubmarina. No faltaron los temas que les han hecho grande como “El Bosque”, “Te Quiero”, “El Incendio”, “Estáis Aquí” y “Un Día de Mierda” donde el cantante se lanza por el público buscando un beso de amor con sus fieles. Un repaso milimétrico de sus mejores temas en el que el buen festivalero se deja la voz. Posteriormente, entre Viva Suecia y Las Odio estuvo el cotarro. Primero, fuimos a ver al grupo de Murcia que está partiéndolo en todos los escenarios al que se sube. Este grupo ha venido para quedarse y mostraron su exquisito ‘Otros Principios Fundamentales’ que nos dejaron los temas “Hemos Ganado Tiempo”, “A Dónde Ir” y, por su puesto, “Bien Por Ti”. Antes de las 00:00 queríamos pasar a ver a Las Odio, que ya las vimos en Madrid, pero teníamos ganas de escuchar a este grupo íntegramente femenino que están impresionando con su ‘Futuras Esposas’. Tras nuestra entrevista con la bajista Sonsoles, no podíamos faltar a este concierto en el Wiko donde “Yo Lo Vi Primero” e “Indiespañol” fueron aclamados. Tras esta doble parada, seguimos las olas de gente hasta que en el luminoso puso Franz Ferdinand. La formación compuesta por Alex Kapranos llegó al Low para hacer bailar a todo el público con sus grandes éxitos ya que, desde hace más de dos años, los escoceses no han sacado nada nuevo. Se podría decir que la liaron con “Do You Want To”, “Michael”, “Jacqueline”, “No You Girls” y, como no, con “Take Me Out”. Tras su final, nos dio pena perdernos Rrucculla pero no podíamos faltar a la cita con Los Punsetes. Ariadna volvió a salir con un estrafalario y a la par original vestido para quedarse plantada durante todo lo que duró el bolo, a su lado, su escudero Anntona que mete ritmo a la banda cuando quiere. Los madrileños escupieron sus letras llenas de realidad dolorosa y presentaron ‘¡Viva!’ repasando a la vez temazos como “Opinión de Mierda”, “Tus Amigos”, “Me gusta que me Pegues” o “Museo de Historia Natural” para acabar con los buenísimos “Tu Puto Grupo” y “¡Viva!”. Un aplauso enorme para los incansables, aunque a veces repetitivos, Los Punsetes.</p>
<p>Sin descanso volvimos en nuestros pasos hasta The Hives. Los suecos, plasmaron un espectáculo muy parecido al del pasado verano donde combinaban música y vestimenta bicolor mientras Pelle Almqvist empatizaba con el público español de forma muy divertida. El calor hizo mella en varios de los artistas que pasaban por los escenarios de Benidorm y esto pareció atacarle al bueno de Pelle en “Walk Idiot Walk”. Sin embargo, no defraudaron con “Hate To Say I Told You So” y con el final de “Tick Tick Boom” que alargaron hasta que no pudieron más. Los suecos reventaron la noche benidormense y nuestras piernas que ya empezaban a flaquear tras dos días intensísimos. Fue momento del descanso. Recomendamos un bocata de panceta que hará delicias en tu paladar y que resucita a cualquier muerto. Sin embargo, eran más de las tres de la mañana y solo pudimos aguantar a Delorean. La banda electrónica de Zarauz nos tiene engatusados con la psicodelia de ‘Muzik’ hasta que nos hizo levantarnos con “Stay Close”, “Epic”, “Destitute Time” y el más que conocido “Deli”. Además, nos brindaron un regalo del nuevo tinglado que están montando, “Giro”. Aquí es cuando pusimos punto y final a nuestro sábado pese a quedarnos sin ver FM Belfast y Ley Dj, pero ya sabéis, una retirada a tiempo es una victoria.</p>
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<p> Lori Meyers y Triángulo de Amor Bizarro reventaron un Low Festival que acabó “Bailando” con Fangoria. No suelo tener grupos favoritos, ni ser fanático con algo, pero no sé qué me pasa con Triángulo de Amor Bizarro que me rompe todos los moldes. Me tiraría escribiendo todo el setlist que esta banda de post-punk remezclado con noise-rock tocaron, pero tampoco estamos para eso, solo puedo decir que ‘Salve Discordia’ es una preciosidad que les ha catapultado a ser una de las mejores bandas españolas (y uno de los mejores discos del 2016, sino el mejor). Los gallegos comenzaron con “Desmadre Estigio” y desde allí hasta el final todo fue garra, fuerza en cada acorde y tanta distorsión (intencionada) que nos sumergieron en lo más oscuro de la banda. “Seguidores” fue una maravilla, al igual que “Baila Sumeria” y “Cómo Encontró a la Diosa” pero también hubo tiempo para escuchar los verdaderos clásicos de Triángulo. En nuestros oídos atronaron “El Fantasma de la Transición”, “Estrellas Místicas”, “Robo tu Tiempo”, “Amigos del Género Humano” y todo claudicó con “De la Monarquía a la Criptocracia”. Ya estábamos exhaustos y acabábamos de entrar. Pusimos rumbo a los esperados Lori Meyers. Los más esperados en cuanto a grupos españoles hablamos. Se notó en la afluencia de gente que llenaron el estadio Guillermo Amor hasta la bandera. El Noni y compañía comenzaron con “Vertigo I” bajo una jaula de luces para hacer un repaso de ‘En la Espiral’ con “Siempre Brilla el Sol”, la preciosista “Océanos” o “Todos lo que Dicen de Ti”, así como “Pierdo El Control”, “Evolución” y “Zona de Confort”. Los granadinos cuidan más el aspecto estético y la puesta en escena dando un paso más allá en sus directos. La maquinaria se puso en marcha muy pronto con “Luces de Neón” de su trabajo ‘Cronolanea’ del cual no falto tampoco “Luciernagas y Mariposas”. Los Lori dejaron un repaso auténtico a todos sus trabajos como con ‘Impronta’ con “Planilandia”, “El Tiempo Pasará” y la movida “Emborracharme”, pero además recordaron “Ham’a’cukoo” de ‘Viaje de Estudios’ como brindis a sus vetustos fans. El ambiente y el calor fue creciendo hasta que se llegó a “Mi Realidad” y “Alta Fidelidad” donde la cerveza se desbordó de nuestros vasos a base de brincos. Como dicen ellos, nunca me cansaré de verles “una y otra vez”. </p>
<p>Xoel López nos esperaba. Llegamos justos y tuvimos que abrirnos hueco entre la multitud, pero pudimos contemplar como su banda y él se entienden a la perfección. Un repaso a su discografía del cual pudimos disfrutar de “Tierra”, “Todo lo que Merezcas” u “Hombre de Ninguna Parte”. Sin olvidar su “Que No” de cuando el genio de Xoel se hacía llamar Deluxe. Casi sin poder parar a repostar nos fuimos a ver Mando Diao. Nos pasó lo mismo que con The Hives, les teníamos vistos del año pasado en Sonorama Ribera pero la banda liderada por Bjorn Dixgard y Carl Johan nos llevaron al cielo de Benidorm. Tras la marcha de su anterior líder, Gustaf Norén, el propio Bjorn confesó que han pasado por malos momentos, algo que parece cambiar con su último trabajo ‘Good Times’ de donde destaca “All The Things”. Los suecos tuvieron tiempo para partir el escenario y tiempo para la entrega desmesurada de su talento con temas más tranquilos, pero “Dance With Somebody” y “Gloria” reflotaron el ambiente. El Columpio Asesino regresó tras un largo parón y han vuelto con la misma fuerza que les caracteriza. Ya estaba entrada la noche en Benidorm y los cuerpos estaban dicharacheros para bailar “Escalofrío”, “Babel”, “Ballenas Muertas en San Sebastián” y, cómo no, “Toro”. Con esta última nos fuimos a ver Fangoria. Un show más que un concierto que da lo que pide el público. Alaska y Nacho hicieron retrospectiva con antiguos éxitos de los Pegamoides y Dinamara pero también explotaron su presente con “Disco Sally” y “Geometría Polisentimental”. ¿A caso dudáis que falto “A Quién le Importa”? El final del concierto fue con “Bailando” y un popurrí de canciones que llevan esa palabra como por ejemplo la que acabábamos de escuchar, “Toro” de El Columpio Asesino, o “Bailando” de Paradisio entre otros. Todo ello combinado con dos bailarínes que se dejaron el alma en cada movimiento. Con Ojete Calor, y unas risas, acabó nuestro Low. La banda de Carlos Areces y Aníbal Gómez fueron un final idílico con “Tonta Gilipó”, “Cuidado con el Cyborg”, el famoso “Viejoven” y lo nuevo de “Vete A Tu Casa” que básicamente es un remix de “Freed From Desire”. Mientras nos íbamos, con mucha nostalgia, escuchábamos de lejos Satellite Stories y Ochoymedio Djs...el #TheBigLow promete... </p>
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<p><strong>Íñigo Renedo.</strong><span class="txt_pregunta"> La pócima secreta de NADA SURF fue tomar decisiones maduras</span>. <strong>Dani Lorca.</strong><span class="txt_respuesta"> Es la combinación de muchas cosas. Cuando fichamos por Elektra para el primer disco </span><em>HIGH/LOW (Elektra, 1996)</em><span class="txt_respuesta"> ya éramos más mayorcitos, ya teníamos 20 años, ya se nos habían pasado un poco las ganas de dedicar nuestra vida entera al rock and, entonces tomábamos decisiones más maduras. No nos echamos encima de la primera oferta con más dinero sino que pensamos en más términos. La carta magna de NADA SURF es que lo dividimos todo entre los tres, si a uno se le da mejor componer las letras que componga las letras y el otro que haga otra cosa. Eso ha ayudado mucho a que no haya celos. Si hay once canciones que son mejores que una mía pues no pasa absolutamente nada. Son todas de todos. De todas maneras, las componemos juntos en su gran mayoría aunque Matthews componga más letras él.</span></p>
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<p><strong>Í<span class="txt_pregunta">ñigo Renedo.</span></strong><span class="txt_pregunta"> También importa la gente con la que se ha rodeado el grupo.</span> <strong>Dani Lorca.</strong><span class="txt_respuesta"> Siempre hemos tenido cuidado a la hora de elegir un “bussines manager”, un abogado… Lo hemos tomado muy seriamente, de hecho seguimos con toda esta gente. Nos quieren mucho.</span><span class="txt_pregunta"> </span><strong>Íñigo Renedo. </strong><span class="txt_pregunta">Ira Elliot llegó al grupo antes del primer disco, y sin él no hay NADA SURF.</span><strong> Dani Lorca.</strong><span class="txt_respuesta"> Los baterías que teníamos antes… no estaban mal, pero no cuajábamos. Sacamos un single en el 94 que era de un batería anterior a Ira pero de verdad, cuando llega Ira es cuando ya se cimienta el grupo, tenemos ese sonido distinto y una manera de tocar distinta. Me acuerdo que cuando volví a casa tras ensayar la primera vez con Ira me dijo mi novia: “¿Qué tal el tío este?” Y le dije: “Joder, cuando tocamos con este tío parecemos un grupo de verdad”</span>. <strong>Íñigo Renedo. </strong>Doug Gillard (guitarras) llega más tarde, en 2012.<strong> Dani Lorca.</strong> Somos admiradores suyos, grandes fans de GUIDED BY VOICES y cuando se presentó la oportunidad de que tocase con nosotros, estábamos encantados. Los solos de guitarra son melodías tan importantes en la canción y son tan imponentes que había canciones que no merecía la pena tocarlas si él no estaba con nosotros. Se hizo unas cuantas giras y poco a poco se hizo más parte del grupo aunque no toque con nosotros siempre. Es distinto cuando tocamos con él.</p>
<p><strong>Íñigo Renedo. </strong><span class="txt_pregunta">¿Cómo definirías a cada integrante del grupo?</span><strong> Dani Lorca.</strong><span class="txt_respuesta"> Ira es el cómico, Matthews la conciencia y yo soy la mamá.</span></p>
<p><strong>Íñigo Renedo.</strong><span class="txt_pregunta"> Con un repertorio de nueve discos, cada trabajo define una época</span>. <strong>Dani Lorca. </strong><span class="txt_respuesta">Siempre hemos hecho las cosas de manera orgánica, sin poner una hoja de ruta, tenemos tendencia a dejar que el disco nos lleve casi por su camino. Hay experiencias muy distintas, desde tener el disco acabado totalmente de principio a fin, hasta tener que hacer discos que yo me tenía que ponerme de rodillas para decir a Matthews que por favor acabara… Por ejemplo “See These Bones” de </span><em>LUCKY (City Slang, 2008)</em><span class="txt_respuesta"> era una canción que teníamos desde hacía 7 años y que a Matthews nunca le acababa de gustar la letra que había escrito y le dije: “oye, acaba la letra con algo que te guste porque si esta canción no sale en el disco me voy del grupo”. Lo decía de cachondeo…</span> <strong>Íñigo Renedo.</strong> También depende del producto, el rollo del estudio. <strong>Dani Lorca.</strong><span class="txt_respuesta"> Cuando trabajamos en Tiny Telephone, el estudio de John Vanderslice, vivíamos en casa de una amiga que nos había prestado una casa entera y su coche en San Francisco. Vivíamos una vida muy de familia, los tres, todas las noches cenábamos juntos, hablábamos de las canciones, currábamos las armonías… eso también ocurrió después en Seattle cuando grabamos con Chris Walla de DEATH CAB en un apartamento gigantesco donde el estudio estaba abajo y teníamos también vida familiar. Siempre hemos tenido un poco de miedo de grabar en Nueva York porque hay muchas distracciones. Cuando grabas en casa aunque quieras centrarte mucho en el disco no lo puedes evitar, en cambio si estas exiliado en una ciudad que no es la tuya, pues no haces nada nada nada más que el disco 24 horas al día</span>. <strong><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo.</span> </strong>También, NADA SURF ha trabajado con Tom Beaujour. <strong>Dani Lorca. </strong> Es un amigo de la infancia, le conocemos desde que tenemos 4 o 5 años porque Matthews y yo íbamos al mismo colegio, así que le conocimos en el jardín de infancia. Es un guitarrista alucinante y tiene una colección de amplis y de guitarras que es para morirse, fue muy interesante grabar con él, porque con Doug metido en el bollo también pues las guitarras son muy importantes. <strong>Íñigo Renedo. </strong><em>YOU KNOW WHO YOU ARE (Barsuk Records, 2016)</em><span class="txt_pregunta">, el último elepé de la banda, es mucho más armónico y más trabajado.</span> <strong>Dani Lorca. </strong><span class="txt_respuesta">Es distinto a los demás por el hecho de es el último disco de dos. Ya habíamos acabado casi el disco entero y por varias razones no estábamos muy convencidos de por dónde iba y entonces Matthews, sin darse cuenta, empezó a sacar un repertorio entero totalmente nuevo. Estas canciones son las 12 mejores de 22 o algo así, son casi dos discos. Hemos cogido los grandes éxitos (risas).</span> <strong>Íñigo Renedo. </strong><em>PEACEFUL GHOSTS (City Slang, 2008) </em><span class="txt_pregunta">es un directo con ORF Radio Symphony Orchestra (Viena) y la Babelsberg Film Orchestra (Berlín</span>). <strong>Dani Lorca. </strong><span class="txt_respuesta">Fue una experiencia de la hostia. Entre las canciones que han salido y de las que no, a lo mejor tenemos ciento y pico, pero fue fácil elegir los temas ya que desde el punto de vista de acople a la Symphony Orchestra hay canciones que son evidentes y canciones que no. Mucha gente quería que hiciéramos “Popular” y es “tu estás loco, cómo la vamos a hacer con una orquesta sinfónica, sería una pérdida de tiempo”. Lo intentaron pero, obviamente, quedó ridículo. Alguna que otra canción lo intentamos y finalmente no salían bien. Aunque hay un par de ellas raras, como “Comes a Time” que no la tocamos casi nunca pero con esos arreglos sinfónicos quedaba muy bien. Era muy curioso porque yo decía que era increíble tocar con músicos de verdad y me decían ellos a mí, “pero qué dices si los músicos de verdad sois vosotros”. “Si no sé ni leer música y no tengo ni idea de las notas que estoy tocando”, a lo que ellos me contestaban, “nosotros al contrario, si no tenemos los apuntes y el libro delante no sabemos que tocar”. Teníamos esa guasa pero fue todo un honor. </span><strong><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo.</span> </strong>Sin embargo, “Popular” les sigue gustando igual que el primer día. <strong>Dani Lorca. </strong><span class="txt_respuesta">La gente no sé porque se cree eso de que no nos gusta tocarla, a lo mejor es porque la tocamos más que otras canciones y no es verdad, de hecho, hay canciones que tocamos mucho más que “Popular”. Desde un principio no ahora. Es muy divertida, hoy en día creo que a a Matthews le costaría hacerla porque la letra es bastante jodida, es una de las canciones más heavy. Aunque sea desde un punto de vista totalmente sarcástico no deja de ser una serie de burradas que decimos en la letra. Hoy en día, creo que Matthews, cuando compone, intenta tener cuidado de no herir a nadie.</span><span class="txt_pregunta"> </span></p>
<p><strong>Íñigo Renedo. </strong><em>IF I HAD A HI-FI (Mardev, 2010)</em><span class="txt_pregunta"> es un disco de versiones. NADA SURF ya versionó “Where Is My Mind” de PIXIES, con quienes compartirán escenario en el Low Festival</span>.<strong> Dani Lorca. </strong><span class="txt_respuesta">Nos gustan hacer las versiones porque somos enormes fans de la música. Somos más fans que músicos. Creciendo en Nueva York hemos tenido la ocasión de ver a los mejores grupos. Ni sé la cantidad de veces que he visto a LOS RAMONES, he visto tocar a JAMES BROWN tres veces en clubs de 300-400 personas. No hay ningún grupo que nos encanta que no hemos visto, desde IGGY POP hasta los PIXIES. No sé cuántas veces habré visto a los PIXIES, joder. Y también en garitos pequeños. De vez en cuanto hay canciones que se dejan hacer más fácilmente que otras, cuando hicimos “Where Is My Mind” nos quedó claro que no íbamos a intentar superar el rock de los PIXIES, al contrario, en vez de intentar darle más caña a la canción la intentamos suavizar. Según me contaron a Frank Black (líder de la banda) le gustó la versión y será un placer tocar con ellos en el Low, a ver si les conocemos y están de buen humor. No nos van a invitar a tocar con ellos ni de coña pero no estaría mal (risas).</span></p>
<p><span class="txt_pregunta"> </span><strong>Íñigo Renedo. </strong><span class="txt_pregunta">Estaréis el sábado 29 en el Low Festival</span>.<strong> Dani Lorca. </strong><span class="txt_respuesta">El Low es un festival súper potente. Está muy bien y es muy divertido, nos lo vamos a pasar todos muy bien. Tocar en España siempre es algo muy especial, aunque seamos un grupo de Nueva York, yo soy español y es muy especial. Siempre digo que traerme al grupo aquí es como cuando traes a tu novia a la casa de tus padres, estas un poco pendiente de que se gusten mutuamente. En España nos tratan muy muy bien, se vive muy bien y hay mucho rock and roll. Joder, en todas las ciudades hay bares de rock and roll. Ira y Matthew flipan de la música tan buena que ponen. En España hay un rollo especial y mola mucho porque el público español.</span></p>
<p><span class="txt_respuesta"><span class="txt_pregunta"> </span></span><strong>Íñigo Renedo. </strong>En el Mad Cool celebrado hace unas semanas en Madrid sucedió la trágica muerte del acróbata Pedro Aunión. Muchos son los que dan su opinión pero nos gustaría saber qué opina una banda ante estos sucesos.<strong> Dani Lorca. </strong><span class="txt_respuesta">Es una tragedia. La manera más lógica de plantear lo que hay que hacer, es que diría la persona que ha fallecido. No creo que esa persona pensara que habría que suspenderlo todo, irse por la tristeza, sino que más bien, o al menos yo soy así, que continúe la celebración o hacerme honor disfrutando y no parándonos en los remordimientos y la tristeza.</span></p>
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<p class="txt_pregunta"><strong>Íñigo Renedo.</strong> Conociendo la pócima secreta de NADA SURF y su manera de vivir la música solo nos queda disfrutar de ellos en el Low Festival y desearles 25 años más de mucho rock and roll.</p>',
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<p><strong>Íñigo Renedo.</strong><span class="txt_pregunta"> La pócima secreta de NADA SURF fue tomar decisiones maduras</span>. <strong>Dani Lorca.</strong><span class="txt_respuesta"> Es la combinación de muchas cosas. Cuando fichamos por Elektra para el primer disco </span><em>HIGH/LOW (Elektra, 1996)</em><span class="txt_respuesta"> ya éramos más mayorcitos, ya teníamos 20 años, ya se nos habían pasado un poco las ganas de dedicar nuestra vida entera al rock and, entonces tomábamos decisiones más maduras. No nos echamos encima de la primera oferta con más dinero sino que pensamos en más términos. La carta magna de NADA SURF es que lo dividimos todo entre los tres, si a uno se le da mejor componer las letras que componga las letras y el otro que haga otra cosa. Eso ha ayudado mucho a que no haya celos. Si hay once canciones que son mejores que una mía pues no pasa absolutamente nada. Son todas de todos. De todas maneras, las componemos juntos en su gran mayoría aunque Matthews componga más letras él.</span></p>
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<p><strong>Í<span class="txt_pregunta">ñigo Renedo.</span></strong><span class="txt_pregunta"> También importa la gente con la que se ha rodeado el grupo.</span> <strong>Dani Lorca.</strong><span class="txt_respuesta"> Siempre hemos tenido cuidado a la hora de elegir un “bussines manager”, un abogado… Lo hemos tomado muy seriamente, de hecho seguimos con toda esta gente. Nos quieren mucho.</span><span class="txt_pregunta"> </span><strong>Íñigo Renedo. </strong><span class="txt_pregunta">Ira Elliot llegó al grupo antes del primer disco, y sin él no hay NADA SURF.</span><strong> Dani Lorca.</strong><span class="txt_respuesta"> Los baterías que teníamos antes… no estaban mal, pero no cuajábamos. Sacamos un single en el 94 que era de un batería anterior a Ira pero de verdad, cuando llega Ira es cuando ya se cimienta el grupo, tenemos ese sonido distinto y una manera de tocar distinta. Me acuerdo que cuando volví a casa tras ensayar la primera vez con Ira me dijo mi novia: “¿Qué tal el tío este?” Y le dije: “Joder, cuando tocamos con este tío parecemos un grupo de verdad”</span>. <strong>Íñigo Renedo. </strong>Doug Gillard (guitarras) llega más tarde, en 2012.<strong> Dani Lorca.</strong> Somos admiradores suyos, grandes fans de GUIDED BY VOICES y cuando se presentó la oportunidad de que tocase con nosotros, estábamos encantados. Los solos de guitarra son melodías tan importantes en la canción y son tan imponentes que había canciones que no merecía la pena tocarlas si él no estaba con nosotros. Se hizo unas cuantas giras y poco a poco se hizo más parte del grupo aunque no toque con nosotros siempre. Es distinto cuando tocamos con él.</p>
<p><strong>Íñigo Renedo. </strong><span class="txt_pregunta">¿Cómo definirías a cada integrante del grupo?</span><strong> Dani Lorca.</strong><span class="txt_respuesta"> Ira es el cómico, Matthews la conciencia y yo soy la mamá.</span></p>
<p><strong>Íñigo Renedo.</strong><span class="txt_pregunta"> Con un repertorio de nueve discos, cada trabajo define una época</span>. <strong>Dani Lorca. </strong><span class="txt_respuesta">Siempre hemos hecho las cosas de manera orgánica, sin poner una hoja de ruta, tenemos tendencia a dejar que el disco nos lleve casi por su camino. Hay experiencias muy distintas, desde tener el disco acabado totalmente de principio a fin, hasta tener que hacer discos que yo me tenía que ponerme de rodillas para decir a Matthews que por favor acabara… Por ejemplo “See These Bones” de </span><em>LUCKY (City Slang, 2008)</em><span class="txt_respuesta"> era una canción que teníamos desde hacía 7 años y que a Matthews nunca le acababa de gustar la letra que había escrito y le dije: “oye, acaba la letra con algo que te guste porque si esta canción no sale en el disco me voy del grupo”. Lo decía de cachondeo…</span> <strong>Íñigo Renedo.</strong> También depende del producto, el rollo del estudio. <strong>Dani Lorca.</strong><span class="txt_respuesta"> Cuando trabajamos en Tiny Telephone, el estudio de John Vanderslice, vivíamos en casa de una amiga que nos había prestado una casa entera y su coche en San Francisco. Vivíamos una vida muy de familia, los tres, todas las noches cenábamos juntos, hablábamos de las canciones, currábamos las armonías… eso también ocurrió después en Seattle cuando grabamos con Chris Walla de DEATH CAB en un apartamento gigantesco donde el estudio estaba abajo y teníamos también vida familiar. Siempre hemos tenido un poco de miedo de grabar en Nueva York porque hay muchas distracciones. Cuando grabas en casa aunque quieras centrarte mucho en el disco no lo puedes evitar, en cambio si estas exiliado en una ciudad que no es la tuya, pues no haces nada nada nada más que el disco 24 horas al día</span>. <strong><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo.</span> </strong>También, NADA SURF ha trabajado con Tom Beaujour. <strong>Dani Lorca. </strong> Es un amigo de la infancia, le conocemos desde que tenemos 4 o 5 años porque Matthews y yo íbamos al mismo colegio, así que le conocimos en el jardín de infancia. Es un guitarrista alucinante y tiene una colección de amplis y de guitarras que es para morirse, fue muy interesante grabar con él, porque con Doug metido en el bollo también pues las guitarras son muy importantes. <strong>Íñigo Renedo. </strong><em>YOU KNOW WHO YOU ARE (Barsuk Records, 2016)</em><span class="txt_pregunta">, el último elepé de la banda, es mucho más armónico y más trabajado.</span> <strong>Dani Lorca. </strong><span class="txt_respuesta">Es distinto a los demás por el hecho de es el último disco de dos. Ya habíamos acabado casi el disco entero y por varias razones no estábamos muy convencidos de por dónde iba y entonces Matthews, sin darse cuenta, empezó a sacar un repertorio entero totalmente nuevo. Estas canciones son las 12 mejores de 22 o algo así, son casi dos discos. Hemos cogido los grandes éxitos (risas).</span> <strong>Íñigo Renedo. </strong><em>PEACEFUL GHOSTS (City Slang, 2008) </em><span class="txt_pregunta">es un directo con ORF Radio Symphony Orchestra (Viena) y la Babelsberg Film Orchestra (Berlín</span>). <strong>Dani Lorca. </strong><span class="txt_respuesta">Fue una experiencia de la hostia. Entre las canciones que han salido y de las que no, a lo mejor tenemos ciento y pico, pero fue fácil elegir los temas ya que desde el punto de vista de acople a la Symphony Orchestra hay canciones que son evidentes y canciones que no. Mucha gente quería que hiciéramos “Popular” y es “tu estás loco, cómo la vamos a hacer con una orquesta sinfónica, sería una pérdida de tiempo”. Lo intentaron pero, obviamente, quedó ridículo. Alguna que otra canción lo intentamos y finalmente no salían bien. Aunque hay un par de ellas raras, como “Comes a Time” que no la tocamos casi nunca pero con esos arreglos sinfónicos quedaba muy bien. Era muy curioso porque yo decía que era increíble tocar con músicos de verdad y me decían ellos a mí, “pero qué dices si los músicos de verdad sois vosotros”. “Si no sé ni leer música y no tengo ni idea de las notas que estoy tocando”, a lo que ellos me contestaban, “nosotros al contrario, si no tenemos los apuntes y el libro delante no sabemos que tocar”. Teníamos esa guasa pero fue todo un honor. </span><strong><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo.</span> </strong>Sin embargo, “Popular” les sigue gustando igual que el primer día. <strong>Dani Lorca. </strong><span class="txt_respuesta">La gente no sé porque se cree eso de que no nos gusta tocarla, a lo mejor es porque la tocamos más que otras canciones y no es verdad, de hecho, hay canciones que tocamos mucho más que “Popular”. Desde un principio no ahora. Es muy divertida, hoy en día creo que a a Matthews le costaría hacerla porque la letra es bastante jodida, es una de las canciones más heavy. Aunque sea desde un punto de vista totalmente sarcástico no deja de ser una serie de burradas que decimos en la letra. Hoy en día, creo que Matthews, cuando compone, intenta tener cuidado de no herir a nadie.</span><span class="txt_pregunta"> </span></p>
<p><strong>Íñigo Renedo. </strong><em>IF I HAD A HI-FI (Mardev, 2010)</em><span class="txt_pregunta"> es un disco de versiones. NADA SURF ya versionó “Where Is My Mind” de PIXIES, con quienes compartirán escenario en el Low Festival</span>.<strong> Dani Lorca. </strong><span class="txt_respuesta">Nos gustan hacer las versiones porque somos enormes fans de la música. Somos más fans que músicos. Creciendo en Nueva York hemos tenido la ocasión de ver a los mejores grupos. Ni sé la cantidad de veces que he visto a LOS RAMONES, he visto tocar a JAMES BROWN tres veces en clubs de 300-400 personas. No hay ningún grupo que nos encanta que no hemos visto, desde IGGY POP hasta los PIXIES. No sé cuántas veces habré visto a los PIXIES, joder. Y también en garitos pequeños. De vez en cuanto hay canciones que se dejan hacer más fácilmente que otras, cuando hicimos “Where Is My Mind” nos quedó claro que no íbamos a intentar superar el rock de los PIXIES, al contrario, en vez de intentar darle más caña a la canción la intentamos suavizar. Según me contaron a Frank Black (líder de la banda) le gustó la versión y será un placer tocar con ellos en el Low, a ver si les conocemos y están de buen humor. No nos van a invitar a tocar con ellos ni de coña pero no estaría mal (risas).</span></p>
<p><span class="txt_pregunta"> </span><strong>Íñigo Renedo. </strong><span class="txt_pregunta">Estaréis el sábado 29 en el Low Festival</span>.<strong> Dani Lorca. </strong><span class="txt_respuesta">El Low es un festival súper potente. Está muy bien y es muy divertido, nos lo vamos a pasar todos muy bien. Tocar en España siempre es algo muy especial, aunque seamos un grupo de Nueva York, yo soy español y es muy especial. Siempre digo que traerme al grupo aquí es como cuando traes a tu novia a la casa de tus padres, estas un poco pendiente de que se gusten mutuamente. En España nos tratan muy muy bien, se vive muy bien y hay mucho rock and roll. Joder, en todas las ciudades hay bares de rock and roll. Ira y Matthew flipan de la música tan buena que ponen. En España hay un rollo especial y mola mucho porque el público español.</span></p>
<p><span class="txt_respuesta"><span class="txt_pregunta"> </span></span><strong>Íñigo Renedo. </strong>En el Mad Cool celebrado hace unas semanas en Madrid sucedió la trágica muerte del acróbata Pedro Aunión. Muchos son los que dan su opinión pero nos gustaría saber qué opina una banda ante estos sucesos.<strong> Dani Lorca. </strong><span class="txt_respuesta">Es una tragedia. La manera más lógica de plantear lo que hay que hacer, es que diría la persona que ha fallecido. No creo que esa persona pensara que habría que suspenderlo todo, irse por la tristeza, sino que más bien, o al menos yo soy así, que continúe la celebración o hacerme honor disfrutando y no parándonos en los remordimientos y la tristeza.</span></p>
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<p> </p>
<p class="txt_pregunta"><strong>Íñigo Renedo.</strong> Conociendo la pócima secreta de NADA SURF y su manera de vivir la música solo nos queda disfrutar de ellos en el Low Festival y desearles 25 años más de mucho rock and roll.</p>',
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<p><img src="/files/images/resize/640x1000_el-soldado-de-72869.jpeg" alt="640x1000_el-soldado-de-72869.jpeg" /></p>
<p>El autor obliga en esta exposicón al espectador a revisar certezas dadas por válidas hasta el momento, desvelandonos que "Seek implica el proceso de búsqueda de respuestas que llevo a cabo mientras creo mis obras a partir de la serie The And. Supone una conducta anti-restricción. Mediante el cuestionamiento de ideas, partiendo de diferentes puntos de vista, trato de descubrir/revelar los fenómenos sociales que el público ve pero que, sin embargo, ignora en su vida diaria".Algunas de las obras que se muestran en esta exposición hablan de guerra y violencia, no evocan la paz, reflejan lo infinitamente contradictorio que es el comportamiento humano. The And, El soldado de plomo, Toy Car, Dancing Feathers o las series Top Gun y The Gift that Keeps on Giving generan un efecto mágico y sumergen al espectador, lo suficientemente adulto para apreciar el valor estético de su obra y lo suficientemente niño para jugar con Tsou al escondite, en un lugar en el que la edad no afecta a nuestra interpretación de la realidad, sino los ojos con los que se mira....</p>
<p>+ info:<a href="http://museo.abc.es/"> museo.abc.es</a></p>',
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<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. El activismo feminista las unió</span>.<span class="txt_respuesta"> Sonsoles Rodríguez. Tocábamos en grupos diferentes de la escena “underground” de la escena de Madrid y en un momento dado Paula y Alicia (anteriormente en DÚO DIVERGENTE) deciden emprender un proyecto nuevo con la idea de formar un grupo bastante centrado en el activismo feminista y se ponen en contacto con Agatha (ex AGNES) y conmigo (ex LAS CRUCES) para ver si nos apetece formar parte de la banda. Ambas dijimos que sí, nos reunimos un día en Pandora’s, los locales donde ensayamos, y hubo buen “feeling”. También nos conocemos del colectivo Sisterhood, del colectivo cultural y de los feminismos.</span></p>
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<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. El sonido de LAS ODIO explaya diferentes influencias en FUTURAS ESPOSAS. Desde el sonido surfero en “Puede Ser Divertido”, el ochentero en “Cuchillas” o hasta el noise más actual en “Mantis Religiosa”.</span> <span class="txt_respuesta">Sonsoles Rodríguez. A algunas nos gusta más el pop, a otras el post-punk, el garage… A la hora de componer hay un proceso bastante horizontal dentro del grupo, cada una aporta sus referencias y acaba surgiendo un estilo u otro, pero dentro de una coherencia formal</span>. <span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. Las experiencias empiezan a ser más grandes para la banda.</span> <span class="txt_respuesta">Sonsoles Rodríguez. La escena indie es algo nuevo para nosotras. Venimos de un entorno bastante “underground”, de un circuito de salas bastante pequeño centrado en Madrid y ahora con LAS ODIO estamos creciendo. Nos estamos sintiendo cómodas y creemos que es un contexto muy interesante para lanzar el discurso que tenemos aunque dentro del indie hay una mayoría de grupos masculinos y en ese sentido sí que reclamamos espacio para bandas que no sean íntegramente masculinas</span>. <span class="txt_pregunta"> Íñigo Renedo. Mucha gente comparte este discurso.</span> <span class="txt_respuesta">Sonsoles Rodríguez. La crítica está siendo buena porque empieza a ser evidente que es necesario que el discurso feminista cale y mucha gente lo comparte de hecho. Hay una parte del público que no lo comparte pero al menos tiene una actitud de escucha. Sí que hay alguna crítica en redes, típico “hater”, pero sin mucho fundamento que acaban retratándose como un poco machistas.</span><span class="txt_pregunta"> Íñigo Renedo. Pese a esto, queda mucho por hacer no solo en la música, sino en todos los estratos sociales.</span> <span class="txt_respuesta">Sonsoles Rodríguez. Sí, aunque es verdad que ahora mismo se ve cierta vocación por el cambio y mejorar las cosas o al menos tener una actitud de escucha y empezar a comprender nuevas visiones que realmente tienen más sentidos que otras que son las imperantes ahora mismo</span>. <span class="txt_pregunta"> Íñigo Renedo. FUTURAS ESPOSAS es un título irónico que nace de la película “Las cuatro bodas de Marisol”</span>. <span class="txt_respuesta">Sonsoles Rodríguez. Hace referencia, en clave de humor, a lo que se espera tradicionalmente de la mujer como esposa, pero en realidad lo que nosotras defendemos es que seremos esposas o ejerceremos como tal, cuando queramos, o nunca. No debe existir presión en ese sentido. Por otro lado, si alguien escucha el disco en vinilo que lo hemos sacado en este formato, verá que hay un corte de audio que proviene de la propia película y que explica de manera bastante literal el significado del título</span>. <span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. Formato que se puede conseguir en diversas tiendas de vinilos en Madrid, tiendas cercanas a LAS ODIO</span>. <span class="txt_respuesta">Sonsoles Rodríguez. Se debe también a que la distribución la hacemos nosotras mismas. Es un disco autoeditado, no tenemos sello, entonces al final hemos llevado los discos a las tiendas en las que habitualmente nosotras consumimos cultura. También lo vendemos “on-line” para aquellas personas que son de fuera de Madrid y que no tengan la posibilidad de comprarlo en estas tiendas. Hacemos los envíos un poco personalizados.</span> <span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. No hay sello pero sí que hay productor: Carlangas de NOVEDADES CARMINHA</span>.<span class="txt_respuesta"> Sonsoles Rodríguez. Ha sido un gustazo. Empezamos a trabajar con él en algunas sesiones en el local de ensayo y fue un proceso bastante gratificante porque nos entendimos muy bien desde el primer momento. Escuchamos las canciones juntos, hablamos de posibles referencias, de cómo queríamos que fuera ese sonido que fuera el hilo conductor de esos diferentes estilos que marcan las canciones y luego estuvo también en el proceso de grabación en los Estudios Reno</span>. <span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. “Yo Lo Vi Primero” va en contra de la pedantería de muchos</span>. <span class="txt_respuesta">Sonsoles Rodríguez. Es una crítica a esos momentos y esas personas con las que te encuentras que son los abanderados de cualquier iniciativa de cuando era desconocida. También es un poco autocrítica, nos hemos visto a nosotras mismas también en ese papel de decir que yo lo he visto antes o yo programé a este grupo cuando todavía no era tan conocido… de ahí que lo hagamos en clave de humor pero también subyace una crítica al consumo rápido, al final muy vinculado con el capitalismo, esa necesidad de estar continuamente consumiendo cultura.</span> <span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. “A tu Ritmo” es la cara b, la visión contraria. “Un Cuarto Propio” habla de temas muy cercanos a la gente.</span> <span class="txt_respuesta">Sonsoles Rodríguez. Cuando escuchan las letras de las canciones, al final se ven reflejados. Las letras son principalmente de Paula habla de situaciones que nos afectan en nuestro día a día.</span> <span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. “Yo no soy la novia, no soy la amiga, no soy la prima, ni la vecina / deja de buscarme, no estoy en la lista, mira mi pulsera, ¡¡yo soy artista!!”, esto que dice “Indiespañol” ha sucedido</span>. <span class="txt_respuesta">Sonsoles Rodríguez. En alguna ocasión no nos han identificado como las músicas sino como otro rol cualquiera precisamente porque dentro de cómo está estructurada la industria no es habitual ver a grupos de mujeres en ciertas programaciones. Es una crítica y es una queja, pero también tiene un discurso empoderante, un poco decir, aquí estamos y de aquí no nos vais a mover.</span> <span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. El Festival Tomavistas sí que puso mayor igualdad en su cartel</span>. <span class="txt_respuesta">Sonsoles Rodríguez. Hizo un esfuerzo por visibilizar los grupos de tías o mixtos. Está habiendo iniciativas y proyectos que critican la falta de presencia de mujeres en los carteles, hay una sensibilidad cada vez mayor aunque queda mucho trabajo por hacer.</span><span class="txt_pregunta"> Íñigo Renedo. El Low Festival también ha pensado en LAS ODIO y el público podrá disfrutar de ellas el sábado en el escenario Wiko.</span> <span class="txt_respuesta">Sonsoles Rodríguez. Para nosotras supone un contexto increíble. Es un marco en el que nunca hemos actuado y la posibilidad de utilizarlo como altavoz para poder cantar y tocar nuestras canciones, y relacionarnos con un público heterogéneo y mucho más amplio al que estamos acostumbradas, pues es una oportunidad. Y luego, más allá de eso, por la ilusión de ir a la piscina del Low que es muy famosa y no la conocemos (risas)</span>.</p>
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<p>Íñigo Renedo. Su primer ensayo fue en septiembre de 2015, no han pasado ni dos años y la banda madrileña está dejándose llevar por esta experiencia que incluyo ellas mismas subrayan de inesperado. Este verano, LAS ODIO van a gritar por todo el circuito de festivales su discurso.</p>',
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<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. El activismo feminista las unió</span>.<span class="txt_respuesta"> Sonsoles Rodríguez. Tocábamos en grupos diferentes de la escena “underground” de la escena de Madrid y en un momento dado Paula y Alicia (anteriormente en DÚO DIVERGENTE) deciden emprender un proyecto nuevo con la idea de formar un grupo bastante centrado en el activismo feminista y se ponen en contacto con Agatha (ex AGNES) y conmigo (ex LAS CRUCES) para ver si nos apetece formar parte de la banda. Ambas dijimos que sí, nos reunimos un día en Pandora’s, los locales donde ensayamos, y hubo buen “feeling”. También nos conocemos del colectivo Sisterhood, del colectivo cultural y de los feminismos.</span></p>
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También es un poco autocrítica, nos hemos visto a nosotras mismas también en ese papel de decir que yo lo he visto antes o yo programé a este grupo cuando todavía no era tan conocido… de ahí que lo hagamos en clave de humor pero también subyace una crítica al consumo rápido, al final muy vinculado con el capitalismo, esa necesidad de estar continuamente consumiendo cultura.</span> <span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. “A tu Ritmo” es la cara b, la visión contraria. “Un Cuarto Propio” habla de temas muy cercanos a la gente.</span> <span class="txt_respuesta">Sonsoles Rodríguez. Cuando escuchan las letras de las canciones, al final se ven reflejados. Las letras son principalmente de Paula habla de situaciones que nos afectan en nuestro día a día.</span> <span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. “Yo no soy la novia, no soy la amiga, no soy la prima, ni la vecina / deja de buscarme, no estoy en la lista, mira mi pulsera, ¡¡yo soy artista!!”, esto que dice “Indiespañol” ha sucedido</span>. <span class="txt_respuesta">Sonsoles Rodríguez. En alguna ocasión no nos han identificado como las músicas sino como otro rol cualquiera precisamente porque dentro de cómo está estructurada la industria no es habitual ver a grupos de mujeres en ciertas programaciones. Es una crítica y es una queja, pero también tiene un discurso empoderante, un poco decir, aquí estamos y de aquí no nos vais a mover.</span> <span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. El Festival Tomavistas sí que puso mayor igualdad en su cartel</span>. <span class="txt_respuesta">Sonsoles Rodríguez. Hizo un esfuerzo por visibilizar los grupos de tías o mixtos. Está habiendo iniciativas y proyectos que critican la falta de presencia de mujeres en los carteles, hay una sensibilidad cada vez mayor aunque queda mucho trabajo por hacer.</span><span class="txt_pregunta"> Íñigo Renedo. El Low Festival también ha pensado en LAS ODIO y el público podrá disfrutar de ellas el sábado en el escenario Wiko.</span> <span class="txt_respuesta">Sonsoles Rodríguez. Para nosotras supone un contexto increíble. Es un marco en el que nunca hemos actuado y la posibilidad de utilizarlo como altavoz para poder cantar y tocar nuestras canciones, y relacionarnos con un público heterogéneo y mucho más amplio al que estamos acostumbradas, pues es una oportunidad. Y luego, más allá de eso, por la ilusión de ir a la piscina del Low que es muy famosa y no la conocemos (risas)</span>.</p>
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<p>Íñigo Renedo. Su primer ensayo fue en septiembre de 2015, no han pasado ni dos años y la banda madrileña está dejándose llevar por esta experiencia que incluyo ellas mismas subrayan de inesperado. Este verano, LAS ODIO van a gritar por todo el circuito de festivales su discurso.</p>',
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<p><img src="/files/images/resize/640x1000_helena-almeida-la-timidez75955.jpeg" alt="640x1000_helena-almeida-la-timidez75955." /></p>
<p> </p>
<p>La observación poética de esta inteligencia colectiva, de este cuidado por el conjunto,nos ofrece un diálogo con nuestra contemporaneidad y la urgencia de reaccionarcomo sociedad hacia la creación de nuevos escenarios heterogéneos para laconvivencia cotidiana desde la alteridad y la diferencia...</p>
<p><img src="/files/images/resize/640x1000_marta-fernandez-calvo-la-96265.jpeg" alt="640x1000_marta-fernandez-calvo-la-96265." /></p>
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<p>Comisaria: Beatriz Alonso.</p>
<p>Artistas: Lara Almarcegui, Helena Almeida, Kader Attia, Jeremy Deller, MartaFernández Calvo, Dora García, Jirí Kovanda, Amalia Pica, Rita Poncede León, Alex Reynolds, Cecilia Vicuña.</p>
<p>+ info: <a href="http://www.marcovigo.com">marcovigo.com</a></p>',
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<p>Victoria presenta distintas opciones de modelos en blanco: con detalles glitter en los talones para un punto girly, con cierres de velcro retro-sport, con una atractiva lengüeta de flecos desmontable para jugar con los looks, o añadiendo simples detalles de color en el talón...</p>
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<p>+info: <a href="http://www.calzadosvictoria.com/es/?gclid=CjwKCAjwqcHLBRAqEiwA-j4AyPtFEX8ukTx_TefxGkuIPN3f9oVVNpxCRBU1C0_O2Vn4lDiXSswAfRoCgzQQAvD_BwE">calzadosvictoria.com</a></p>',
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<p>La Asociación Cultural Art de Troya lo ha vuelto a hacer. Loquillo, Amaral, Leiva, Fangoria, Santiago Auserón + Sexy Sadie, Camela, sí, Camela… todos ellos se adentran al mundo más “indie” para saber lo bien que se lo pasa uno por las plazas de Aranda. La Plaza del Trigo, que por cierto, este año tendrá el nombre de Escenario Radio 3, ya espera a todos los sonorámicos impacientes por quien será la sorpresa que salte/toque a ese pequeño, y a la vez gigante, escenario. Un Sonorama de 2017 que se pone su traje más español –homenaje a la música española– donde no estarán los grupos internacionales, pero sí una gran representación de las míticas bandas españolas del pop.</p>
<p> Desde el miércoles 9 de agosto hasta el lunes 14, Sonorama será la capital de la música. Por sus escenarios, principal, secundario, pequeño, camping, plazas dentro del pueblo, escenario Charco, y cada esquina de la ciudad, estarán bandas como LoriMeyers, La Habitación Roja, Dorian, Sidonie, Xoel López, Niños Mutantes, Iván Ferreriro, La Casa Azul, Coque Malla, Nacho Vegas, Ilegales, El Drogras, Eme Dj vs Dj Amable,Shinova… Todos estos aparecen como cabezas de cartel, repartidos entre jueves y sábado, pero no hay que quitar la vista de las bandas que seguramente sean la verdadera fiesta del festival (de alguna manera tenía que evitar soltar el centenar de grupos que se reunirán en la ciudad burgalesa).</p>
<p> Como viene ser costumbre, el miércoles comenzará la fiesta bienvenida con Amaro Ferreiro, Correos, Rufus T. Firefly y Varry Brava en el escenario del camping. Cuidado con las escapaditas por los bares, que nos conocemos. No será la primera vez que antes de empezar el festival se sufren bajas. Al día siguiente, la fiesta no para con Anni B Sweet, Dinero, El Langui, EnricMontefusco, Los Coronas, Polock, Was, Supertennis, Estrogenuinas y un largo etc. El viernes, uno de los días más completos con El Meister, Generación X, Novedades Carminha, Mostaza Gálvez, Sidecars, Pol, Apartamentos Acapulco, El Lado Oscuro de la Broca, Jimmy Barnatán y Tórtel entre otros.</p>
<p>El sábado se completará con Ángel Stanich, BerriTxarrak, El Lichis, Eladio y Los Seres Queridos, Kitai, Embusteros, Lagartija Nick, Viva Sueci, Kokoscha, Las Odio, Rusos Blancos, Nocturnos, Octubre Polar. Para terminar la resaca festivalera, el domingo acompañarán a Camela bandas como DePedro, Sexy Zebras, Tachenko, Nixon, Nunatak, así como Tuya, Garaje Florida, Julieta 21 y TheGirondines el lunes en la fiesta despedida. Y si queréis saber qué día toca cada grupo, y los que me he dejado en el tintero, solo tenéis que echar un vistazo al cartel por días que ya está disponible.</p>
<p>Sin embargo, como ya hemos dicho, habrá muchas sorpresas. Una de ellas será el jueves con el Concierto 20 años de Sonorama donde saldrán veinte artistas para cantar veinte canciones emblema del festival. Si esto te parece poco para el cuerpo, agárrate que el sábado llega la Tarta de Cumpleaños. Un cabeza de cartel que dejará la boca abierta a todos los sonorámicos. Una edición que seguirá aupando, aún más, al Sonorama Ribera que no deja de ganar adeptos año tras año.</p>
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<p><iframe src="http://www.youtube.com/embed/YZzbB4ta-YY" width="450" height="300"></iframe></p>
<p>En anteriores ediciones, Lados Magazine ha tenido el placer de disfrutar de este festival y comprobar la armonía entre organización y bandas, siendo uno de los eventos más apetecibles del año. En 2016 acudieron hasta 80.000 lowers (así es como se conoce a los festivaleros) y es que la capacidad del recinto permite una gran cantidad de público sin sufrir grandes masificaciones y donde uno se podrá distraer de la música con zonas de restauración, y la famosa piscina a la que solo podrán acceder los afortunados que cuenten con la pulsera de “Vip Pool”. Además, este año la moneda del festival serán los “Tuents” (que ya hemos probado en Tomavistas) y se quedarán atrás los “Tokens” y las pulseras de Pay Pal.</p>
<p>Cuatro escenarios –el Ron Matusalen (principal), el Estrella Damm (segundario), el Wiko (de grupos emergentes) y el Jägermusic (de grupos electrónicos emergentes)– entre los que se repartirán los más de sesenta grupos de este 2017. Edición que contará con una fiesta presentación en la fiesta de Benidorm (el jueves 27) donde estarán los !!! (Chk Chk Chk), que tocarán en dos jornadas, Miss Caffeina, Rusos Blancos y Miss Deep’in. Durante el resto de días el festival tendrá lugar en la Ciudad Deportiva Guillermo Amor donde se disfrutará de bandas como FM Belfast, una de las últimas confirmaciones, o Roosevelt, Satellite Stories y los españoles Triángulo de Amor Bizarro, L.A., Corizonas, Varry Brava, Los Punsetes, The New Raemon + McEnroe, El Columpio Asesino, Anni B Sweet o Xoel López.</p>
<p><img src="/files/images/resize/640x1000_fm-belfast4796.jpeg" alt="640x1000_fm-belfast4796.jpeg" /></p>
<p>Tampoco faltarán las bandas emergentes que tanto apoya el Low. Viva Suecia, Biznaga, Full, Kokoshca, My Expansive Awareness, Las Odio, Nunatak, así como la fiesta de Delorean, Elyella, Ley Dj, Ochoymedio Djs, Ojete Calor y muchos más. Así hasta completar cuatro días intensos de música, buen ambiente y divertimento entre los cuatro escenarios que conforman el Low Festival 2017. Una fecha ineludible a la que no podíamos faltar y que ya se ha convertido en un punto rojo en nuestro calendario veraniego. Ya queda menos de un mes para disfrutar de este cartelazo, del cual ya se conocen las bandas que tocarán cada día, ¿te vienes con nosotros?</p>
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<p><span class="m_363085720748161053s1">Estas y otras cuestiones se abordarán en </span>"3D. Imprimir el Mundo"<span class="m_363085720748161053s1">, una exposición comisariada por los arquitectos y diseñadores españoles </span><span class="m_363085720748161053s1">Carmen Baselga</span><span class="m_363085720748161053s1"> y </span><span class="m_363085720748161053s1">Héctor Serrano</span><span class="m_363085720748161053s1"> y que podrá verse en la planta 4 del Espacio Fundación Telefónica del 15 de junio al 22 de octubre de 2017. Una muestra en torno a la tecnología de impresión tridimensional y su impacto en disciplinas tan variadas como la medicina, la moda, la gastronomía o la arquitectura...</span></p>
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<p><a href="https://www.fundaciontelefonica.com/"><span class="m_363085720748161053s1">+ info: fundaciontelefonica.com</span></a></p>',
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<p>El festival ofrece una completa y detallada selección de sonidos, haciendo un recorrido por la historia más reciente, donde podemos encontrar desde leyendas como Cerrone -un clásico del estudio 54 de Nueva York- contínuando con el techno de Detroit de la mano de Floorplan -formación liderada por el mítico Robert Hood- hasta la recientemente consagrada en este 2016, The Black Madonna, cerrando la noche del Sábado, o la rapera neoyorkina Princess Nokia. Es precisamente en los cierres de cada día de Sónar Noche donde encontramos a los artistas más célebres, a la par que los sonidos más fuertes como es el caso del italiano Marco Carola, los legendarios Vitalic o Eric Pridz. Los amantes del techno más puro encontrarán su lugar en propuestas como las de Nina Kravitz o Marcel Dettman, mientras que aquellos que busquén el lado en cierto modo más mainstream de la electrónica, no quedarán decepcionados con las actuaciones de la talla de Moderat, Little Dragon, DJ Shadow, Nicolas Jaar, Soulwax o los franceses Justice.</p>
<p><iframe src="http://www.youtube.com/embed/tkaEpUBUQDw" width="450" height="300"></iframe></p>
<p>Sin duda uno de los platos fuertes de Sónar siempre ha sido su apuesta por los sonidos más experimentales. El florilegio de artistas a este respecto es eterno, recogido principalmente en los escenarios Sónar Complex y Sónar Dome. Las actuaciones de Elysia Crampton, el ambient propuesto por el japones Nonotak, el R&B distorsionado de River Tiber o el dark noise de la asiática afincada en Berlín Pan Daijing, son buen ejemplo de ello. La guinda del pastel en este horizonte es la ceremonia de apertura de la archiconocida Bjork, con su propuesta de ópera digital contemporánea Bjork Digital. Aclamada en una larga lista de países en donde ha actuado recientemente, la artista islandesa mezcla música y realidad virtual en un espectáculo que promete dejar a sus asistentes con la boca abierta. Como todos los años, simultáneamente podremos asistir al Sónar +D donde encontraremos eventos y actividades que relacionan música y tecnología, y que este año se centrará además en la naturaleza como temática itinerante.</p>
<p>En suma, Sónar 2017 confirma la reputación de un festival con nombre propio a escala mundial. Con una clara mirada hacia el futuro y hacia las nuevas posibilidades que la tecnología nos brinda en la producción de música y artes visuales, la semana del 13 al 18 de Junio promete ser una auténtica celebración de asistencia obligatoria en este sentido, con un sinfín de actividades y espectáculos para todos los gustos y sensibilidades.</p>
<p>+info: <a href="https://sonar.es/">sonar.es</a></p>
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<p>En suma, Sónar 2017 confirma la reputación de un festival con nombre propio a escala mundial. Con una clara mirada hacia el futuro y hacia las nuevas posibilidades que la tecnología nos brinda en la producción de música y artes visuales, la semana del 13 al 18 de Junio promete ser una auténtica celebración de asistencia obligatoria en este sentido, con un sinfín de actividades y espectáculos para todos los gustos y sensibilidades.</p>
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<p><img src="/files/images/resize/640x1000_img-20170521-wa000532233.jpeg" alt="640x1000_img-20170521-wa000532233.jpeg" /></p>
<p>Un público exigente pero agradecido que fue de menos a más durante cada jornada. Lejos de sentir los empujones del festivalero de al lado, Tomavistas se convirtió en un enclave ideal para un ambiente familiar con muy buen rollo y comodidad ante todo, de hecho, tan solo en los conciertos ‘top’ se pudo sentir la presión de la gente. En cuanto a la organización, no hubo colas excesivas –los milagros tampoco existen, obviamente si vas al baño de al lado del escenario cuando termina un concierto, o quieres una cerveza en la barra más cercana, es imposible no esperar algunos minutos– ni para entrar ni para cenar/beber. Quizás, el único pero habría que decirlo en el modo de pago a base de ‘tokens’. Queda decir que los asistentes fueron llegando cuando el sol caía, quizás por el horario laboral de cada uno, y esto se notó en los primeros conciertos del viernes.</p>
<p><strong>VIERNES: Lori Meyers, los verdaderos animales de ciudad</strong></p>
<p>Tomavistas se inició con <strong>Holy Bouncer, White Bats, Los Bengala y Quentin Gas & Los Zingaros</strong> ante un público reducido. Estos últimos, recién llegados de Sevilla mostraron su estilo post-flamenco que fusiona la música popular con la psicodelia de su disco ‘Caravana’. A quienes les dio igual la gente y el horario fueron a Los Bengala que presentaron su álbum ‘Incluso Festivos’ y su “Jodidamente Loco” que hizo rabiar a todos los que se animaron a los primeros conciertos del festival. <strong>Los Nastys</strong> fueron los siguientes en aparecer por el escenario principal, el Escenario Corona, cuando ya el público se iba animando. Los madrileños, con gran apego en la cultura musical de México, guitarrearon su “Never Digas Never” o “No hay Amor en las Calles” de ‘Noche de fantasmas con Los Nastys’. Sus berridos, muy sincronizados con el ruido que conforman su puesta en escena, levantaron a varios de los allí presentes que todavía estaban sentados en los escalones del anfiteatro. Ya sabéis lo que aconsejaron: “Fumar, Beber y Romper”.</p>
<p> </p>
<p><img src="/files/images/resize/640x1000_img-20170521-wa000085592.jpeg" alt="640x1000_img-20170521-wa000085592.jpeg" /></p>
<p>Al Escenario Wegow se subieron la banda francesa <strong>Aquaserge </strong><strong> </strong>para presentar su último álbum ‘Tour du Monde’. Y acto seguido, unas de las esperadas de la jornada, <strong>The Big Moon</strong>. Juliette Jackson lidera este cuarteto que levanta curiosidad entre los melómanos ya que debutaron en abril con ‘Love in the 4th Dimension’. Las londinenses triunfaron con “Bonfire” y “Sucker” con su indie-rock garajero que recuerda a alguna banda española de este mismo calado. <strong>Schwarz</strong> sacaron a relucir ‘Nación Subterránea’, su noveno disco que expusieron en el escenario pequeño del parque. Una antesala industrial que daba señales que esto solo acababa de empezar.</p>
<p> </p>
<p>Ahora sí, el Escenario Corona, lleno. Las diez de la noche, el momento esperado para la mayoría de los festivaleros a un kilómetro a la redonda. Llegaba el turno para <strong>Lori Meyers</strong>. Los granadinos llegaban expuestos a la crítica de su último trabajo, ‘La Espiral’, que presentas algún “hater” que otro. Pero si algo quedó claro desde el principio, es que la banda revienta festivales puede conseguir lo que se proponga. Empezó a sonar “Vértigo I” con una pantalla de luces que tapaba el escenario pero dejaba ver que estaban todos los integrantes de la banda menos Noni. Entonces terminó la canción y allí apareció, con su mostacho de True Detective y sus gafas con cristales rojizos. Sonó “Luces de Neón” como segundo tema y todo se vino arriba. Lori Meyers cogió el ritmo que solo tuvo sobresaltos romanticones con “Todo lo que dicen de ti” u “Océanos”. Fue terminar esta balada cantada por Álex –de las mejores que han hecho– y comenzar el rush final pasando por “Emborracharme”, “Zona de Confort”, “Mi Realidad” y terminando en alza con “Alta Fidelidad”. Apoteósico. Los de Granda anteriormente tocaron su último hit, el pegadizo “Siempre Brilla el Sol”, así como “El Tiempo Pasará” o “Luciernagas y Mariposas”.</p>
<p> </p>
<p><img src="/files/images/resize/640x1000_img-20170521-wa000675508.jpeg" alt="640x1000_img-20170521-wa000675508.jpeg" /></p>
<p>Noni, Álex, Alfredo y compañía se despedían del público madrileño mientras volvía a bajar esa celda de luces con el nombre de Lori Meyers bien grande. Como ellos lo habían dejado con su música, rompiendo cualquier crítica negativa que se haya leído en recónditos lugares.</p>
<p> </p>
<p>La noche cayó, y con ella llegaron las variantes del festival. <strong>C. Tangana</strong> ostentó su suerte y su evolución al estrellato con el Trap que tan de moda se está poniendo en estos últimos tiempos. Dos estilos muy diferentes el que se vivió en el Escenario Corona y el que se quedaba por escuchar en el Wegow, pero que tuvieron el mismo acierto. C. Tangana repasó su EP con bases de Drake donde sobresalieron “Nada” o “C.H.I.T.O.” y también sus trabajos con Rosalia –otra de las nuevas caras que lo están petando en le flamenco–: “Llámame Más Tarde” y “Antes de Morirme” (con la que terminó el bolo). Sus compañeros de Agorazein le ayudaron en los coros y se marcaron el sonado “100K Pasos”. Sobre el escenario, descaro y gran actitud para hacerse con el público que ya estaba entregado cuando sonaron “Espabilao” y “Persiguiéndonos”. No faltó ninguno de los temas que le mantienen en la cima del éxito musical.</p>
<p><strong>Goldfrapp, SVPER y Hercules & The Love Affair</strong> exportaron el electropop al Tomavistas. Los primeros, el dúo inglés, ganaron gran protagonismo ya que era su única fecha en España donde presentaron su nuevo ‘Silver Eye’ que cumple con cualquier expectativa prevista. Alison, con un vestido reluciente, marcó los bailes de los “Ocean”, “Become the One” y las nuevas “Systemagic” y “Anymore”. Los británicos no obviaron el trabajo que les ha costado llegar hasta donde están y cerraron la noche con “Train”, “White Horse” y “Ride” junto a las esperadísimas “Ooh La La” y “Strict Machine”. Todo ello sumergido en un juego de luces y humo que envolvía la preciosa noche de Madrid. Tras ellos, SVPER les siguió la batuta. Los españoles proyectaron ‘Pegasvs’ cerrando el escenario pequeño con “La Melodía del Afilador” y “El Final de la Noche”. Un regreso, muy esperado, de este tecno melancólico. Los estadounidenses Hercules & The Love Affair se encargaron de cerrar la jornada con su dance punk y sonido disco que sirvió de guinda final.</p>
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<p><strong>SÁBADO: Etapón con cima en Temples</strong></p>
<p>El segundo día se presentaba diferente. El sábado permitía que el público se acercase desde el principio al parque situado al lado del planetario, sin embargo, a más de uno se le pegaron las sábanas por lo vivido en la jornada anterior y se perdieron a los <strong>Her Little Donkey</strong> que abrieron el festival. Los que no nos podíamos perder por nada del mundo eran <strong>Cala Vento</strong>. Un horario inexplicable para los catalanes Aleix y Joan. Solo son dos, y con eso se bastan y se sobran, uno a la guitarra y otro a la batería, y ambos conjugan sus voces para sacar cosas como ‘Futuro Panorama’ además de su disco homónimo. Todo comenzó en 2016 y han empezado a girar y a captar la atención con su pop veraniego y su melodía amable que cautiva a todo aquel que le escucha. “Hay Que Arrimar”, “Historias de Bufanda” y “Sin Apenas Conocernos” fueron sus hits del bolo pero con “Abril”, de su debut, dieron la traca final para un gran comienzo de jornada.</p>
<p> Ya en el Escenario Corona, el grande, los <strong>Rural Zombies</strong> tampoco se explicaban del horario impuesto por la organización. El sol era de justicia y el pequeño grupo de personas allí presente buscaba la sombra mientras Julia, Marcos y compañía tocaban su disco ‘Bat’. “Golden”, “Stones”, “Fall” e incluso una versión de “In For The Kill” de La Roux plasmaron la calidad de los de Zestoa. En el escenario paralelo comenzaba el show de los estrafalarios <strong>Alien Tango</strong>. Con pantalón dorado y camiseta roja salía Aitite. A su lado estaban Guardabosques, Oso Peligro y El Verdadero. Irreverentes hasta en los nombres, supieron jugar con sus errores y sacar más de una carcajada al público mientras esparcían su “drone electrolatino” de ‘Supernatural Mango’. Los ritmos orientales y psicodélicos causaron furor con “Happy Family” y “Honey”. Tras ellos, llegó el susto del festival. Los navarros <strong>Kokoshca</strong> solo pudieron tocar un tema ya que decidieron cancelar su actuación por un mareo del batería. Tras unos minutos de incertidumbre, y ayudados por las asistencias médicas y otros artistas como Anntona, los de Pamplona abandonaron el escenario principal donde no pudieron tocar su nuevo trabajo ‘Algo Real’.</p>
<p>Llegó el momento de dos bandas femeninas que están creciendo a marchas forzadas. <strong>Las Odio</strong> primero y posteriormente Mourn. Las primeras, con su pop feminista que plasman en su trabajo ‘Futuras Esposas’ reinaron en el Wegow cuando tocaron “Indiespañol”, “Vitaminas”, “Yo lo vi primero” o “Blackout”. Divertidas como siempre, se hicieron con el público. En el mismo escenario, las jóvenes <strong>Mourn </strong>se acercaron al sonido perfecto con su disco homónimo llegando a las altas cotas de “Otitis” y “Your Brain is Made of Candy”.</p>
<p>Entre medias <strong>Los Punsetes</strong> hacían suyo el escenario principal. Ariadna, ataviada como una menina, permanecía impasible cantando los exitazos de la banda. “Tus Amigos”, “Me gusta que me pegues”, “Opinión de Mierda” o “Maricas” se entrelazaban con los temas de su nuevo elepé ‘¡VIVA!’. El publico vibró con “Tu Puto Grupo”, “Mabuse” o el pripio “¡Viva!”. Una bofetada de realidad de este grupo que apuñala con sus letras con alto mensaje de lo que realmente pasa en la sociedad. Anntona y los suyos se llevaron una muy buena opinión de un Parque Enrique Tierno Galván que ya estaba en pleno auge.</p>
<p>Tras ellos. Los esperadísimos <strong>León Benavente</strong>. Abraham Boba salió con su banda con paso firme, como tanto le caracteriza. El líder de la banda es el dueño del escenario cuando sale y se come al público, literal. Saltaron al Escenario Corona con “Tipo D” de su discazo ‘2’ y gritaron ante todos lo que es la “Gloria”. “La Ribera”, “California”… todo fluyó mientras Abraham se crecía entre baqueta al cielo y baqueta al suelo. Todo orquestado, acostumbrados a triunfar, rescataron temas de su nuevo EP ‘En la Selva’ y triunfaron con “Ánimo, Valiente” y “Ser Brigada”. Ésta última, de su disco homónimo de 2013, tuvo como actrices protagonista a Las Odio que bailaron y cantaron este temazo que está en la lista de cualquier amante de la música.</p>
<p>Tras <strong>Baywes</strong> llegaron los grupos internacionales. <strong>The Horrors</strong> describieron a la perfección lo que es un concierto con calidad. “Who Can Sa<em>y</em>” de su ‘Primary Colours’ dio comienzo a uno de los mejores momentos del fin de semana y que llevó a todo el público a disfrutar del post-punk de los británicos. “Scarlet Fields” y “Sea Within a Sea”, dieron paso a “Mirror’s Image” para desembocar en el esperado “Still Life” de su LP de 2011, ‘Skying’. El público se quedó sin unos de los temas de la banda, “So Now You Know”, pero vivió uno de los momentos que seguro que recordarán durante mucho tiempo.</p>
<p> </p>
<p><strong>Aries</strong> dio el respiro para la llega de <strong>Temples</strong>. La cima de la noche. Vestidos al rollo Bob Dylan presentaban en Madrid el ‘Volcano’ que ha coronado allí por donde han pasado. La banda de rock medio psicodélico de Inglaterra tiñó de luces el anfiteatro que rodeaba el escenario y brindaton a la noche madrileña los jugosos<em> “</em>Certainty” y “Strange Or Be Forgotten”. Asimismo “Mystery of Pop” y<em> </em>“Roman God Like Man” sirvieron para entrar en el disco con el que llegaron al estrellato, ‘Sun Structures’, o lo que es lo mismo, a su gran hit, “Shelter Song” sin obviar “Mesmerise” y “A Question Isn’t Answered” que fueron el broche final a un bolazo.</p>
<p>En el escenario secundario los <strong>Delorean</strong> pusieron el rumbo a lo electrónico. “Deli” sonó a la mitad de concierto pero potenciaron su trabajo ‘Muzik’ con la canción que da nombre al disco o con “Epic”. “Stay Close” y “Destitute Time” nombraron reyes de la noche a estos chicos de Zarautz que están más que acostumbrados a levantar esas almas en pena que vagan por el público tras un largo día de festival. <strong>Suuns</strong> prosiguieron su trabajo. Los canadienses arrancaron los últimos bailes con su mítico “2020”.</p>
<p><strong>DOMINGO: Un Montefusco popular y la psicodelia de Rufus T. Firefly</strong></p>
<p>El tercer día de festival se notó en las piernas y también en el público. Un ambiente más reducido pero igual de familiar se amontonó para vivir esta jornada más diaria que otra cosa. <strong>My Expansive Awareness</strong>, que todo el mundo les cataloga como muy parecidos a Tame Impala, fueron los encargados de abrir la mañana. <strong>Pavvla, Cómo Vivir en el campo, Dani Llamas</strong> (que sustituyó a Triptides), <strong>Atención Tsunami, Las Robertas, Morgan y Jeremy Jay</strong> sufrieron en sus carnes la jornada matutina. Merece destacar a Pavvla como una verdadera promesa, a Cómo Vivir en el Campo que desplegaron su ‘CVEEC 3’ ante el público y Atención Tsunami y su ‘Silencio en la Retaguardia’ que brilló por si solo cuando tocaron “La Ira de Kaplan”.</p>
<p>Fue entonces cuando llegó el momento de <strong>Enric Montefusco</strong> y su banda. El ex de Standstill se ha vuelto cercano mucho más popular y el mejor ejemplo es escuchar su ‘Meridiana’. Enric supo interactuar con el público, ya mucho más presente, y jugar con los instrumentos de sus compañeros de escenario. Tan pronto era un violín como una enorme tuba. “Todo Para Todos” sonó demasiado pronto, algo sospechoso, y le siguió “Meridiana”, “Buenas Noches”, “Uno de Nosotros” y el irónico “Flauta Man”, donde incluso el cantante explicó que lo que decía es más sarcasmo que otra cosa. Una crítica a la sociedad que llega al corazón. Para los nostálgicos llegaron los temas de Standstil, “Adelante, Bonaparte” y “¿Por qué me llamas a estas horas”, con los que Montefusco exhibió su calidad de voz que hizo desgarrar más de un aliento. Sin embargo, el bueno de Enric tenía una sorpresa guardada y cuando todo acabó se bajó al centro del público e interpretó, de nuevo, “Todo Para Todos”. Una joya que relució en el festival.</p>
<p> <strong>Fuckaine</strong> fue el concierto chocante de la jornada. Con sampleos de los Cazafantasmas y de las Spice Girls supo sacar más de una sonrisa al público. “Whistle”, “Ode to Repetition” y “Expo 92” de su trabajo ‘Pizza Valentine’ sonaron entre las bromas de su cantante que tuvo la ayuda de la banda Alien Tango –grupo presente durante todo el festival–.</p>
<p>En ese mismo escenario secundario fue el turno de <strong>Rufus T. Firefly</strong>. Víctor Cabezuelo y Julia Martín-Maeso fueron un show para los que no les conocían y una delicia para todos sus fans. Los de Aranjuez primero dieron las gracias al Tomavistas por pensar en ellos tras la baja de Egon Soda y luego dieron una clase magistral de psicodelia y pop. La ‘Magnolia’ floreció ante los ojos de todos los presentes, entre ellos Pucho de Vetusta Morla o Martí Perarnau IV de Mucho, que permanecían estupefactos ante un gran bolo. Desde el “Halcón Milenario”, pasando por “O”, “Tsukamori”, “Pulp Fiction” hasta la “Última Noche en la Tierra”, Rufus brindó lo mejor que te pueden dar, su psicodelia. Centrados en plasmar a la perfección su apasionante disco –quizás de lo mejor en este 2017– pasaron de puntillas por su trabajo anterior ‘Nueve’ con “El problemático Winston Smith” para acabar con “Magnolia” y “Rio Wolf”. No puedo dejar de mencionar “Nebulosa Jade” que es, como dice el propio cantante, la canción de amor más friki jamás escrita. Si en dicho tema mencionan la psicodelia de Pink Floyd, quizás llegue un momento que algún grupo lo digan por ellos. Sin duda, Rufus T. Firefly se llevo una sonada ovación del público.</p>
<p><strong>The New Raemon & McEnroe</strong> surcaban el escenario principal con ‘Lluvia y Truenos’. Ramón y Ricardo mantuvieron la calma durante el concierto pero desmembraron a la perfección su última edición. Juntos son un súper grupo y se complementan dignamente con la diferencia de voces –la armónica voz del catalán y el ronco Ricardo Lezón– que hay entre ambos. “Gracia” explicó un paseo de Ricardo por la ciudad de Barcelona, “Montaña” y “Malasombra” fueron de las más cantadas, al igual que los temas propios de McEnroe que cantaron los dos integrantes de esta unión. Ramón pidió perdón por si estropeaba “La Carta” o “Caballos y Palmeras” pero lo cierto es que quedó perfecta en el setlist de este festival.</p>
<p>El tramo final fue para <strong>Airbag</strong> con su trabajo ‘Gotham te Necesita’ donde plasmó “Gotham” y “Todo está Bien”, así como las antiguas “22” y “Nueva York”. La batuta la recogió <strong>Polock</strong>. Los jóvenes valencianos, mucho más frescos, se hicieron con un cansado público. Su reciente ‘Magnetic Overload’ fue la base del concierto donde sobresalió “Oh I Love You” o “Best Friend” pero donde también rescataron su últimos trabajos ‘Rising Up’ y ‘Getting Down From the Trees’. El público y la banda se entrelazaron en el penúltimo bolo de esta edición, casi dejando entre ver, que todavía había ganas de más festival. Esa morriña que te entra cuando no quieres que termine algo en lo que disfrutas.</p>
<p>La llave de cierre fuer para <strong>L.A.</strong> Luis Alberto y su banda triunfa allí por donde va y aquí hizo lo mismo. Un final digno para un festival que triunfa a pasos agigantados. El mallorquín presentó su último trabajo, casi todavía en el horno, ‘King of Beasts’. No faltaron “Stop The Clocks” ni “Living by the Ocean”, verdaderas joyas de sus anteriores discos. Las preciosas “Helsinki”, “Wind”, “Leave It All Behind” o “Turn the Lights On” plasmaron un escenario ideal de cierre.</p>
<p>El Tomavistas se ha convertido en un acierto total para todo amante de la música que aún cree que los festivales están para disfrutar de la música y no para luchar por un puesto en una barra del bar o en un lugar privilegiado del concierto sin tener que hacer un gymkana para llegar. Ya estamos esperando a que llegue la próxima edición donde solo tendrán que solucionar típicos problemas de una organización que apenas lleva tres ediciones. Larga vida al Tomavistas.</p>',
'body_html_clean' => '<p>Temples, The Horrors, Lori Meyers, Goldfrapp, León Benavente, Enric Montefusco, L.A., Los Punsetes… me tiraría media hora recitando todos los artistas que han dado la talla en el parque Enrique Tierno Galván de Madrid. Uno de los primeros festivales estivales de la temporada que significó un acierto para poder disfrutar de la mejor música en un ambiente envidiable comparado con la burbuja que rodea al resto de eventos de este calibre. Alrededor de 16.000 animales de ciudad se centraron en un recinto con un anfiteatro para las grandes citas y una zona ajardinada que daba al cuco escenario donde ver a tu grupo favorito.</p>
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<p>Un público exigente pero agradecido que fue de menos a más durante cada jornada. Lejos de sentir los empujones del festivalero de al lado, Tomavistas se convirtió en un enclave ideal para un ambiente familiar con muy buen rollo y comodidad ante todo, de hecho, tan solo en los conciertos ‘top’ se pudo sentir la presión de la gente. En cuanto a la organización, no hubo colas excesivas –los milagros tampoco existen, obviamente si vas al baño de al lado del escenario cuando termina un concierto, o quieres una cerveza en la barra más cercana, es imposible no esperar algunos minutos– ni para entrar ni para cenar/beber. Quizás, el único pero habría que decirlo en el modo de pago a base de ‘tokens’. Queda decir que los asistentes fueron llegando cuando el sol caía, quizás por el horario laboral de cada uno, y esto se notó en los primeros conciertos del viernes.</p>
<p><strong>VIERNES: Lori Meyers, los verdaderos animales de ciudad</strong></p>
<p>Tomavistas se inició con <strong>Holy Bouncer, White Bats, Los Bengala y Quentin Gas & Los Zingaros</strong> ante un público reducido. Estos últimos, recién llegados de Sevilla mostraron su estilo post-flamenco que fusiona la música popular con la psicodelia de su disco ‘Caravana’. A quienes les dio igual la gente y el horario fueron a Los Bengala que presentaron su álbum ‘Incluso Festivos’ y su “Jodidamente Loco” que hizo rabiar a todos los que se animaron a los primeros conciertos del festival. <strong>Los Nastys</strong> fueron los siguientes en aparecer por el escenario principal, el Escenario Corona, cuando ya el público se iba animando. Los madrileños, con gran apego en la cultura musical de México, guitarrearon su “Never Digas Never” o “No hay Amor en las Calles” de ‘Noche de fantasmas con Los Nastys’. Sus berridos, muy sincronizados con el ruido que conforman su puesta en escena, levantaron a varios de los allí presentes que todavía estaban sentados en los escalones del anfiteatro. Ya sabéis lo que aconsejaron: “Fumar, Beber y Romper”.</p>
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<p>Al Escenario Wegow se subieron la banda francesa <strong>Aquaserge </strong><strong> </strong>para presentar su último álbum ‘Tour du Monde’. Y acto seguido, unas de las esperadas de la jornada, <strong>The Big Moon</strong>. Juliette Jackson lidera este cuarteto que levanta curiosidad entre los melómanos ya que debutaron en abril con ‘Love in the 4th Dimension’. Las londinenses triunfaron con “Bonfire” y “Sucker” con su indie-rock garajero que recuerda a alguna banda española de este mismo calado. <strong>Schwarz</strong> sacaron a relucir ‘Nación Subterránea’, su noveno disco que expusieron en el escenario pequeño del parque. Una antesala industrial que daba señales que esto solo acababa de empezar.</p>
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<p>Ahora sí, el Escenario Corona, lleno. Las diez de la noche, el momento esperado para la mayoría de los festivaleros a un kilómetro a la redonda. Llegaba el turno para <strong>Lori Meyers</strong>. Los granadinos llegaban expuestos a la crítica de su último trabajo, ‘La Espiral’, que presentas algún “hater” que otro. Pero si algo quedó claro desde el principio, es que la banda revienta festivales puede conseguir lo que se proponga. Empezó a sonar “Vértigo I” con una pantalla de luces que tapaba el escenario pero dejaba ver que estaban todos los integrantes de la banda menos Noni. Entonces terminó la canción y allí apareció, con su mostacho de True Detective y sus gafas con cristales rojizos. Sonó “Luces de Neón” como segundo tema y todo se vino arriba. Lori Meyers cogió el ritmo que solo tuvo sobresaltos romanticones con “Todo lo que dicen de ti” u “Océanos”. Fue terminar esta balada cantada por Álex –de las mejores que han hecho– y comenzar el rush final pasando por “Emborracharme”, “Zona de Confort”, “Mi Realidad” y terminando en alza con “Alta Fidelidad”. Apoteósico. Los de Granda anteriormente tocaron su último hit, el pegadizo “Siempre Brilla el Sol”, así como “El Tiempo Pasará” o “Luciernagas y Mariposas”.</p>
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<p>Noni, Álex, Alfredo y compañía se despedían del público madrileño mientras volvía a bajar esa celda de luces con el nombre de Lori Meyers bien grande. Como ellos lo habían dejado con su música, rompiendo cualquier crítica negativa que se haya leído en recónditos lugares.</p>
<p> </p>
<p>La noche cayó, y con ella llegaron las variantes del festival. <strong>C. Tangana</strong> ostentó su suerte y su evolución al estrellato con el Trap que tan de moda se está poniendo en estos últimos tiempos. Dos estilos muy diferentes el que se vivió en el Escenario Corona y el que se quedaba por escuchar en el Wegow, pero que tuvieron el mismo acierto. C. Tangana repasó su EP con bases de Drake donde sobresalieron “Nada” o “C.H.I.T.O.” y también sus trabajos con Rosalia –otra de las nuevas caras que lo están petando en le flamenco–: “Llámame Más Tarde” y “Antes de Morirme” (con la que terminó el bolo). Sus compañeros de Agorazein le ayudaron en los coros y se marcaron el sonado “100K Pasos”. Sobre el escenario, descaro y gran actitud para hacerse con el público que ya estaba entregado cuando sonaron “Espabilao” y “Persiguiéndonos”. No faltó ninguno de los temas que le mantienen en la cima del éxito musical.</p>
<p><strong>Goldfrapp, SVPER y Hercules & The Love Affair</strong> exportaron el electropop al Tomavistas. Los primeros, el dúo inglés, ganaron gran protagonismo ya que era su única fecha en España donde presentaron su nuevo ‘Silver Eye’ que cumple con cualquier expectativa prevista. Alison, con un vestido reluciente, marcó los bailes de los “Ocean”, “Become the One” y las nuevas “Systemagic” y “Anymore”. Los británicos no obviaron el trabajo que les ha costado llegar hasta donde están y cerraron la noche con “Train”, “White Horse” y “Ride” junto a las esperadísimas “Ooh La La” y “Strict Machine”. Todo ello sumergido en un juego de luces y humo que envolvía la preciosa noche de Madrid. Tras ellos, SVPER les siguió la batuta. Los españoles proyectaron ‘Pegasvs’ cerrando el escenario pequeño con “La Melodía del Afilador” y “El Final de la Noche”. Un regreso, muy esperado, de este tecno melancólico. Los estadounidenses Hercules & The Love Affair se encargaron de cerrar la jornada con su dance punk y sonido disco que sirvió de guinda final.</p>
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<p><strong>SÁBADO: Etapón con cima en Temples</strong></p>
<p>El segundo día se presentaba diferente. El sábado permitía que el público se acercase desde el principio al parque situado al lado del planetario, sin embargo, a más de uno se le pegaron las sábanas por lo vivido en la jornada anterior y se perdieron a los <strong>Her Little Donkey</strong> que abrieron el festival. Los que no nos podíamos perder por nada del mundo eran <strong>Cala Vento</strong>. Un horario inexplicable para los catalanes Aleix y Joan. Solo son dos, y con eso se bastan y se sobran, uno a la guitarra y otro a la batería, y ambos conjugan sus voces para sacar cosas como ‘Futuro Panorama’ además de su disco homónimo. Todo comenzó en 2016 y han empezado a girar y a captar la atención con su pop veraniego y su melodía amable que cautiva a todo aquel que le escucha. “Hay Que Arrimar”, “Historias de Bufanda” y “Sin Apenas Conocernos” fueron sus hits del bolo pero con “Abril”, de su debut, dieron la traca final para un gran comienzo de jornada.</p>
<p> Ya en el Escenario Corona, el grande, los <strong>Rural Zombies</strong> tampoco se explicaban del horario impuesto por la organización. El sol era de justicia y el pequeño grupo de personas allí presente buscaba la sombra mientras Julia, Marcos y compañía tocaban su disco ‘Bat’. “Golden”, “Stones”, “Fall” e incluso una versión de “In For The Kill” de La Roux plasmaron la calidad de los de Zestoa. En el escenario paralelo comenzaba el show de los estrafalarios <strong>Alien Tango</strong>. Con pantalón dorado y camiseta roja salía Aitite. A su lado estaban Guardabosques, Oso Peligro y El Verdadero. Irreverentes hasta en los nombres, supieron jugar con sus errores y sacar más de una carcajada al público mientras esparcían su “drone electrolatino” de ‘Supernatural Mango’. Los ritmos orientales y psicodélicos causaron furor con “Happy Family” y “Honey”. Tras ellos, llegó el susto del festival. Los navarros <strong>Kokoshca</strong> solo pudieron tocar un tema ya que decidieron cancelar su actuación por un mareo del batería. Tras unos minutos de incertidumbre, y ayudados por las asistencias médicas y otros artistas como Anntona, los de Pamplona abandonaron el escenario principal donde no pudieron tocar su nuevo trabajo ‘Algo Real’.</p>
<p>Llegó el momento de dos bandas femeninas que están creciendo a marchas forzadas. <strong>Las Odio</strong> primero y posteriormente Mourn. Las primeras, con su pop feminista que plasman en su trabajo ‘Futuras Esposas’ reinaron en el Wegow cuando tocaron “Indiespañol”, “Vitaminas”, “Yo lo vi primero” o “Blackout”. Divertidas como siempre, se hicieron con el público. En el mismo escenario, las jóvenes <strong>Mourn </strong>se acercaron al sonido perfecto con su disco homónimo llegando a las altas cotas de “Otitis” y “Your Brain is Made of Candy”.</p>
<p>Entre medias <strong>Los Punsetes</strong> hacían suyo el escenario principal. Ariadna, ataviada como una menina, permanecía impasible cantando los exitazos de la banda. “Tus Amigos”, “Me gusta que me pegues”, “Opinión de Mierda” o “Maricas” se entrelazaban con los temas de su nuevo elepé ‘¡VIVA!’. El publico vibró con “Tu Puto Grupo”, “Mabuse” o el pripio “¡Viva!”. Una bofetada de realidad de este grupo que apuñala con sus letras con alto mensaje de lo que realmente pasa en la sociedad. Anntona y los suyos se llevaron una muy buena opinión de un Parque Enrique Tierno Galván que ya estaba en pleno auge.</p>
<p>Tras ellos. Los esperadísimos <strong>León Benavente</strong>. Abraham Boba salió con su banda con paso firme, como tanto le caracteriza. El líder de la banda es el dueño del escenario cuando sale y se come al público, literal. Saltaron al Escenario Corona con “Tipo D” de su discazo ‘2’ y gritaron ante todos lo que es la “Gloria”. “La Ribera”, “California”… todo fluyó mientras Abraham se crecía entre baqueta al cielo y baqueta al suelo. Todo orquestado, acostumbrados a triunfar, rescataron temas de su nuevo EP ‘En la Selva’ y triunfaron con “Ánimo, Valiente” y “Ser Brigada”. Ésta última, de su disco homónimo de 2013, tuvo como actrices protagonista a Las Odio que bailaron y cantaron este temazo que está en la lista de cualquier amante de la música.</p>
<p>Tras <strong>Baywes</strong> llegaron los grupos internacionales. <strong>The Horrors</strong> describieron a la perfección lo que es un concierto con calidad. “Who Can Sa<em>y</em>” de su ‘Primary Colours’ dio comienzo a uno de los mejores momentos del fin de semana y que llevó a todo el público a disfrutar del post-punk de los británicos. “Scarlet Fields” y “Sea Within a Sea”, dieron paso a “Mirror’s Image” para desembocar en el esperado “Still Life” de su LP de 2011, ‘Skying’. El público se quedó sin unos de los temas de la banda, “So Now You Know”, pero vivió uno de los momentos que seguro que recordarán durante mucho tiempo.</p>
<p> </p>
<p><strong>Aries</strong> dio el respiro para la llega de <strong>Temples</strong>. La cima de la noche. Vestidos al rollo Bob Dylan presentaban en Madrid el ‘Volcano’ que ha coronado allí por donde han pasado. La banda de rock medio psicodélico de Inglaterra tiñó de luces el anfiteatro que rodeaba el escenario y brindaton a la noche madrileña los jugosos<em> “</em>Certainty” y “Strange Or Be Forgotten”. Asimismo “Mystery of Pop” y<em> </em>“Roman God Like Man” sirvieron para entrar en el disco con el que llegaron al estrellato, ‘Sun Structures’, o lo que es lo mismo, a su gran hit, “Shelter Song” sin obviar “Mesmerise” y “A Question Isn’t Answered” que fueron el broche final a un bolazo.</p>
<p>En el escenario secundario los <strong>Delorean</strong> pusieron el rumbo a lo electrónico. “Deli” sonó a la mitad de concierto pero potenciaron su trabajo ‘Muzik’ con la canción que da nombre al disco o con “Epic”. “Stay Close” y “Destitute Time” nombraron reyes de la noche a estos chicos de Zarautz que están más que acostumbrados a levantar esas almas en pena que vagan por el público tras un largo día de festival. <strong>Suuns</strong> prosiguieron su trabajo. Los canadienses arrancaron los últimos bailes con su mítico “2020”.</p>
<p><strong>DOMINGO: Un Montefusco popular y la psicodelia de Rufus T. Firefly</strong></p>
<p>El tercer día de festival se notó en las piernas y también en el público. Un ambiente más reducido pero igual de familiar se amontonó para vivir esta jornada más diaria que otra cosa. <strong>My Expansive Awareness</strong>, que todo el mundo les cataloga como muy parecidos a Tame Impala, fueron los encargados de abrir la mañana. <strong>Pavvla, Cómo Vivir en el campo, Dani Llamas</strong> (que sustituyó a Triptides), <strong>Atención Tsunami, Las Robertas, Morgan y Jeremy Jay</strong> sufrieron en sus carnes la jornada matutina. Merece destacar a Pavvla como una verdadera promesa, a Cómo Vivir en el Campo que desplegaron su ‘CVEEC 3’ ante el público y Atención Tsunami y su ‘Silencio en la Retaguardia’ que brilló por si solo cuando tocaron “La Ira de Kaplan”.</p>
<p>Fue entonces cuando llegó el momento de <strong>Enric Montefusco</strong> y su banda. El ex de Standstill se ha vuelto cercano mucho más popular y el mejor ejemplo es escuchar su ‘Meridiana’. Enric supo interactuar con el público, ya mucho más presente, y jugar con los instrumentos de sus compañeros de escenario. Tan pronto era un violín como una enorme tuba. “Todo Para Todos” sonó demasiado pronto, algo sospechoso, y le siguió “Meridiana”, “Buenas Noches”, “Uno de Nosotros” y el irónico “Flauta Man”, donde incluso el cantante explicó que lo que decía es más sarcasmo que otra cosa. Una crítica a la sociedad que llega al corazón. Para los nostálgicos llegaron los temas de Standstil, “Adelante, Bonaparte” y “¿Por qué me llamas a estas horas”, con los que Montefusco exhibió su calidad de voz que hizo desgarrar más de un aliento. Sin embargo, el bueno de Enric tenía una sorpresa guardada y cuando todo acabó se bajó al centro del público e interpretó, de nuevo, “Todo Para Todos”. Una joya que relució en el festival.</p>
<p> <strong>Fuckaine</strong> fue el concierto chocante de la jornada. Con sampleos de los Cazafantasmas y de las Spice Girls supo sacar más de una sonrisa al público. “Whistle”, “Ode to Repetition” y “Expo 92” de su trabajo ‘Pizza Valentine’ sonaron entre las bromas de su cantante que tuvo la ayuda de la banda Alien Tango –grupo presente durante todo el festival–.</p>
<p>En ese mismo escenario secundario fue el turno de <strong>Rufus T. Firefly</strong>. Víctor Cabezuelo y Julia Martín-Maeso fueron un show para los que no les conocían y una delicia para todos sus fans. Los de Aranjuez primero dieron las gracias al Tomavistas por pensar en ellos tras la baja de Egon Soda y luego dieron una clase magistral de psicodelia y pop. La ‘Magnolia’ floreció ante los ojos de todos los presentes, entre ellos Pucho de Vetusta Morla o Martí Perarnau IV de Mucho, que permanecían estupefactos ante un gran bolo. Desde el “Halcón Milenario”, pasando por “O”, “Tsukamori”, “Pulp Fiction” hasta la “Última Noche en la Tierra”, Rufus brindó lo mejor que te pueden dar, su psicodelia. Centrados en plasmar a la perfección su apasionante disco –quizás de lo mejor en este 2017– pasaron de puntillas por su trabajo anterior ‘Nueve’ con “El problemático Winston Smith” para acabar con “Magnolia” y “Rio Wolf”. No puedo dejar de mencionar “Nebulosa Jade” que es, como dice el propio cantante, la canción de amor más friki jamás escrita. Si en dicho tema mencionan la psicodelia de Pink Floyd, quizás llegue un momento que algún grupo lo digan por ellos. Sin duda, Rufus T. Firefly se llevo una sonada ovación del público.</p>
<p><strong>The New Raemon & McEnroe</strong> surcaban el escenario principal con ‘Lluvia y Truenos’. Ramón y Ricardo mantuvieron la calma durante el concierto pero desmembraron a la perfección su última edición. Juntos son un súper grupo y se complementan dignamente con la diferencia de voces –la armónica voz del catalán y el ronco Ricardo Lezón– que hay entre ambos. “Gracia” explicó un paseo de Ricardo por la ciudad de Barcelona, “Montaña” y “Malasombra” fueron de las más cantadas, al igual que los temas propios de McEnroe que cantaron los dos integrantes de esta unión. Ramón pidió perdón por si estropeaba “La Carta” o “Caballos y Palmeras” pero lo cierto es que quedó perfecta en el setlist de este festival.</p>
<p>El tramo final fue para <strong>Airbag</strong> con su trabajo ‘Gotham te Necesita’ donde plasmó “Gotham” y “Todo está Bien”, así como las antiguas “22” y “Nueva York”. La batuta la recogió <strong>Polock</strong>. Los jóvenes valencianos, mucho más frescos, se hicieron con un cansado público. Su reciente ‘Magnetic Overload’ fue la base del concierto donde sobresalió “Oh I Love You” o “Best Friend” pero donde también rescataron su últimos trabajos ‘Rising Up’ y ‘Getting Down From the Trees’. El público y la banda se entrelazaron en el penúltimo bolo de esta edición, casi dejando entre ver, que todavía había ganas de más festival. Esa morriña que te entra cuando no quieres que termine algo en lo que disfrutas.</p>
<p>La llave de cierre fuer para <strong>L.A.</strong> Luis Alberto y su banda triunfa allí por donde va y aquí hizo lo mismo. Un final digno para un festival que triunfa a pasos agigantados. El mallorquín presentó su último trabajo, casi todavía en el horno, ‘King of Beasts’. No faltaron “Stop The Clocks” ni “Living by the Ocean”, verdaderas joyas de sus anteriores discos. Las preciosas “Helsinki”, “Wind”, “Leave It All Behind” o “Turn the Lights On” plasmaron un escenario ideal de cierre.</p>
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<p>El principal objetivo de Biznaga era exponer su ‘Sentido del Espectáculo’ (Sloveny Recordings, 2017) que está revolucionando las salas por donde pisan. Sincronizados a más no poder, y con la sala en pleno auge, arrancaron sin dar tregua. “A Tumba Abierta”, “Arte Bruto” y “Oficio de Tinieblas” fueron parte de su carta de presentación, todo de su nuevo elepé, pero la banda también repasó varios temas de su debut ‘Centro Dramático Nacional’ (2014). “Cul de Sac”, “Fiebre” o “Maldita mi Estampa” sin obviar “Maquinas Blandas” y “Las Brigadas Enfadadas” que retumbaron en los tramos finales del bolo.</p>
<p>Un cuenta gotas de punk que revoloteó por un público que desde el principio se entregó a modo de pogos. Desde el momento en el que subieron al escenario no dieron descanso a los oídos incluso permitiendose el lujo de fusionar su música con la de Juana Chicharro –invitada especial en la lluviosa noche madrileña– con el tema “Los Duelistas” que forma parte del primer trabajo de Biznaga.</p>
<p><img src="/files/images/resize/640x1000_biznaga29689.jpeg" alt="640x1000_biznaga29689.jpeg" /></p>
<p>Nadie sabe donde estaba el ecuador del bolo y es que el ritmo frenético que exprimían Álvaro y los suyos hacía invitar que el concierto podría explotar en cualquier momento. Con el estilo jacobino de “Una Nueva Época del Terror” llegó el frenesí a la Sala El Sol que se constató siguiendo la vía de “Los Cachorros”, “Héroes del No” y “Nigredo”. Sin azar, sin bises, sin seguir ningún canon, Biznaga activó la bomba final con “Jóvenes Ocultos” que empatizó con el público por el rincón especial de Madrid donde nos encontrábamos.</p>
<p>La bomba final fue con sus esperados “Mediocridad y Confort” y “Una Ciudad Cualquiera”. Nada más que decir, solo aplaudir. El público acabó exhausto y la banda como llegó. Una completa exhibición de frescura y ruido constante en un “setlist” donde repasaron su LP de presentación y su posterior disco de ostentación. Una hora exacta de electroshock de este “rock punkero” que ya ha llegado muy alto pero que sigue demostrando que no tiene techo.</p>',
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<p>Así, bajo esta premisa, este 12 de Mayo arranca su primera gira en teatros y auditorios bajo el paraguas de su personal proyecto musical "Robe” que iniciase en solitario el verano de 2013 y bajo el que ha editado los discos, <strong><em>Destrozares, canciones para el final de los tiempos</em></strong><span class="txt_respuesta"> ( dromedario records2016)</span> y <strong><em>Lo que aletea sobre nuestras cabezas</em></strong><span class="txt_respuesta"> (2015). </span><strong>"Robe. Bienvenidos al temporal" Gira 2017 </strong>tendrá una primera parte, denominada "Ponte a cubierto", con conciertos en teatros y auditorios de toda España, espacios con aforos de unas 1.500 personas para <strong><span class="txt_respuesta">" poder degustar la poesía de robe”</span> </strong>Posteriormente Robe se subirá a los escenarios en una segunda parte que se desarrollara en recintos con capacidad para 3.000 o 4.000 personas en los que el público podrá <strong><span class="txt_respuesta">“sudar toda la energía e ironía del extremeño"</span></strong>. En ambos planteamientos Robe tocará sus dos discos en solitario acompañado por sus músicos habituales de este proyecto: Carlitos Pérez (violín, bajo y voces), David Lerman (bajo, saxo, clarinete y voces), Lorenzo González (voces) y Álvaro Rodríguez Barrroso (piano, teclados y acordeón), además de el batería Alber Fuentes.</p>
<p> </p>
<p><img src="/files/images/resize/640x1000_bienvenidos-al-temporal-primer-55139.jpeg" alt="640x1000_bienvenidos-al-temporal-primer-" /></p>
<p>Para la primera parte se han confirmado trece conciertos, desde la que arranca este 12 de mayo en el teatro Miguel Delibes de <strong>Valladolid</strong>, seguidos de <strong>Pamplona </strong>(Baluarte, día 13), <strong>Valencia </strong>(Auditori Les Arts, 19), <strong>Granada </strong>(Palacio de Congresos, 26) y <strong>Cartagena</strong> (Auditorio El Batel, 27). En junio las fechas confirmadas son: <strong>A Coruña</strong> (Palacio de la Ópera, día 2), <strong>Vigo </strong>(Auditorio del Mar, 3), <strong>Barcelona</strong> (Palau de la Música, 12),<strong> San Sebastián </strong>(Auditorio Kursaal, 15), <strong>Zaragoza </strong>(sala Mozart, 16) y <strong>Bilbao </strong>(Palacio Euskalduna, 23). La última fecha de junio será la de<strong> Madrid</strong>, el día 26 en el Teatro Circo Price. Un concierto en el que Robe, el poeta urbano por antonomasia sin pelos en la lengua, ha estado a punto de celebrar en el Teatro Real de Madrid.</p>
<p>En septiembre, destaca el 8, Día de Extremadura, en el que Robe será profeta en su tierra en un concierto en el <strong>Teatro Romano de Mérida</strong>, "el garito más guapo y más antiguo de Extremadura", como dice uno de sus músicos, Alber Fuentes (batería y voces).</p>
<p> </p>
<p><iframe src="http://www.youtube.com/embed/up5RUl4l8F0" width="450" height="300"></iframe></p>
<p> </p>
<p> </p>
<p>Un listado de fechas que ofrece la oportunidad de ver a Robe bajo las luces de un formato más íntimo, cercano y personal, y que cuenta con el aliciente de la exclusividad pues Robe no tocará en ningún festival de música. Y es que aunque los temas de sus dos discos bajo el “Robe” son canciones mas pausadas e íntimas, sobre todo si las comparamos con las compuestas para los discos con Extremoduro, la gira <strong>"Bienvenidos al temporal" </strong>es sin duda toda una declaración de intenciones buscando el espacio y momento perfecto para que los temas que conforman, <strong><em>Destrozares, canciones para el final de los tiempos</em></strong> ( dromedario records2016) y <strong><em>Lo que aletea sobre nuestras cabezas</em></strong> (2015) sean fuente de emociones generadas a partir de la personalidad transgresiva e inconformista de Robe, capaz de removerte las entrañas como un temporal capaz de arrasar cualquier prejuicio.</p>
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<p><img src="/files/images/resize/640x1000_-bjork57884.jpeg" alt="640x1000_-bjork57884.jpeg" /></p>
<p>Del 14 de junio al 24 de septiembre la exposición “Björk Digital” podrá visitarse en el Centre de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB). La muestra presenta los trabajos digitales y de vídeo resultantes de las colaboraciones de la icónica artista islandesa con algunos de los mejores artistas visuales y programadores del mundo.</p>
<p>Con la Realidad Virtual como protagonista fundamental, en la exposición se mezclan performance, cine, instalación, video e interacción.</p>
<p>El exclusivo DJ Set de Björk para la Noche Inaugural de Sónar 2017 del miércoles 14 de junio en Fira Montjuïc, que requiere entrada a parte, redondea la programación musical del festival, que contará con más de 140 actuaciones repartidas en 9 escenarios entre Sónar de Día y Sónar de Noche.</p>
<p><iframe src="http://player.vimeo.com/video/123162697?title=1&byline=1&portrait=0&color=89A3AF" width="450" height="300"></iframe></p>
<p>+ info: <a href="//sonar.es">sonar.es</a></p>',
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<p>En estos dos espacios los asistentes podrán descubrir cómo la tecnología mejora el día a día del hogar.El salón Home Gallery TV, creado por Guille García-Hoz, se configura comoun espacio que evoca los años dorados de Hollywood al más puro estilo Art Decó con dos tipos de ambientes diferenciados, en el primero de ellos el protagonista es el televisor QLED TV, que arroja luz y color a un salón repleto de mobiliario de sinuosas y elegantes formas.</p>
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<p>La segunda zona está compuesta por comedor y bar-galería, donde el nuevo televisor de diseño The Frame recuerda el ambiente de una moderna pinacoteca gracias al modo Art que transforma el televisor en una obra de arte incluso cuando está apagado, permitiendo emitir piezas artísticas en su fondo en lugar defundir a negro. Por su parte Beatriz Silveira firma el espacio de la cocina, que bajo elnombre Trendy Kitchen configura un espacio de confort del que afirma que “cuando se aúnan estilo, clase y funcionalidad al más alto rendimiento tecnológico consigues la estancia perfecta para empezar a crear los mejores momentos en la estancia más vivida de la casa”. Equipada hasta el último detalle.</p>
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<p>Samsung Home podrá visitarse en el espacio de Casa Decor hasta el 18 de junio.</p>',
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<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. Una decisión así se toma porque es lo mejor.</span> <span class="txt_respuesta">Enric Montefusco. Ha sido liberador y oxigenante, de hecho estoy muy contento. Hay siempre una parte de riesgo pero tal como he planteado mi carrera profesional estoy acostumbrado a asumir riesgos y tengo confianza como siempre he tenido. Es un buen momento.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. Aún así, el proceso creativo es similar.</span> <span class="txt_respuesta">Enric Montefusco. En ese sentido no me he liberado ya que antes también componía, producía y llevaba el sello pero ahora puedes redefinir absolutamente todo, no tienes el peso del pasado, puedes elegir con quien trabajas en cada ámbito. Es una posibilidad de oxigenar todo y redefinir los horizontes y la ilusión. Todos vamos evolucionando poco a poco a medida que las experiencias nos van enseñando cosas. Supongo que habré aprendido alguna de mi antigua etapa en STANDSTILL pero no más que entre etapa y etapa del grupo. Es un crecimiento permanente y en este momento pasaba por cambiar un poco de paraguas y de nombre.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. MERIDIANA es la calle donde creciste.</span> <span class="txt_respuesta">Enric Montefusco. He querido dar el valor simbólico de todo el entorno con el que me crucé, entorno que me presentó la manera de aproximarme a las cosas más importantes. Me gusta opinar sobre esa cultura que nos ha tocado, no sólo a mí y no sólo a los barrios populares, sino a todo el mundo.</span></p>
<p> </p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. El disco tiene un fondo reivindicativo e intenta protestar por cosas como la infancia y los problemas generacionales.</span><span class="txt_respuesta"> Enric Montefusco. He tomado más conciencia respecto a lo que hemos recibido en casa, en la televisión, y en la escuela cuando uno es pequeño y cómo podían haber cambiado las cosas para cada uno y la sociedad si se hubiera hecho de otra manera. Eso me lleva al terreno de lo social y lo político de una manera más explicita quizás que antes aunque siempre ha habido un componenete de fondo reivindicativo en mi trabajo. Ahora siento que he ganado un grado de conciencia, al poder hablar desde un poquito más lejos, al menos de lo que me ha pasado a mi. Me apetece compartir mis vivencias y ser útil. Estoy en un momento profesional en el que mi objetivo no son proyectos "espectaculares" o "impresionantes", me apetece simplemente hacer cosas que sirvan a los demás, que ayuden a otras personas a tener la mejor perspectiva de las situaciones y tomar las mejores decisiones</span>.</p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. "Todo Para Todos" entra en la estética de la música popular.</span><span class="txt_respuesta"> Enric Montefusco. Cuando empecé a ver con qué temática me salían las canciones, empecé a pensar qué instrumentación podía utilizar para ser un poco coherente y encontrar algo que ayudara a transmitir, y me resultaba mucho más lógico emplear la estética de la música popular que la del pop-rock o indie, o coral como hice con el último de STANDSTILL.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. Desde la icónica imagen de portada hasta "Flauta Man" son el mejor ejemplo del significa que busca en disco</span>.<span class="txt_respuesta"> Enric Montefusco. Son ejemplos, con un poco de ironía, de cosas que nos enseñaron y no han servido para nada o incluso nos han jodido. Nos han presentado las cosas más importantes de la vida de una manera equivocada. Hay alguien que le interesa que aprendamos a producir y comprar de este modelo de sociedad que no tiene a nada más que eso</span>.</p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. "El Riu de L'oblit", "Obra Maestra", "Uno de Nosotros"… van cambiando los registros</span>. <span class="txt_respuesta">Enric Montefusco. Intento transmitir un posicionamiento respecto a un tipo de temática más o menos cerrada y claro cuando me acerco a eso pues hay cosas que me generan alegría y otras que me dan ganas de llorar.</span></p>
<p>Í<span class="txt_pregunta">ñigo Renedo. "Adiós" llama a recoger todas las cosas dañinas para tirarlas a una hoguera</span>.<span class="txt_respuesta"> Enric Montefusco. No es un reproche, de hecho creo que es una canción positiva en el sentido de que todos somos esclavos de lo que nos ha marcado desde que somos pequeños. Invito a celebrar que le estás diciendo adiós y tu vida está por inventarse</span>.</p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. En sus discos siempre busca una luz al final pero ni él consigue borrar los augurios.</span><span class="txt_respuesta"> Enric Montefusco. Eso no se puede hacer. Uno ni está completamente destruido ni está completamente curado. Es un trayecto que no se acaba nunca y que va pasando por etapas diferentes. Muchas veces uno está triste pero es importante no tener miedo a mirar ahí dentro. Me gustaría pensar que mis discos aportan un ánimo para que seamos todos más valientes para reconocer que se ha hecho mal y no repetir los errores.</span> <span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. MERIDIANA tiene una percusión muy presente</span>.<span class="txt_respuesta"> Enric Montefusco. En DENTRO DE LA LUZ (Buena suerte/Sony, 2013) de STANDSTILL había como bastante percusión. Con el tiempo me ha ido interesando menos la electricidad y la "caña" pasada por el rollo del rock pero a la vez siempre me ha gustado la potencia, catarsis y energía que da la percusión.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. Todo esto se hará uno en el Festival Tomavistas el 21 de mayo donde encabeza la jornada.</span> <span class="txt_respuesta">Enric Montefusco. Tengo ganas de poner este repertorio y estas canciones en el registro de festivales porque creo que encaja. Tiene un tono popular y festivo, que aunque tenga mala leche, en el fondo hay cierta reivindicación de lo popular y eso encaja en el formato de festival. Haber buscado un lenguaje popular, no exclusivo que sólo podrían entender ciertas personas con cierto bagaje cultural, y comunicar una serie de cosas que puedan llegar a cualquier persona me aproxima a todo el mundo.</span> </p>
<p><span class="txt_respuesta txt_pregunta">Íñigo Renedo. Un directo que se escapa de los espectáculos escénicos pero que mantiene canciones como "¿Por Qué Me Llamas a Estas Horas?" y "Adelante Bonaparte (I)" de la anterior banda o la versión de "Todo es Mentira" de ALBERT PLA</span><span class="txt_pregunta">.</span> <span class="txt_respuesta">Enric Montefusco. Nunca he vivido del pasado y ahora menos, pero obviarlo y negarlo como si eso no hubiera ocurrido tampoco me parecía normal. Decidí incorporar unas pocas canciones al repertorio porque aportan bastante y estamos consiguiendo un directo muy potente.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. Uno de los problemas de esta sociedad es la falta de empleo.</span><span class="txt_respuesta"> Enric Montefusco. Está tan mal que habría que tirarlo todo abajo y empezar de nuevo. No se puede coger sólo una parte e intentar mejorar solo los salarios, las condiciones… Habría que empezar de cero. Está todo planteado según unos parámetros que para mí no son los válidos. Sería un debate muy complejo, pero empezaría por la cultura y la educación que son los únicos capaces de ver la sociedad desde fuera y redefinirla. Mientras en la escuela se siga enseñando lo que se enseña y como se enseña, no va a cambiar nada</span>.</p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. El auge de Trump y Le Pen tampoco es alentador.</span> <span class="txt_respuesta">Enric Montefusco. Es evidente que el mundo de fantasía que se había generado era mentira y es ahora cuando se empieza a saber que en el fondo había otra realidad. Ahora hay dos caminos, o encrudecer la situación y volver a cosas peores como el fascismo o ir para otro lado e intentar definir las cosas desde el amor y la fraternidad y no desde el beneficio material que al final ha sido el gran mal</span>. <span class="txt_respuesta txt_pregunta">Íñigo Renedo. Los valores de MERIDIANA y su lenguaje popular esperan a todos en <a href="http://www.tomavistasfestival.com/">Tomavistas.</a></span></p>
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<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. Una decisión así se toma porque es lo mejor.</span> <span class="txt_respuesta">Enric Montefusco. Ha sido liberador y oxigenante, de hecho estoy muy contento. Hay siempre una parte de riesgo pero tal como he planteado mi carrera profesional estoy acostumbrado a asumir riesgos y tengo confianza como siempre he tenido. Es un buen momento.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. Aún así, el proceso creativo es similar.</span> <span class="txt_respuesta">Enric Montefusco. En ese sentido no me he liberado ya que antes también componía, producía y llevaba el sello pero ahora puedes redefinir absolutamente todo, no tienes el peso del pasado, puedes elegir con quien trabajas en cada ámbito. Es una posibilidad de oxigenar todo y redefinir los horizontes y la ilusión. Todos vamos evolucionando poco a poco a medida que las experiencias nos van enseñando cosas. Supongo que habré aprendido alguna de mi antigua etapa en STANDSTILL pero no más que entre etapa y etapa del grupo. Es un crecimiento permanente y en este momento pasaba por cambiar un poco de paraguas y de nombre.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. MERIDIANA es la calle donde creciste.</span> <span class="txt_respuesta">Enric Montefusco. He querido dar el valor simbólico de todo el entorno con el que me crucé, entorno que me presentó la manera de aproximarme a las cosas más importantes. Me gusta opinar sobre esa cultura que nos ha tocado, no sólo a mí y no sólo a los barrios populares, sino a todo el mundo.</span></p>
<p> </p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. El disco tiene un fondo reivindicativo e intenta protestar por cosas como la infancia y los problemas generacionales.</span><span class="txt_respuesta"> Enric Montefusco. He tomado más conciencia respecto a lo que hemos recibido en casa, en la televisión, y en la escuela cuando uno es pequeño y cómo podían haber cambiado las cosas para cada uno y la sociedad si se hubiera hecho de otra manera. Eso me lleva al terreno de lo social y lo político de una manera más explicita quizás que antes aunque siempre ha habido un componenete de fondo reivindicativo en mi trabajo. Ahora siento que he ganado un grado de conciencia, al poder hablar desde un poquito más lejos, al menos de lo que me ha pasado a mi. Me apetece compartir mis vivencias y ser útil. Estoy en un momento profesional en el que mi objetivo no son proyectos "espectaculares" o "impresionantes", me apetece simplemente hacer cosas que sirvan a los demás, que ayuden a otras personas a tener la mejor perspectiva de las situaciones y tomar las mejores decisiones</span>.</p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. "Todo Para Todos" entra en la estética de la música popular.</span><span class="txt_respuesta"> Enric Montefusco. Cuando empecé a ver con qué temática me salían las canciones, empecé a pensar qué instrumentación podía utilizar para ser un poco coherente y encontrar algo que ayudara a transmitir, y me resultaba mucho más lógico emplear la estética de la música popular que la del pop-rock o indie, o coral como hice con el último de STANDSTILL.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. Desde la icónica imagen de portada hasta "Flauta Man" son el mejor ejemplo del significa que busca en disco</span>.<span class="txt_respuesta"> Enric Montefusco. Son ejemplos, con un poco de ironía, de cosas que nos enseñaron y no han servido para nada o incluso nos han jodido. Nos han presentado las cosas más importantes de la vida de una manera equivocada. Hay alguien que le interesa que aprendamos a producir y comprar de este modelo de sociedad que no tiene a nada más que eso</span>.</p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. "El Riu de L'oblit", "Obra Maestra", "Uno de Nosotros"… van cambiando los registros</span>. <span class="txt_respuesta">Enric Montefusco. Intento transmitir un posicionamiento respecto a un tipo de temática más o menos cerrada y claro cuando me acerco a eso pues hay cosas que me generan alegría y otras que me dan ganas de llorar.</span></p>
<p>Í<span class="txt_pregunta">ñigo Renedo. "Adiós" llama a recoger todas las cosas dañinas para tirarlas a una hoguera</span>.<span class="txt_respuesta"> Enric Montefusco. No es un reproche, de hecho creo que es una canción positiva en el sentido de que todos somos esclavos de lo que nos ha marcado desde que somos pequeños. Invito a celebrar que le estás diciendo adiós y tu vida está por inventarse</span>.</p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. En sus discos siempre busca una luz al final pero ni él consigue borrar los augurios.</span><span class="txt_respuesta"> Enric Montefusco. Eso no se puede hacer. Uno ni está completamente destruido ni está completamente curado. Es un trayecto que no se acaba nunca y que va pasando por etapas diferentes. Muchas veces uno está triste pero es importante no tener miedo a mirar ahí dentro. Me gustaría pensar que mis discos aportan un ánimo para que seamos todos más valientes para reconocer que se ha hecho mal y no repetir los errores.</span> <span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. MERIDIANA tiene una percusión muy presente</span>.<span class="txt_respuesta"> Enric Montefusco. En DENTRO DE LA LUZ (Buena suerte/Sony, 2013) de STANDSTILL había como bastante percusión. Con el tiempo me ha ido interesando menos la electricidad y la "caña" pasada por el rollo del rock pero a la vez siempre me ha gustado la potencia, catarsis y energía que da la percusión.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. Todo esto se hará uno en el Festival Tomavistas el 21 de mayo donde encabeza la jornada.</span> <span class="txt_respuesta">Enric Montefusco. Tengo ganas de poner este repertorio y estas canciones en el registro de festivales porque creo que encaja. Tiene un tono popular y festivo, que aunque tenga mala leche, en el fondo hay cierta reivindicación de lo popular y eso encaja en el formato de festival. Haber buscado un lenguaje popular, no exclusivo que sólo podrían entender ciertas personas con cierto bagaje cultural, y comunicar una serie de cosas que puedan llegar a cualquier persona me aproxima a todo el mundo.</span> </p>
<p><span class="txt_respuesta txt_pregunta">Íñigo Renedo. Un directo que se escapa de los espectáculos escénicos pero que mantiene canciones como "¿Por Qué Me Llamas a Estas Horas?" y "Adelante Bonaparte (I)" de la anterior banda o la versión de "Todo es Mentira" de ALBERT PLA</span><span class="txt_pregunta">.</span> <span class="txt_respuesta">Enric Montefusco. Nunca he vivido del pasado y ahora menos, pero obviarlo y negarlo como si eso no hubiera ocurrido tampoco me parecía normal. Decidí incorporar unas pocas canciones al repertorio porque aportan bastante y estamos consiguiendo un directo muy potente.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. Uno de los problemas de esta sociedad es la falta de empleo.</span><span class="txt_respuesta"> Enric Montefusco. Está tan mal que habría que tirarlo todo abajo y empezar de nuevo. No se puede coger sólo una parte e intentar mejorar solo los salarios, las condiciones… Habría que empezar de cero. Está todo planteado según unos parámetros que para mí no son los válidos. Sería un debate muy complejo, pero empezaría por la cultura y la educación que son los únicos capaces de ver la sociedad desde fuera y redefinirla. Mientras en la escuela se siga enseñando lo que se enseña y como se enseña, no va a cambiar nada</span>.</p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. El auge de Trump y Le Pen tampoco es alentador.</span> <span class="txt_respuesta">Enric Montefusco. Es evidente que el mundo de fantasía que se había generado era mentira y es ahora cuando se empieza a saber que en el fondo había otra realidad. Ahora hay dos caminos, o encrudecer la situación y volver a cosas peores como el fascismo o ir para otro lado e intentar definir las cosas desde el amor y la fraternidad y no desde el beneficio material que al final ha sido el gran mal</span>. <span class="txt_respuesta txt_pregunta">Íñigo Renedo. Los valores de MERIDIANA y su lenguaje popular esperan a todos en <a href="http://www.tomavistasfestival.com/">Tomavistas.</a></span></p>
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<p> Ruido chirriante pero con sentido, letras que te golpean en la frente como una “pesadilla que se hace realidad” y un toque pesimista y decadente, dan nombre a su segundo trabajo que ya está pegando gritos por todo España. Biznaga dará una dosis de su ‘Sentido del Espectáculo’ en –como bien dicen ellos– “Una ciudad cualquiera” no, MADRID. El 12 de mayo la capital vibrará con sus nuevos éxitos como la nombrada en la anterior línea además de “Mediocridad y Confort”, “Jóvenes Ocultos”, “Nigredo” y “Tumba Abierta” entre otros. No faltará “Maquinas Blandas” o “Divino Fracaso” de su álbum que les llevo del anonimato a llenar salas como harán en esta ocasión.</p>
<p> La Sala El Sol estará hasta la bandera para codearse con esta banda dará cuchillazos de realidad junto a los madrileños Obediencia. Otra banda de punk que tendrá los honores de caldear el ambiente y que expondrá ‘El Ángel Exterminador’. Un noche fantasmagórica y cimbreante la que se vivirá “a la altura de Gran Vía”. Epifanías.</p>
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<p> Kiddy Smile, Total Freedom, Bad Gyal, Deena Abdelwahed o DJ Florentino son algunos de sus nombre propios.</p>
<p>+ info: <a href="https://sonar.es/">sonar.es</a></p>
<p><iframe src="http://player.vimeo.com/video/207253658?title=1&byline=1&portrait=0&color=89A3AF" width="450" height="300"></iframe></p>
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<p>Para ser capital europea, Lisboa no es una ciudad especialmente grande pero se mantiene viva 24/7, los 365 días del año gracias a su vida nocturna, ERASMUS y actividades culturales. Pero el verano transforma todavia más a la ciudad y de la “calma” pasamos a la locura. Verdaderas y auténticas masas de extranjeros acuden a su cita con el Nos Alive, el Super Bock Super Rock o con los Brunch Electronik Lisboa.</p>
<p>Desde hace once años se celebra el Nos Alive en esta ciudad, uno de los mejores festivales de la península ibérica. Sobra decir que a dos meses del evento no queda ni una sola entrada diaria o abono completo. Del 6 al 8 de julio, Lisboa va a estar llena de gente en búsqueda de buena música y con muchas ganas de fiesta. </p>
<p>Este dato no resulta sorprendente esto si dedicamos un minuto a observar el cartel. Este festival es la excepción pone a prueba la regla de todos los festivales:</p>
<p>Este año han hecho una apuesta por todo lo alto y se han olvidado de los aperitivos, podríamos compararlo con una típica comida de domingo en una casa gallega donde se comienza con grandes trozos de empanada y pimientos de padrón y se acaba con un platazo de filloas.</p>
<p><iframe src="http://www.youtube.com/embed/Rh2uNrIgGf4" width="450" height="300"></iframe></p>
<p>El primer día tocarán grandes grupos de las Islas Británicas: The XX, que acaban de publicar un álbum en enero y que también visitarán el Primavera Sound, Bonobo y Alt- J. Creo que no podríamos ser más afortunados ya que a un solo mes del festival, el nueve de junio, Δ publicarásu segundo álbum de estudio. A estos se les suma los compratriotas Blossoms, Glass Animals y Royal Blood. Del otro lado del charco, Ryan Adams, Phoenix, The Weekend. Portugal también tiene su espacio con el grupo You can´t win, Charlie Brown. De momento, Rhye Cierra el cartel.</p>
<p>Este segundo día nos encontrarmos una mayor diversidade geográfica. Los estadounidenses The Kills ofrecerán tres conciertos en Portugal este verano y uno de ellos será en el NOS Alive. A estos les sumamos a Foo Fighters, Local Natives, Courteeners, The Cult, Savages, Wild Beasts, Tiago Bettencourt y Parov Stelar. Warpaint tocará en un festival en Portugal por segunda vez desde el Optimus Alive! de 2012, presentando su tercer trabajo Heads Up, considerado como uno de los grandes trabajos de indie rock de la actualidad.</p>
<p><iframe src="http://www.youtube.com/embed/eu0KsZ_MVBc" width="450" height="300"></iframe></p>
<p>El viernes es como un sueño que no quieres que nunca acabe. Depeche Mode actuará por primera vez en tres años en Algés, Imagine Dragons vuelve a la península, Fleet Floxes está publicando nuevos temas y a ellos se les suma Kodaline, Cage the Elephant, Spoon, The Avalaches, Peaches, Benjamin Booker, Floating Points y The Black Mamba son los confirmados.</p>
<p>Ahora pregunto: ¿entendeis por qué a dos meses no queda ni una sola entrada? Tenemos una gran ciudad con playa, buen tiempo y buena música.</p>
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<p>Melodías tranquilas y arreglos suaves bajo los que subyace una importante carga de crítica social.</p>
<p>No te pierdas el comienzo de su gira el 2 de junio en la sala Rock Palace de Madrid para conocer "El Baile del Verano"...</p>
<p>+ Info: elhombreviento.com</p>
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<p>Con Edu Martínez (teclado) y Víctor Valiente (guitarra) acompañando al tridente llenaron la Fábrica de Tornillos de Miranda de Ebro que presentó un sonido redondo. Alrededor de 600 personas escucharon como Sidonie, muy cómodos sobre el escenario, se volvían a doctorar con su último disco ‘El Peor Grupo del Mundo’. De hecho, así se lo hacen llamar. Pero no se lo creen ni ellos. La armonía entre escenario y público se fraguó desde el minuto uno y reventó a medida que pasaban los temas en un total de dos inmensas horas pasando de puntillas por sus discos más antiguos y no dejándose ningún temazo en el tintero.</p>
<p>La voz de Marc Ros comenzó a afinarse con “Os Queremos”. Un claro reflejo de lo que sienten por sus seguidores que les han aupado hasta lo más alto del panorama nacional. Desde ahí, el concierto cogió un ritmo frenético recordando “Nuestro Baile del Viernes” y “Costa Azul” canción que da nombre a uno de sus primeros discos, “El Bosque” de ‘El Fluido García’ y el esperado “fa, fa, fa, fa, fascinado” de su LP de 2005.Cuando el público coreaba sus hits más viejunos, ellos rememoraban sus seis pasos por Ebrovisión. Sin pausa pero sin prisa se centraron en su nuevo disco salteado por varias pinceladas como “Yo Soy la Crema” así como la historia de amor asincrónico de ‘Sierra y Canadá’. “Hoy es ruido, pero mañana será pop”, cantaban los catalanes y coreaba Miranda. Tampoco se olvidaron de su lado más tierno y amoroso con “En Mi Garganta” y “Por Ti” de ‘El Incendio’.</p>
<p>Sobre el escenario no faltó ningún track de ‘El Peor Grupo Del Mundo’. Describieron como es una ínfima banda con el tema que da nombre a su noveno trabajo, pasaron por las “Carreteras Infinitas” mandando fuerza a sus amigos de Supersubmarina, explicaron que “Los Coches Aún No Vuelan” para terminar todo en un “Fundido a Negro”. Todo esto sin dejarse “Atragantarnos” y “Siglo XX”, además de la cómica “No Sé Dibujar un Perro” con la que se apoyan con una especie de “telepronter” escrito a mano. Además, Axel Pi (batería) y Jes Senra (bajo) se lucieron con un solo que se “escapan del mundo indie” como dijo Marc Ros.Tras hacer la mítica broma de “nos vamos”, volvieron con camisetas que tenían de lema: “El peor cantante/guitarrista/bajista/batería/teclista del mundo”. Y llegó el momento del golpe final. “Instrucciones para Construir un Submarino”, “El Incendio” y la traca final con “Un Día de Mierda”, paseíto incluido entre el público, y “Estáis Aquí”. Inigualables una vez más. Sidonie, como en casa.</p>
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<p>La voz de Marc Ros comenzó a afinarse con “Os Queremos”. Un claro reflejo de lo que sienten por sus seguidores que les han aupado hasta lo más alto del panorama nacional. Desde ahí, el concierto cogió un ritmo frenético recordando “Nuestro Baile del Viernes” y “Costa Azul” canción que da nombre a uno de sus primeros discos, “El Bosque” de ‘El Fluido García’ y el esperado “fa, fa, fa, fa, fascinado” de su LP de 2005.Cuando el público coreaba sus hits más viejunos, ellos rememoraban sus seis pasos por Ebrovisión. Sin pausa pero sin prisa se centraron en su nuevo disco salteado por varias pinceladas como “Yo Soy la Crema” así como la historia de amor asincrónico de ‘Sierra y Canadá’. “Hoy es ruido, pero mañana será pop”, cantaban los catalanes y coreaba Miranda. Tampoco se olvidaron de su lado más tierno y amoroso con “En Mi Garganta” y “Por Ti” de ‘El Incendio’.</p>
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'body_esp' => '<p>Elaboración, variedad, intensidad, experiencia única, descubrimiento e intensidad son los valores de esta tercera edición del Tomavistas que abre las puertas a la etapa estival plagada de festivales. Desde la electrónica al más puro indie-pop español pasando por la apuesta en grupos emergentes de la talla de <span class="txt_pregunta txt_respuesta">Cala Vento, Cómo Vivir en el Campo, Las Odio, Rural Zombies o Atención Tsunami,</span> quienes van ganando adeptos con cada bolo que tocan.</p>
<p> </p>
<p><img src="/files/images/resize/640x1000_las-odio-foto-190261.jpeg" alt="640x1000_las-odio-foto-190261.jpeg" /></p>
<p>No faltarán los granadinos <span class="txt_pregunta txt_respuesta">Lori Meyers</span> que comenzarán a rodar en ‘La Espiral’ así como <span class="txt_pregunta txt_respuesta">León Benavente</span> y <span class="txt_pregunta txt_respuesta">L.A.</span> que sacan a calentar sus nuevos sonidos ante sus seguidores. Los británicos <span class="txt_pregunta txt_respuesta">Temples</span> gobernarán el sábado con su nuevo ‘Volcano’, seguidos de cerca por <span class="txt_pregunta txt_respuesta">The Horrors.</span></p>
<p><iframe src="http://www.youtube.com/embed/h6zdVaAe0OE" width="450" height="300"></iframe></p>
<p> </p>
<p>Si la letra grande del cartel es enorme, complementada con la presencia de unos esperadísimos <span class="txt_pregunta txt_respuesta">Los Punsetes</span> que llegan con ‘¡Viva!’ recién salido del horno, además de <span class="txt_pregunta txt_respuesta">Delorean, The New Raemon & McEnroe, Polock, The Big Moon, Suuns, Jeremy Jay, Aquaserge, Svper</span>… la letra pequeña se hace muy vistosa con bandas de calidad y hambrientas por demostrar su valía. De ahí viene una de las características principales del festival que es el descubrimiento. <span class="txt_pregunta txt_respuesta">Kokoshca, Egon Soda, Fuckaine, Los Nastys, Airbag, Alien Tango,</span> siguen creciendo fecha tras fecha y ya nadie les va a bajar del escenario.</p>
<p> </p>
<p><img src="/files/images/resize/640x1000_kokoshca-600x39969773.jpeg" alt="640x1000_kokoshca-600x39969773.jpeg" /></p>
<p>El soul-folk-blues de <span class="txt_pregunta txt_respuesta">Morgan</span><strong>,</strong> el pop-folk de <span class="txt_pregunta txt_respuesta">Pavvla</span>, la neopsicodelia de <span class="txt_pregunta"><span class="txt_respuesta">My Expansive Awareness</span>,</span> la pasión de <span class="txt_pregunta txt_respuesta">Los Bengala</span>, el rock creativo de <span class="txt_pregunta txt_respuesta">Mourn</span> y el pop electrónico experimental de <span class="txt_pregunta txt_respuesta">Aries</span> y el trap de <span class="txt_pregunta txt_respuesta">C.Tangana</span><span class="txt_respuesta"> se</span> confabulan en un mismo cartel que aúna diferentes estilos que no chirrían al verlos juntos.</p>
<p><iframe src="http://www.youtube.com/embed/TS1bFEE-EoE" width="450" height="300"></iframe></p>
<p> </p>
<p><img src="/files/images/resize/640x1000_tangana2824.jpeg" alt="640x1000_tangana2824.jpeg" /></p>
<p>La variedad de Tomavistas es una de sus claves para que este festival sea un referente. Además de la presencia de <span class="txt_pregunta txt_respuesta">Goldfrapp</span> en lo que será la única visita a España del dúo inglés de música electrónica, y que presentará su séptimo disco de estudio, Silver Eye.</p>
<p> </p>
<p><iframe src="http://www.youtube.com/embed/DGkLMZv_sak" width="450" height="300"></iframe></p>
<p>En resumidas cuentas, Tomavistas es un festival con un sello de identidad único que prevé continuar con su vuelo en este 2017.</p>
<p> </p>
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<p><strong>Maotik </strong>presentará en el L.E.V. Festival su nuevo proyecto <em>Aeryon,</em> una interpretación artística de la visión de un dron de vigilancia, cuya línea argumental se desarrolla en función del lugar de partida. Es un sistema visual de navegación avanzado que analiza una fuente de datos múltiple para recrear la belleza de un paisaje visto desde el aire.</p>
<p> </p>
<p><iframe src="http://player.vimeo.com/video/207241423?title=1&byline=1&portrait=0&color=89A3AF" width="450" height="300"></iframe></p>
<p> </p>
<p>Por su parte,<strong> Daniel Iregui</strong> presenta <em>Control No Control, </em>una instalación interactiva en la que artista canadiense combina la fascinación que todos sentimos por las luces nocturnas con sonido e interactividad. Por medio de las manos, brazos o todo el cuerpo, el público de <em>Control No Control </em>puede manipular el aspecto de la instalación y su paisaje sonoro.</p>
<p>El objetivo principal de <em>Control No Control </em>es alterar la realidad cotidiana de los espacios públicos en los que se ubica, y para ello se invita al transeúnte a jugar con ella y a interactuar con los demás.</p>
<p><iframe src="http://player.vimeo.com/video/88193658?title=1&byline=1&portrait=0&color=89A3AF" width="450" height="300"></iframe></p>
<p><em>Onion Skin</em> (“Piel de cebolla”) es una instalación inmersiva de <strong>Olivier Ratsi</strong> que se compone de una dimensión física (un módulo de dos paredes colocadas en ángulo recto) aumentada por una proyección y una banda sonora en 5.1. <em>Onion Skin</em> es una obra gráfica sobre la recomposición del tiempo y el espacio por medio de un juego de perspectivas: la del propio espacio de exhibición y la de la pantalla de la proyección.</p>
<p><iframe src="http://player.vimeo.com/video/76521918?title=1&byline=1&portrait=0&color=89A3AF" width="450" height="300"></iframe></p>
<p>En su nueva instalación BOÎTE NOIRE (Caja negra), <strong>Martin Messier </strong>integra, sobre sonidos y movimientos, un rayo de luz proyectado en un gran prisma transparente.</p>
<p>Intentando definir los límites de este esquivo elemento, materializa la extensión de sus formas y descompone sus frecuencias. En una sala oscura, el espectador contempla y escucha el desarrollo del espectro blanco: sus contradicciones y distensiones, sus curvas y líneas, sus apariciones y desapariciones.</p>
<p> </p>
<p><iframe src="http://player.vimeo.com/video/109379321?title=1&byline=1&portrait=0&color=89A3AF" width="450" height="300"></iframe></p>
<p> </p>
<p><em>Lampyridae</em> es una instalación espacial de <strong> Carlos Coronas,</strong> elaborada con grandes estructuras poligonales complejas, cuyas formas simulan organismos y sobre las que se sustentan tubos de luz que cambian su intensidad lumínica mediante sistemas electrónicos, generando así la sensación de ser organismos vivos.</p>
<p><iframe src="http://player.vimeo.com/video/161893436?title=1&byline=1&portrait=0&color=89A3AF" width="450" height="300"></iframe></p>
<p> </p>
<p>+ info:<a href="http://www.levfestival.com/17/">levfestival.com</a></p>
<p> </p>
<p> </p>
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<p>No era ese el caso. Nathan Fake tiene ya un grupo de fans incondicionales que a las 9 de la noche se congregaban en la puerta de Shoko para darle una calurosa bienvenida. A las 10 y cuarto el inglés aparecía tímidamente en el escenario, como si estuviera desnudo física y mentalmente, una fragilidad que desaparecería a los pocos segundos de ponerse al mando de su <em>synth</em> para abrir con ese apabullante <em>Degreelessness</em>, primer single de su último trabajo.</p>
<p>Con movimientos de pecho a modo de baile, casi espasmos histéricos que no cesaron en todo el concierto, marca incondicional de sus directos,Nathan Fake nos acompañó en un viaje espacial con canciones como <em>NowWeKnow</em>, <em>Play All</em> o <em>You Are Here</em>. Cabe resaltar los magníficos visuales que custodiaron al inglés durante todo el concierto a sus espaldas en una gran pantalla, y que finalizaron con su nombre en letras grandes mientras un público entregado gritaba y aplaudía enloquecidamente.</p>
<p>Como si hubiese llegado de una nave espacial para dar a los humanos un recital alienígena, Nathan Fake se marchó de la misma manera que había llegado, silenciosa y discretamente. Levantó tímidamente la mano para despedirse y, corriendo, volvió a su cuna espacial, dejándonos disfrutando al resto de los terrestres de las mieles de un breve pero intenso concierto en los paladares.</p>
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<p>No era ese el caso. Nathan Fake tiene ya un grupo de fans incondicionales que a las 9 de la noche se congregaban en la puerta de Shoko para darle una calurosa bienvenida. A las 10 y cuarto el inglés aparecía tímidamente en el escenario, como si estuviera desnudo física y mentalmente, una fragilidad que desaparecería a los pocos segundos de ponerse al mando de su <em>synth</em> para abrir con ese apabullante <em>Degreelessness</em>, primer single de su último trabajo.</p>
<p>Con movimientos de pecho a modo de baile, casi espasmos histéricos que no cesaron en todo el concierto, marca incondicional de sus directos,Nathan Fake nos acompañó en un viaje espacial con canciones como <em>NowWeKnow</em>, <em>Play All</em> o <em>You Are Here</em>. Cabe resaltar los magníficos visuales que custodiaron al inglés durante todo el concierto a sus espaldas en una gran pantalla, y que finalizaron con su nombre en letras grandes mientras un público entregado gritaba y aplaudía enloquecidamente.</p>
<p>Como si hubiese llegado de una nave espacial para dar a los humanos un recital alienígena, Nathan Fake se marchó de la misma manera que había llegado, silenciosa y discretamente. Levantó tímidamente la mano para despedirse y, corriendo, volvió a su cuna espacial, dejándonos disfrutando al resto de los terrestres de las mieles de un breve pero intenso concierto en los paladares.</p>
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<p>En el acto también participarán Carlos de Gredos, coordinador del Cerro Gallinero, de donde se tomaron las grabaciones de campo para la realización del disco y David Erissoma, gestor del sello Seattle Dott Recs, donde se publica 'Infinito', que hará lo propio con su último lanzamiento 'Drome'.</p>
<p> </p>
<p>Más info del evento <a href="http://fotografiaelcarrusel.com/presentacion-infinito-ultimo-disco-n-roman/">aqui</a>.</p>
<p> </p>
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<p>Más info del evento <a href="http://fotografiaelcarrusel.com/presentacion-infinito-ultimo-disco-n-roman/">aqui</a>.</p>
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<p><img src="/files/images/resize/640x1000_nina-kraviz20234.jpeg" alt="640x1000_nina-kraviz20234.jpeg" /></p>
<p>Durante los días 15, 16 y 17 de Junio, un florilegio de artistas de lo más selecto del panorama mundial se dan cita en la capital presentando sus trabajos más recientes.Con amplio espectro que incluye desde los nacionales Aitor Etxebarria y Yung Beef hasta propuestas de calado internacional como las de Nicolas Jaar, Arca, o los consagrados Nina Kraviz y Marcel Dettman, esta edición promete tres incansables días y noches de buena música, exquisitos espectáculos visuales en la ciudad de Barcelona. Uno de los planes más enriquecedores y desde que sin duda motivan a abrir este verano 2017 con buen pie.</p>
<p><iframe src="http://www.youtube.com/embed/5I9tRe511yo" width="450" height="300"></iframe></p>
<p>+ info: sonar.es</p>',
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<p>En el primer episodio se cuenta el nacimiento del jean, utilizado en principio como ropa de trabajo para los mineros, cowboys, trabajadores de la industria, etc., y que aún hoy en día continua utilizándose en diversas profesiones.</p>
<p>La segunda parte del documental explora cómo las películas de Hollywood influyeron para que el jean pasara a formar parte del vestuario de la población, ya no por su función sino por una cuestión de imagen.</p>
<p>El tercer episodio muestra como el 501® se convirtió en un símbolo de la contracultura a través de las tribus urbanas y colectivos activistas que lucharon por los derechos sociales.</p>
<p>La cuarta parte del documental expone la influencia de la cultura del denim fuera del lugar de origen del jean, especialmente en Japón. En este episodio se cuenta cómo Levi's® llegó a Japón en los años cincuenta, la popularidad del vintage denim en los años noventa, y cómo Japón ha conseguido su influencia global en el mundo del denim en la actualidad.</p>
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<p>El icono Chuck ha trascendido en moda, música, cine, o deporte; es una de las sneakers más reconocible de la historia...</p>
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<p>+ info: converse.com</p>',
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<p><iframe src="http://www.youtube.com/embed/Rw9HKadlyE0" width="450" height="300"></iframe></p>
<p>Completarán la programación musical de la sexta edición de MAZ Basauri Rural Zombies, Unclose y los ganadores de la edición 2016 de Rockein: Albert Cavalier, Semejantes , Magnético Grupo Robot y Donna Versus . Por otra parte los jueves del mes de mayo ZineMAZ proyectará las películas: ‘Omega’, ‘Oasis: Supersonic’, ‘Gimme Danger’ y‘Miles Ahead’.Además TxikiMAZ volverá a programar para el público infantil...</p>
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<p><img src="/files/images/resize/640x1000_garriris-1000px87414.jpeg" alt="640x1000_garriris-1000px87414.jpeg" /></p>
<p> </p>
<p>Con ocasión de <span class="il">la</span> visita de los Garriris a Madrid podrán verse también dibujos e ilustraciones de personajes de <span class="il">la</span> Movida Madrileña como Ceesepe, Alaska y los Pegamoides, o Antonio Vega, y de iconos de <span class="il">la</span> música rock como Bob Dylan, Jimi Hendrix, John Lennon, Mick Jagger, o Patti Smith..., todos ellos llevados al <em>mundo garriri</em> de Mariscal con sus narices de ratita con toque “comiquero”. </p>
<p><img src="/files/images/resize/640x1000_garriris-flyer-1000px-37221.jpeg" alt="640x1000_garriris-flyer-1000px-37221.jpe" /></p>
<p><em>"Garriris en Madrid" </em>podrá verse en <span class="il">la</span> galería <span class="il">La</span> <span class="il">Fiambrera</span> del 17 de marzo al de 15 de abril.</p>
<p>+ info:<a href="http://www.lafiambrera.net/"> lafiambrera.net</a></p>',
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<p>Con ocasión de <span class="il">la</span> visita de los Garriris a Madrid podrán verse también dibujos e ilustraciones de personajes de <span class="il">la</span> Movida Madrileña como Ceesepe, Alaska y los Pegamoides, o Antonio Vega, y de iconos de <span class="il">la</span> música rock como Bob Dylan, Jimi Hendrix, John Lennon, Mick Jagger, o Patti Smith..., todos ellos llevados al <em>mundo garriri</em> de Mariscal con sus narices de ratita con toque “comiquero”. </p>
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'entradilla_esp' => 'A caballo entre los paisajes costeros de Norwich y el bullicio de la jungla londinense, uno de los abanderados de la oleada de techno británico reciente nos presenta el resultado de su recorrido más inmediato. Olvidada la nostalgia de aquel exitoso SteamDays (2012), Nathan Fake vuelve pisando fuerte con Degreelessness, tras una década en la que nos ha dejado inolvidables colaboraciones, live sets, y un crisol de remixes insólitos con numerosos artistas del panorama mundial. Un jugoso entremés que augura un álbum con sabores más fuertes para este 2017, y que en esta ocasión arriesga mezclando guitarras, sintetizadores e incluso la introvertida spokenword.',
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<p class="txt_respuesta"><strong>Nathan Fake: Por un lado, el álbum es muy parecido al EP de Degreelessness en cuanto al estilo melódico y la textura de los instrumentos que he usado. Por otro lado, Degreelessness tiene un sonido un poco más duro que el resto del álbum. El disco no llega a ser música de ambiente, pero no es dance floor. Degrelessness es probablemente la canción más dance floor que contiene. En general, este disco es más aventurero y dinámico que el último en el que trabajé.</strong></p>
<p> L: ¿De donde sacaste el nombre de <em>Degreelessness</em>? ¿Tiene algún significado?</p>
<p><strong> NF: Sí! El nombre viene de un antiguo videojuego, que tiene ya 20 años. Cuando pasabas muchos niveles, aparecía una pantalla que decía “Degreelessness”, que significaba que habías ganado, que eras invencible. Siempre he estado un poco obsesionado con ese juego. No soy muy de video juegos pero este en especial me gustaba mucho. Siempre he pensado que el nombre Degreelessness daba mucha fuerza.</strong></p>
<p> L: Cómo ves tu evolución como músico en comparación con trabajos anteriores, en concreto Glaive, tu último EP</p>
<p> <strong>NF: En este álbum he usado instrumentos que no había usado antes, lo cuál le da un sonido más maduro. Los anteriores trabajos utilizaban sonidos más análogos pero aquí he usado nuevos sintetizadores que le dan un sonido más complejo, elementos digitales diferentes en los que estoy muy interesado en este momento. Es un álbum más de estudio, tiene más producción que mis anteriores trabajos. Glaive fue un EP más simple, para bailar, más roar. </strong></p>
<p>L: Dominik (Prurient) colabora en los vocals del single Degreelessness. Cómo surge esta colaboración. Dónde le conociste. ¿Tenías ya en mente trabajar con él o fue improvisado? </p>
<p><strong>NF: Le conocí por primera vez tocando en un festival en Ginebra. Tocábamos los dos por separado, él como Vatican Shadow. Me gustaba mucho su música pero no habíamos hablado nunca. Coincidimos en backstage y como no conocíamos a nadie más nos pusimos a hablar. Es muy simpático y abierto, así que pasamos tiempo juntos en el festival, y a los dos nos gustaron nuestros respectivos sets. Tiempo después yo tuve una actuación en GoodRoom en Brooklyn, y el vivía ahí, así que quedamos para vernos. Me propuso colaborar y me pareció una gran idea. El sugirió hacer las voces para el tema, así cuando volví a mi estudio comencé a trabajar en un tema pensando en él como vocalista. Lo hicimos todo a través de internet, yo le mandaba material y el hacía lo mismo, y acabé produciendo el tema en mi estudio. El material que el me mandó me gustó de primeras, así que fue todo un proceso simple y sin ninguna dificultad. Estoy muy contento con el resultado. </strong></p>
<p>L: Hablemos de tu proceso de composición y producción. He oído que eres muy reservado a la hora de componer, que incluso no escuchas música de otras personas mientras estás en el proceso de composición para poder encontrar tu propio estilo. ¿Puedes hablar sobre esto? ¿Ha evolucionado algo a lo largo de los años?</p>
<p><strong>NF: A lo largo de los años me he vuelto más conscienteacerca de la música que hay a mi alrededor. Ha pasado mucho tiempo desde que saqué un álbum (SteamDays, su último disco, salió en 2012) y en estos 5 años supongo que he escuchado mucha música. Pero al mismo tiempo, tengo mis costumbres de escuchar vieja música que sé que me gusta, cosas que me gustaban cuando estaba creciendo. Creo que es bueno ser consciente de lo que está pasando a tu alrededor en el mundo de la música, pero intento no profundizar demasiado sobre ello. Tengo mucho respeto por muchos artistas, antiguos y nuevos, pero creo que si estás trabajando en tu propia música tiendes a encerrarte en tu propio mundo. Creo que le pasa a todo el mundo. Eso puede ser bueno y malo, tienes que saber cuando parar y salir a ver que está pasando a tu alrededor. </strong></p>
<p>L: Ahora sí tendrás que interactuar con tu alrededor, ya que empiezas una gira que te llevará por Europa, Australia y Asia. Esto te obliga a compaginar dos formas de vida opuestas: la soledad del estudio con el caos de una gira. ¿Te gusta ir de gira? </p>
<p><strong>NF: Me encanta, me gusta mucho viajar, tocar música para gente. Es raro, porque muchas veces tengo que viajar solo, ya que mis sets actuo yo sólo, y eso también puede ser muy solitario, pero me da la oportunidad de conocer a gente y conocer sitios nuevos, y me gusta. Son dos cosas muy distintas, tocar en directo y producir en el estudio. Me interesan las actuaciones en directo desde siempre, incluso antes de tener una carrera musical. Recuerdo que cuando estaba creciendo, era muy fan de Orbital. Siempre me llamaron la atención sus actuaciones en directo y eso era lo que más me gustaba de ellos. Tenían un equipo gigante en el escenario. Hablamos de principios de los 90, la música electronicalive no era tan común en aquella época. Hoy en día es más común y fácil, porque hay nuevos instrumentos disponibles en el mercado que puedes transportar cómodamente. Pero por aquel entonces, llevaban básicamente su estudio a los escenarios, y podías claramente ver que su sonido era en directo porque las canciones sonaban ásperas y diferentes. Era más como un grupo que toca temas en directo, que suenan diferentes y no tan perfectos como el sonido que se genera en un estudio. En eso se basan mis live sets. Ahora es mucho más fácil porque llevo sintetizadores pero siempre he estado interesado en la improvisación que sale de las actuaciones en directo, y de hecho eso es lo que ha influenciado mi música estos 10 últimos años. </strong></p>
<p>L: Hablando de actuaciones live, estarás en Madrid en Shoko el día 17 de marzo y en Razzmatazz el 18 de marzo. Hace tiempo tocaste en Ibiza. ¿Qué sentiste al tocar en esta isla que en su día era un must en la escena de la música electrónica, pero que hoy es más un lugar de viejas glorias y un poco desvirtuado?</p>
<p><strong>NF: He tocado muchas veces en Razzmatazz y me gusta mucho. Tocaré en Shoko por primera vez. Ibiza es muy diferente, es un lugar muy extraño. Me parece que la gente que va a Ibiza, para tocar o para escuchar música está anclada en el pasado. Cuando yo era un adolescente, Ibiza era el lugar donde todo el mundo quería ir, todas las estaciones de radio y televisiones promocionaban los festivales y los djs que tocaban ahí. Era un bigdeal. Creo que sigue siendo un bigdeal a día de hoy, pero porque se mueve mucho dinero, los clubs son gigantes, todo es muy caro. Como británico, me da la impresión que la gente que va a Ibiza desde mi país son grupos de chicos que buscan salir ligar, más que escuchar buena música. A pesar de todo es una isla muy bonita. </strong></p>
<p>L: Creciste en Norwich, dónde eras uno de los pocos chicos interesados en la música electrónica. ¿Crees que esto ha tenido algún impacto en tu música?</p>
<p><strong>NF: Puede ser. Claramente ha tenido un impacto en la manera en la que trabajo y en la manera que me interesé por la música. No tengo ni idea de como sonaría mi música si me hubiese criado en Londres, por ejemplo. Yo soy yo y no sé si hay algo que pudiera hacer que el sonido de mi música sea diferente. Tenía amigos interesados en música electrónica un poco similar pero no exactamente la misma vertiente en la que estaba metido yo. Mis amigos estaban mas interesados en música dance, y cuando yo me interesé por Orbital, o Aphex Twin, fui el único. No fue hasta tiempo después, cuando fui a la universidad, que conocí a gente que le interesaba exactamente lo mismo que a mi y ahí es cuando gané seguridad en mi mismo de que lo que yo hacía podía tener un público.</strong></p>
<p> L: ¿Cómo es la escena musical en Norwich? </p>
<p><strong>NF: En Norwich no hay una escena musical per se, pero sí hay muchos músicos. Estoy yo, LukeAbott, y bastantes más. Pero no hay sitios para escuchar música electrónica en directo. A veces, ocasionalmente hay algo, pero es una ciudad muy pequeña. Aún así me encanta, hay un aura muy guay. </strong></p>
<p>L: ¿Has visto el festival que ha montado Craig Richards, Hougthon, en Norfolk? La primera edición será este año. ¿Sueles ir a festivales? </p>
<p><strong>NF: (Risas) Sí! Crecí muy cerca de Houghton, he visto el festival, es gracioso. Hay muchos festivales en esta región. Creo que porque es costera y hay sitios bonitos cerca de la playa. No suelo ir a festivales, sólo cuando toco en ellos.</strong></p>
<p> L: A pesar de un 2016 con bastantes cosas malas (Brexit, la muerte de Bowie del que eras fan), han pasado cosas buenas como la salvación final de Fabric. ¿Qué opinas sobre esto?</p>
<p> L: En el pasado año 2016 pasaron cosas malas como el Brexit, la muerte de Bowie del que eras fan, pero también paso algo bueno como la salvación final de Fabric. ¿Qué opinas sobre esto?</p>
<p><strong>NF: Es muy común que se cierren locales en Londres. El gobierno inglés es muy conservador, y en concreto Londres, tienen un alcalde muy conservador. Fabric no está exactamente en su lista de prioridades. Así que nunca van a ser muy partidarios de los clubs en general. Casi no hay financiación estatal del gobierno a las artes en general, y menos para los clubs. Pero está muy bien que Fabric permanezca abierto. Nunca he tocado allí, pero es un importante icono de la cultura inglesa.</strong></p>
<p>L: ¿Podemos hablar de cómo ha sido tu evolución en los sellos discográficos? Empezaste con BorderCommunity, para luego formar tu propio sello, Cambria, para ahora volver a firmar con otro sello, en este caso Ninja Tune. </p>
<p><strong>NF: Cambria, el sello que creé con Wesley, fue más un proyecto que llevé en paralelo, porque quería sacar unos temas que no podían salir en ningún otro lado. Teníamos una lista de temas que BorderCommunity no quería sacar porque no era su estilo. De momento no sabemos qué haremos con Cambria en el futuro. Me gustaría que Wesley hiciera otro álbum, así que estoy esperando a que termine un par de cosas. Es uno de mis mejores amigos y me gusta mucho trabajar con él. Respecto a Ninja, conozco al equipo desde hace mucho, y estaban interesados en hacer algo conmigo desde hace tiempo. Había hecho varios remixes para ellos, y todo surgió de manera bastante natural. Me contactaron y yo siempre he tenido mucho respeto por ellos. Creo que a día de hoy están mejor que nunca, tienen a muy buenos artistas y la música que están sacando es muy moderna. Es un sello muy potente, uno de los que más. Me siento muy halagado de poder colaborar con ellos. Son muy abiertos y adaptables, me sorprendió bastante cuando me dijeron que les gustaba mi álbum porque no es el típico material que suele sacar Ninja. Cuando hice el álbum no sabía en qué sello se iba a publicar, pero eso no tiene influencia cuando trabajo en la música. Sale directamente de mi cabeza y no pienso a qué sello va a ir. </strong></p>
<p>L: Hemos hablado antes de Orbital y de cuánto te gusta lo que hacen. Hiciste un tour con ellos, debió ser un sueño convertido en realidad. ¿Tienes a alguien en mente ahora con el que te gustaría ir de gira? </p>
<p><strong>NF: La verdad es que no, no tengo aspiraciones relacionadas con eso (risas). Me gusta irme de gira con amigos, he tenido mucha suerte porque lo he podido hacer. He hechogiras con Chris Clark, John Hopkins, Four Tet, porejemplo. Me gustaría irme con quien sea en realidad, porque es buena manera de hacer amigos y de ver el mundo. </strong></p>
<p>L: Hablando de otros artistas, tu música ha sido remezclada por varios de ellos, como James Holden y FourTet. Qué sientes cuando escuchas tu música a través de otros ojos y oídos, como cuando FourTet versionó You Are Here.</p>
<p><strong>NF: Eso fue muy interesante, me emocioné mucho cuando FourTet hizo el remix, hace ya 10 años. Siempre suena distinto de como yo lo imagino inicialmente. Cuando te enteras de que alguien que conoces va a hacer un remix de tu música, siempre piensas “Bien! Ya secomo va a sonar, va a sonar de esta manera”, porque conoces el estilo del artista, pero luego suena distinto. El proceso de remixing es muy divertido, eso es lo bueno, ver qué hace la gente con mi música. Me gusta mucho hacer remixes de gente y ver qué remixes hace la gente con mi música, creo que es algo que a todo el mundo le gusta.</strong></p>
<p> L: Hablando de colaboraciones, quería preguntarte también por una que hiciste un tanto inusual, con la MultiStoryOrchestra en Londres, hace un par de años. ¿Te gustó esa colaboración? ¿Te gusta la música clásica en general? </p>
<p><strong>NF: Me gusta la música clásica, pero no sé nada sobre ella. Me encantaría poder parecer inteligente y decir “me gusta tal compositor” pero la pura verdad es que jamás escucho música clásica. Tengo muchísimo respeto por los músicos, son increíbles, y me hacen sentir muy estúpido, porque ellos son músicos de verdad. La colaboración con MultiStoryOrchestra fue un live show. Fue muy bueno y divertido. Ensayamos muy poco, fue casi totalmente improvisado. Me gustaría hacer algo así de nuevo. La pena es que no se grabó y no hay ningún registro visual o de sonido, mi madre se puso muy triste porque quería verlo.</strong></p>
<p>L: Qué pena! Necesitas hacerlo otra vez entonces.</p>
<p><strong>NF: (Risas) Sí, desde luego.</strong></p>
<p>L: ¿Les gusta a tus padres lo que haces? </p>
<p><strong>NF: Creo que lo escuchan porque soy yo (risas). Antes de que tuviera una carrera musical no escuchaban tanto lo que hacía, pero están contentos de que ahora me vaya bien. Les gusta lo que hago y me siguen. </strong></p>
<p>L: Y la última pregunta, cómo han cambiado tus gustos musicales desde lo que creciste escuchando (Aphex Twin, The Prodigy) hasta ahora. Qué escuchas estos días.</p>
<p><strong>NF: Ultimamente estoy escuchando a HieroglyphicBeing, es el último disco que me he comprado y me gusta mucho. Escucho a Clark también. Vi a Gold Panda hace poco en Norwich, mi amigo Dan les hacía los visuales. </strong></p>
<p><iframe src="http://www.youtube.com/embed/J9-aVDsM3SA" width="450" height="300"></iframe></p>
<p>No te pierdas a Nathan Fake en concierto el Viernes 17 de Marzo a las 21h en Shoko, Madrid.</p>
<p>+ info: <a href="http://giradiscos.org/">giradiscos.org</a></p>',
'body_html_clean' => '<p>Lados: Despues de sacar el EP Degreelessness, en diciembre de 2016. Acabas de sacar álbum en 2017, con el sello discográfico Ninja Tune. ¿Qué podemos encontrar en este álbum? ¿Seguirá la misma tónica de lo que hemos podido escuchar en Degreelessness?</p>
<p class="txt_respuesta"><strong>Nathan Fake: Por un lado, el álbum es muy parecido al EP de Degreelessness en cuanto al estilo melódico y la textura de los instrumentos que he usado. Por otro lado, Degreelessness tiene un sonido un poco más duro que el resto del álbum. El disco no llega a ser música de ambiente, pero no es dance floor. Degrelessness es probablemente la canción más dance floor que contiene. En general, este disco es más aventurero y dinámico que el último en el que trabajé.</strong></p>
<p> L: ¿De donde sacaste el nombre de <em>Degreelessness</em>? ¿Tiene algún significado?</p>
<p><strong> NF: Sí! El nombre viene de un antiguo videojuego, que tiene ya 20 años. Cuando pasabas muchos niveles, aparecía una pantalla que decía “Degreelessness”, que significaba que habías ganado, que eras invencible. Siempre he estado un poco obsesionado con ese juego. No soy muy de video juegos pero este en especial me gustaba mucho. Siempre he pensado que el nombre Degreelessness daba mucha fuerza.</strong></p>
<p> L: Cómo ves tu evolución como músico en comparación con trabajos anteriores, en concreto Glaive, tu último EP</p>
<p> <strong>NF: En este álbum he usado instrumentos que no había usado antes, lo cuál le da un sonido más maduro. Los anteriores trabajos utilizaban sonidos más análogos pero aquí he usado nuevos sintetizadores que le dan un sonido más complejo, elementos digitales diferentes en los que estoy muy interesado en este momento. Es un álbum más de estudio, tiene más producción que mis anteriores trabajos. Glaive fue un EP más simple, para bailar, más roar. </strong></p>
<p>L: Dominik (Prurient) colabora en los vocals del single Degreelessness. Cómo surge esta colaboración. Dónde le conociste. ¿Tenías ya en mente trabajar con él o fue improvisado? </p>
<p><strong>NF: Le conocí por primera vez tocando en un festival en Ginebra. Tocábamos los dos por separado, él como Vatican Shadow. Me gustaba mucho su música pero no habíamos hablado nunca. Coincidimos en backstage y como no conocíamos a nadie más nos pusimos a hablar. Es muy simpático y abierto, así que pasamos tiempo juntos en el festival, y a los dos nos gustaron nuestros respectivos sets. Tiempo después yo tuve una actuación en GoodRoom en Brooklyn, y el vivía ahí, así que quedamos para vernos. Me propuso colaborar y me pareció una gran idea. El sugirió hacer las voces para el tema, así cuando volví a mi estudio comencé a trabajar en un tema pensando en él como vocalista. Lo hicimos todo a través de internet, yo le mandaba material y el hacía lo mismo, y acabé produciendo el tema en mi estudio. El material que el me mandó me gustó de primeras, así que fue todo un proceso simple y sin ninguna dificultad. Estoy muy contento con el resultado. </strong></p>
<p>L: Hablemos de tu proceso de composición y producción. He oído que eres muy reservado a la hora de componer, que incluso no escuchas música de otras personas mientras estás en el proceso de composición para poder encontrar tu propio estilo. ¿Puedes hablar sobre esto? ¿Ha evolucionado algo a lo largo de los años?</p>
<p><strong>NF: A lo largo de los años me he vuelto más conscienteacerca de la música que hay a mi alrededor. Ha pasado mucho tiempo desde que saqué un álbum (SteamDays, su último disco, salió en 2012) y en estos 5 años supongo que he escuchado mucha música. Pero al mismo tiempo, tengo mis costumbres de escuchar vieja música que sé que me gusta, cosas que me gustaban cuando estaba creciendo. Creo que es bueno ser consciente de lo que está pasando a tu alrededor en el mundo de la música, pero intento no profundizar demasiado sobre ello. Tengo mucho respeto por muchos artistas, antiguos y nuevos, pero creo que si estás trabajando en tu propia música tiendes a encerrarte en tu propio mundo. Creo que le pasa a todo el mundo. Eso puede ser bueno y malo, tienes que saber cuando parar y salir a ver que está pasando a tu alrededor. </strong></p>
<p>L: Ahora sí tendrás que interactuar con tu alrededor, ya que empiezas una gira que te llevará por Europa, Australia y Asia. Esto te obliga a compaginar dos formas de vida opuestas: la soledad del estudio con el caos de una gira. ¿Te gusta ir de gira? </p>
<p><strong>NF: Me encanta, me gusta mucho viajar, tocar música para gente. Es raro, porque muchas veces tengo que viajar solo, ya que mis sets actuo yo sólo, y eso también puede ser muy solitario, pero me da la oportunidad de conocer a gente y conocer sitios nuevos, y me gusta. Son dos cosas muy distintas, tocar en directo y producir en el estudio. Me interesan las actuaciones en directo desde siempre, incluso antes de tener una carrera musical. Recuerdo que cuando estaba creciendo, era muy fan de Orbital. Siempre me llamaron la atención sus actuaciones en directo y eso era lo que más me gustaba de ellos. Tenían un equipo gigante en el escenario. Hablamos de principios de los 90, la música electronicalive no era tan común en aquella época. Hoy en día es más común y fácil, porque hay nuevos instrumentos disponibles en el mercado que puedes transportar cómodamente. Pero por aquel entonces, llevaban básicamente su estudio a los escenarios, y podías claramente ver que su sonido era en directo porque las canciones sonaban ásperas y diferentes. Era más como un grupo que toca temas en directo, que suenan diferentes y no tan perfectos como el sonido que se genera en un estudio. En eso se basan mis live sets. Ahora es mucho más fácil porque llevo sintetizadores pero siempre he estado interesado en la improvisación que sale de las actuaciones en directo, y de hecho eso es lo que ha influenciado mi música estos 10 últimos años. </strong></p>
<p>L: Hablando de actuaciones live, estarás en Madrid en Shoko el día 17 de marzo y en Razzmatazz el 18 de marzo. Hace tiempo tocaste en Ibiza. ¿Qué sentiste al tocar en esta isla que en su día era un must en la escena de la música electrónica, pero que hoy es más un lugar de viejas glorias y un poco desvirtuado?</p>
<p><strong>NF: He tocado muchas veces en Razzmatazz y me gusta mucho. Tocaré en Shoko por primera vez. Ibiza es muy diferente, es un lugar muy extraño. Me parece que la gente que va a Ibiza, para tocar o para escuchar música está anclada en el pasado. Cuando yo era un adolescente, Ibiza era el lugar donde todo el mundo quería ir, todas las estaciones de radio y televisiones promocionaban los festivales y los djs que tocaban ahí. Era un bigdeal. Creo que sigue siendo un bigdeal a día de hoy, pero porque se mueve mucho dinero, los clubs son gigantes, todo es muy caro. Como británico, me da la impresión que la gente que va a Ibiza desde mi país son grupos de chicos que buscan salir ligar, más que escuchar buena música. A pesar de todo es una isla muy bonita. </strong></p>
<p>L: Creciste en Norwich, dónde eras uno de los pocos chicos interesados en la música electrónica. ¿Crees que esto ha tenido algún impacto en tu música?</p>
<p><strong>NF: Puede ser. Claramente ha tenido un impacto en la manera en la que trabajo y en la manera que me interesé por la música. No tengo ni idea de como sonaría mi música si me hubiese criado en Londres, por ejemplo. Yo soy yo y no sé si hay algo que pudiera hacer que el sonido de mi música sea diferente. Tenía amigos interesados en música electrónica un poco similar pero no exactamente la misma vertiente en la que estaba metido yo. Mis amigos estaban mas interesados en música dance, y cuando yo me interesé por Orbital, o Aphex Twin, fui el único. No fue hasta tiempo después, cuando fui a la universidad, que conocí a gente que le interesaba exactamente lo mismo que a mi y ahí es cuando gané seguridad en mi mismo de que lo que yo hacía podía tener un público.</strong></p>
<p> L: ¿Cómo es la escena musical en Norwich? </p>
<p><strong>NF: En Norwich no hay una escena musical per se, pero sí hay muchos músicos. Estoy yo, LukeAbott, y bastantes más. Pero no hay sitios para escuchar música electrónica en directo. A veces, ocasionalmente hay algo, pero es una ciudad muy pequeña. Aún así me encanta, hay un aura muy guay. </strong></p>
<p>L: ¿Has visto el festival que ha montado Craig Richards, Hougthon, en Norfolk? La primera edición será este año. ¿Sueles ir a festivales? </p>
<p><strong>NF: (Risas) Sí! Crecí muy cerca de Houghton, he visto el festival, es gracioso. Hay muchos festivales en esta región. Creo que porque es costera y hay sitios bonitos cerca de la playa. No suelo ir a festivales, sólo cuando toco en ellos.</strong></p>
<p> L: A pesar de un 2016 con bastantes cosas malas (Brexit, la muerte de Bowie del que eras fan), han pasado cosas buenas como la salvación final de Fabric. ¿Qué opinas sobre esto?</p>
<p> L: En el pasado año 2016 pasaron cosas malas como el Brexit, la muerte de Bowie del que eras fan, pero también paso algo bueno como la salvación final de Fabric. ¿Qué opinas sobre esto?</p>
<p><strong>NF: Es muy común que se cierren locales en Londres. El gobierno inglés es muy conservador, y en concreto Londres, tienen un alcalde muy conservador. Fabric no está exactamente en su lista de prioridades. Así que nunca van a ser muy partidarios de los clubs en general. Casi no hay financiación estatal del gobierno a las artes en general, y menos para los clubs. Pero está muy bien que Fabric permanezca abierto. Nunca he tocado allí, pero es un importante icono de la cultura inglesa.</strong></p>
<p>L: ¿Podemos hablar de cómo ha sido tu evolución en los sellos discográficos? Empezaste con BorderCommunity, para luego formar tu propio sello, Cambria, para ahora volver a firmar con otro sello, en este caso Ninja Tune. </p>
<p><strong>NF: Cambria, el sello que creé con Wesley, fue más un proyecto que llevé en paralelo, porque quería sacar unos temas que no podían salir en ningún otro lado. Teníamos una lista de temas que BorderCommunity no quería sacar porque no era su estilo. De momento no sabemos qué haremos con Cambria en el futuro. Me gustaría que Wesley hiciera otro álbum, así que estoy esperando a que termine un par de cosas. Es uno de mis mejores amigos y me gusta mucho trabajar con él. Respecto a Ninja, conozco al equipo desde hace mucho, y estaban interesados en hacer algo conmigo desde hace tiempo. Había hecho varios remixes para ellos, y todo surgió de manera bastante natural. Me contactaron y yo siempre he tenido mucho respeto por ellos. Creo que a día de hoy están mejor que nunca, tienen a muy buenos artistas y la música que están sacando es muy moderna. Es un sello muy potente, uno de los que más. Me siento muy halagado de poder colaborar con ellos. Son muy abiertos y adaptables, me sorprendió bastante cuando me dijeron que les gustaba mi álbum porque no es el típico material que suele sacar Ninja. Cuando hice el álbum no sabía en qué sello se iba a publicar, pero eso no tiene influencia cuando trabajo en la música. Sale directamente de mi cabeza y no pienso a qué sello va a ir. </strong></p>
<p>L: Hemos hablado antes de Orbital y de cuánto te gusta lo que hacen. Hiciste un tour con ellos, debió ser un sueño convertido en realidad. ¿Tienes a alguien en mente ahora con el que te gustaría ir de gira? </p>
<p><strong>NF: La verdad es que no, no tengo aspiraciones relacionadas con eso (risas). Me gusta irme de gira con amigos, he tenido mucha suerte porque lo he podido hacer. He hechogiras con Chris Clark, John Hopkins, Four Tet, porejemplo. Me gustaría irme con quien sea en realidad, porque es buena manera de hacer amigos y de ver el mundo. </strong></p>
<p>L: Hablando de otros artistas, tu música ha sido remezclada por varios de ellos, como James Holden y FourTet. Qué sientes cuando escuchas tu música a través de otros ojos y oídos, como cuando FourTet versionó You Are Here.</p>
<p><strong>NF: Eso fue muy interesante, me emocioné mucho cuando FourTet hizo el remix, hace ya 10 años. Siempre suena distinto de como yo lo imagino inicialmente. Cuando te enteras de que alguien que conoces va a hacer un remix de tu música, siempre piensas “Bien! Ya secomo va a sonar, va a sonar de esta manera”, porque conoces el estilo del artista, pero luego suena distinto. El proceso de remixing es muy divertido, eso es lo bueno, ver qué hace la gente con mi música. Me gusta mucho hacer remixes de gente y ver qué remixes hace la gente con mi música, creo que es algo que a todo el mundo le gusta.</strong></p>
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<p>L: Qué pena! Necesitas hacerlo otra vez entonces.</p>
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<p>Su suela de goma pensada para que la zapatilla sea ultra flexible; su malla de alta calidad con técnica Air Mesh ultra transpirable que proporciona ventilación y elasticidad así como su plantilla de foam con microfibra absorbente, son las características que dan este punto diferencial a las zapatillas <a href="http://www.suavshoes.es">SUAVS</a>...</p>
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La fascinación de Isabel Coixet por el rostro humano en la exposición ‘Faces’ en La Térmica hasta del 30 de junio de 2017',
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<p><img src="/files/images/resize/640x1000_faces-isabel-coixet-la-termic-52098.jpeg" alt="640x1000_faces-isabel-coixet-la-termic-5" /></p>
<p>Apasionada de la fotografía y expresividad del rostro humano, mitómana y creativa, ha ido siempre tomando instantáneas durante los rodajes de sus trabajos. Así mismo, en sus numerosas participaciones en festivales internacionales o en eventos privados la directora de <em>Mapa de los sonidos de Tokyo</em> o <em>La vida secreta de las palabras</em> ha solido ir acompañada de una cámara con la que captar también instantes decisivos de miembros del cine. Una selección de esos retratos es lo que ofrece <em>Faces </em>(caras). La muestra incluye fotografías en blanco y negro de actores, actrices, escritores o su propio padre, que la directora de cine catalana ha tomado a lo largo de los años. Rostros de personajes y actores y actrices como <strong>Tim Robbins, Juliette Binoche, Rinko Kikuchi, </strong>el escritor<strong> Henning Mankell, Ben Kingsley, Penélope Cruz, Tilda Swinton, Sarah Polley, </strong>la cantante<strong> Debbie Harry (Blondie), Sergi López, Mark Ruffalo, </strong>la directora de cine <strong>Agnes Vardà</strong> o el recientemente desaparecido crítico de arte y escritor <strong>John Berger</strong>...</p>
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<p>Podremos disfrutar de <em>Faces</em> en La Térmica hasta el 30 de junio de 2017.</p>
<p><a href="http://www.latermicamalaga.com/isabel-coixet-recoge-su-fascinacion-por-el-rostro-humano-en-la-exposicion-faces-en-la-termica/">+info: latermicamalaga.com</a></p>',
'body_html_clean' => '<p>Lograr que sus protagonistas no posen, que no se sientan intimidados ante la cámara, que puedan revelar la profundidad expresiva de su alma es lo que ha buscado Isabel Coixet en cada una de las 52 fotografías que forman parte de su exposición <em>Faces</em>. </p>
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<p>Apasionada de la fotografía y expresividad del rostro humano, mitómana y creativa, ha ido siempre tomando instantáneas durante los rodajes de sus trabajos. Así mismo, en sus numerosas participaciones en festivales internacionales o en eventos privados la directora de <em>Mapa de los sonidos de Tokyo</em> o <em>La vida secreta de las palabras</em> ha solido ir acompañada de una cámara con la que captar también instantes decisivos de miembros del cine. Una selección de esos retratos es lo que ofrece <em>Faces </em>(caras). La muestra incluye fotografías en blanco y negro de actores, actrices, escritores o su propio padre, que la directora de cine catalana ha tomado a lo largo de los años. Rostros de personajes y actores y actrices como <strong>Tim Robbins, Juliette Binoche, Rinko Kikuchi, </strong>el escritor<strong> Henning Mankell, Ben Kingsley, Penélope Cruz, Tilda Swinton, Sarah Polley, </strong>la cantante<strong> Debbie Harry (Blondie), Sergi López, Mark Ruffalo, </strong>la directora de cine <strong>Agnes Vardà</strong> o el recientemente desaparecido crítico de arte y escritor <strong>John Berger</strong>...</p>
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<p>Podremos disfrutar de <em>Faces</em> en La Térmica hasta el 30 de junio de 2017.</p>
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<p>El bueno de Ángel arrancó con “Camino Ácido”, canción que da nombre a su LP, y mantuvo el nivel en lo más alto durante todo el concierto. “Mañana no sabrás si es domingo”, cantó el artista. “Mojo”, “Chinaski” y “Miss Trueno ‘89” prosiguieron la velada que ya comenzaba a coger el calor del desierto, teletransportados por el sonido de su guitarra. La característica y desgarradora voz del cantante se adentró en la cabeza del público que ya se mostraba entregadísimo con “El Cruce” y “El Río”. Los coros fueron necesarios para el famoso “sibi-sibi- sibi”. La noche tuvo un tramo más familiar e íntimo con un Ángel Stanich que lució armónica con “La Noche del Coyote” y que muy educadamente pidió silencio, tampoco faltó su propia parábola, “Jesús Levitante”.</p>
<p><img src="/files/images/resize/640x1000_stanich-lados80527.jpeg" alt="640x1000_stanich-lados80527.jpeg" /></p>
<p>La primera parte terminó en un punto álgido para arrancar con el “capítulo de novedades”. Stanich es un tío de palabra y aviso que los temas nuevos llegaban pero lo que no avisó es que iban a impactar tanto. Para bien, obviamente. “Ríos Lobos” fue la presentación del esperado nuevo proyecto. Temas frescos que escoltan su estilo hasta el último verso. Continuó con “Escupe Fuego” y terminó con “Sr. Tosco”, un tema en el que critica el mundo de los tertulianos y se centra en la figura de uno de ellos, muchos ya sacamos a quien se refería. Tras esta puesta en escena tengo la ligera impresión de que el próximo disco va a superar las expectativas. La última fase del bolo llegó y con ella los temas más esperados para muchos de los presentes. “El Outsider”, “Carbura!”, la versión del “Hurdy Gurdy Man” de Donovan, enseñaron el final del camino. Y entonces Ángel zapateó. “Mezcalito” y “Metralleta Joe” cerraron el concierto con salto al público incluido. Un final apoteósico que dejó a Stanich rendido ante sus seguidores. Dos horas que se hicieron cortas y que acabaron, como si de una obra maestra se tratase, al caer el telón.</p>',
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<p>El bueno de Ángel arrancó con “Camino Ácido”, canción que da nombre a su LP, y mantuvo el nivel en lo más alto durante todo el concierto. “Mañana no sabrás si es domingo”, cantó el artista. “Mojo”, “Chinaski” y “Miss Trueno ‘89” prosiguieron la velada que ya comenzaba a coger el calor del desierto, teletransportados por el sonido de su guitarra. La característica y desgarradora voz del cantante se adentró en la cabeza del público que ya se mostraba entregadísimo con “El Cruce” y “El Río”. Los coros fueron necesarios para el famoso “sibi-sibi- sibi”. La noche tuvo un tramo más familiar e íntimo con un Ángel Stanich que lució armónica con “La Noche del Coyote” y que muy educadamente pidió silencio, tampoco faltó su propia parábola, “Jesús Levitante”.</p>
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<p>La primera parte terminó en un punto álgido para arrancar con el “capítulo de novedades”. Stanich es un tío de palabra y aviso que los temas nuevos llegaban pero lo que no avisó es que iban a impactar tanto. Para bien, obviamente. “Ríos Lobos” fue la presentación del esperado nuevo proyecto. Temas frescos que escoltan su estilo hasta el último verso. Continuó con “Escupe Fuego” y terminó con “Sr. Tosco”, un tema en el que critica el mundo de los tertulianos y se centra en la figura de uno de ellos, muchos ya sacamos a quien se refería. Tras esta puesta en escena tengo la ligera impresión de que el próximo disco va a superar las expectativas. La última fase del bolo llegó y con ella los temas más esperados para muchos de los presentes. “El Outsider”, “Carbura!”, la versión del “Hurdy Gurdy Man” de Donovan, enseñaron el final del camino. Y entonces Ángel zapateó. “Mezcalito” y “Metralleta Joe” cerraron el concierto con salto al público incluido. Un final apoteósico que dejó a Stanich rendido ante sus seguidores. Dos horas que se hicieron cortas y que acabaron, como si de una obra maestra se tratase, al caer el telón.</p>',
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<p>Después de verle el pasado junio en <em>Primavera Sound</em>, expectantes estamos por disfrutar el concierto del cantautor en Madrid, que dentro del ciclo<a href="http://son.estrellagalicia.com/es/artistas/cass-mccombs/"> SON Estrella Galicia,</a> presentará en vivo <em>Mangy Love, </em>trabajo del que dice estar más orgulloso a día de hoy.</p>
<p>Trece años en la escena musical, ocho años álbumes de estudio y un EP han convertido a McCombs en un veterano del folk, maduro y reflexivo. Como dirían en su país, <em>betternow tan ever,</em> estamos seguros de que dará rienda suelta sobre el escenario a su inconformismo político y a su ya tan habitual reivindicación y oposición al sistema. En el que hasta ahora es quizás, su disco más político, el músico se lamenta, entre otros, de la desaparición y asesinato de varias mujeres indígenas en Canadá, la guerra o la tormenta política de su país. Ver a McCombs no solo es un regalo para los oídos, sino un discurso para la mente.</p>
<p><iframe src="http://www.youtube.com/embed/qR6l9UOpM2w" width="450" height="300"></iframe></p>
<p>Otras fechas de la gira: 30 de enero en San Sebastián, 31 de enero en Orense, 3 de febrero en Valladolid, 4 de febrero en Zaragoza y 5 de febrero en Barcelona</p>
<p>Toda la información de su gira en<a href="http://cassmccombs.com/shows/"> cassmccombs.com/shows</a></p>',
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<p>Aún recuerdo la primera vez que le vi. Fue en la Plaza del Trigo del Sonorama de 2013 donde un hombre con cabellera y barba abundante, su gran sello característico, levantó a todo el público con su sonido rockero, y eso que seguramente ni uno de los presentes supiese más de dos canciones. Su ascensión ha sido brutal desde que saludó desde Bandcamp con “Las Demos del Ácido” y su música siguió el caudal de un largo río con muchos afluentes que le ha llevado hasta donde está ahora. ‘Camino Ácido’ fue su gran trabajo donde retrata a “Metralleta Joe”, pasa por “El Cruce” en “La Noche del Coyete” y que finalmente despierta en el “Amanecer Canibal”.</p>
<p>Todo sigue su curso con ‘Jesús Levitante’ y ‘Cuatro Truenos Cayeron’. Dentro de éste cabe destacar “Carbura!” y “Mojo”. Además, en anteriores conciertos enlazó a su repertorio habitual nuevos temas: “Río Lobos” y “Escupe fuego”. No le busquen ningún parecido porque no lo tiene. Único en su especie, y sin etiquetas, Stanich suena al mismísimo desierto rodeado de múltiples cactus y con su guitarra con fiel compañera.</p>
<p>Este cantautor se autodenomina “arcano” pero lo que sí que es cierto es que escapa de la burbuja mediática para ocultarse de los flashes que rodean el paisaje actual y que sea el propio boca a boca del público su principal aliado. Parafraseando la canción “El Outsider”, llega el “último aviso para los pasajeros” yquien no coja este tren “con destino hacia ninguna parte” se perderá una despedida muy especial. El ermitaño del rock os espera para poner la guinda al pastel, y por qué no, para tomar un poco de tequila también.</p>
<p> </p>
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<p>Integrado en la 23º edición del <em>‘Valladolindie’</em>, en la ciudad vallisoletana se conjugarán los grupos que lo han petado en los pasados carteles estivales y los que están señalados a hacer lo propio en los próximos. Dos días (9 y 10 de diciembre) en la Feria de Muestras de Valladolid que harán olvidar el frío hasta los que están más allá del muro.</p>
<p><iframe src="http://www.youtube.com/embed/0R6V524LeK8" width="450" height="300"></iframe></p>
<p>En la primera jornada, <strong>Maga</strong> que sigue celebrando su <em>‘15º aniversario’</em> y harán la señal de salida. <em>‘Hola, somos los putos <strong>Sexy Zebras</strong>’</em>, de esta guisa, y con mucho ruido, saludarán estos madrileños que tienen el honor de ser uno de los directos más potentes dentro de nuestra escena independiente española.</p>
<p><strong>Iván Ferreiro</strong> llevará su <em>‘Casa’</em> a Valladolid. El de Nigrán es uno de los que repite en el festival y que estuvo en la pasada edición junto a Love Of Lesbian, Corizonas, Izal, Los Castizos o Supersubmarina. El que fuese cantante de Los Piratas elige la ciudad del poeta José Zorrilla como uno de los primeros sitios donde mostrar su último trabajo.</p>
<p>El viernes continuará con <strong>L.A.</strong> y su <em>‘From the City to the Ocean Side’</em>. Luis Alberto Segura sigue maravillando con su rock cuidado y sentido que cada vez atrae más seguidores. Y la noche la durará <em>‘Diez años y un día’</em> con el cierre final de <strong>Dorian</strong>. La banda catalana de Marc Gili, Belly y cía brillará con sus más que conocidos éxitos.</p>
<p>Tras el día para los más romanticones llegará el sábado, el día grande. <strong>Eladio y los Seres Queridos</strong> traerán la <em>‘Orden Invisible’</em> y ‘<em>Están Ustedes Unidos’</em>. Desde la Coruña llegará <strong>Xoel López</strong> y sus <em>‘Paramales’</em>. El gallego, adorado por la gran masa indie, se meterá al público en el bolsillo nada más salir al escenario.</p>
<p>Una de las bandas, que ha pegado fuerte en este 2016 y de la que somos muy fan, nos pondrá <em>‘Pidiendo en las Puertas del Infierno’</em>. <strong>Mucho</strong> es un grupazo que ya se cuela entre los mejores. Tras escuchar <em>‘El Apocalipsis según Mucho’</em>, por Valladolid pasará <em>‘El Poeta Halley’</em>. Poco que decir de <strong>Love Of Lesbian</strong>. Santi Balmés y su banda regresan al Intro Music tras girar por todas las ciudades que os podáis imaginar y mantener el listón en lo más alto.</p>
<p><strong>Sidonie</strong> serán los encargados de la traca final. A pesar de presentar <em>‘El Peor Grupo del Mundo’</em> son de los mejores que hay en el panorama nacional. Este es el comienzo festivalero de Marc Ros, Axel Pi y Jesús Senra y seguro que durante el próximo curso sonarán en todos los grandes carteles.</p>
<p><iframe src="http://www.youtube.com/embed/hDYNkas2z88" width="450" height="300"></iframe></p>
<p>Todo adornado por <strong>Dridri Dj</strong> que pondrá la música cuando los artistas no estén en las tablas y dirigido por el conocido humorista Dani Martínez. Pues eso, nos vemos en Valladolindie.</p>',
'body_html_clean' => '<p>Cómo poner un festival digno del verano en pleno invierno. Valladolid tiene la pócima secreta para calentar el ‘Winter Is Coming’. Intro Music Festival regresa a la capital castellanoleonesa tras desparecer del circuito festivalero tras un parón de dos años. Si la edición de 2014 sorprendió, la que se avecina en este 2016 es digna para poner un broche final a un curso donde el indie se ha coronado.</p>
<p>Integrado en la 23º edición del <em>‘Valladolindie’</em>, en la ciudad vallisoletana se conjugarán los grupos que lo han petado en los pasados carteles estivales y los que están señalados a hacer lo propio en los próximos. Dos días (9 y 10 de diciembre) en la Feria de Muestras de Valladolid que harán olvidar el frío hasta los que están más allá del muro.</p>
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<p>En la primera jornada, <strong>Maga</strong> que sigue celebrando su <em>‘15º aniversario’</em> y harán la señal de salida. <em>‘Hola, somos los putos <strong>Sexy Zebras</strong>’</em>, de esta guisa, y con mucho ruido, saludarán estos madrileños que tienen el honor de ser uno de los directos más potentes dentro de nuestra escena independiente española.</p>
<p><strong>Iván Ferreiro</strong> llevará su <em>‘Casa’</em> a Valladolid. El de Nigrán es uno de los que repite en el festival y que estuvo en la pasada edición junto a Love Of Lesbian, Corizonas, Izal, Los Castizos o Supersubmarina. El que fuese cantante de Los Piratas elige la ciudad del poeta José Zorrilla como uno de los primeros sitios donde mostrar su último trabajo.</p>
<p>El viernes continuará con <strong>L.A.</strong> y su <em>‘From the City to the Ocean Side’</em>. Luis Alberto Segura sigue maravillando con su rock cuidado y sentido que cada vez atrae más seguidores. Y la noche la durará <em>‘Diez años y un día’</em> con el cierre final de <strong>Dorian</strong>. La banda catalana de Marc Gili, Belly y cía brillará con sus más que conocidos éxitos.</p>
<p>Tras el día para los más romanticones llegará el sábado, el día grande. <strong>Eladio y los Seres Queridos</strong> traerán la <em>‘Orden Invisible’</em> y ‘<em>Están Ustedes Unidos’</em>. Desde la Coruña llegará <strong>Xoel López</strong> y sus <em>‘Paramales’</em>. El gallego, adorado por la gran masa indie, se meterá al público en el bolsillo nada más salir al escenario.</p>
<p>Una de las bandas, que ha pegado fuerte en este 2016 y de la que somos muy fan, nos pondrá <em>‘Pidiendo en las Puertas del Infierno’</em>. <strong>Mucho</strong> es un grupazo que ya se cuela entre los mejores. Tras escuchar <em>‘El Apocalipsis según Mucho’</em>, por Valladolid pasará <em>‘El Poeta Halley’</em>. Poco que decir de <strong>Love Of Lesbian</strong>. Santi Balmés y su banda regresan al Intro Music tras girar por todas las ciudades que os podáis imaginar y mantener el listón en lo más alto.</p>
<p><strong>Sidonie</strong> serán los encargados de la traca final. A pesar de presentar <em>‘El Peor Grupo del Mundo’</em> son de los mejores que hay en el panorama nacional. Este es el comienzo festivalero de Marc Ros, Axel Pi y Jesús Senra y seguro que durante el próximo curso sonarán en todos los grandes carteles.</p>
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<p>Todo adornado por <strong>Dridri Dj</strong> que pondrá la música cuando los artistas no estén en las tablas y dirigido por el conocido humorista Dani Martínez. Pues eso, nos vemos en Valladolindie.</p>',
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<p>Así dando continuidad a una longeva carrera Enrique Villareal, El Drogas, vuelve la mirada para traernos “Un día nada más” (2016) su nuevo trabajo en directo, en formato doble CD y doble DVD con dos libretos de 32 páginas cada uno y diseño en Digipack de lujo. 29 canciones en total, todo ello producido por Carlos Raya, poniendo la guinda al que ya es un disco imprescindible en la historia del Rock nacional. Un apoteósico trabajo que supone el fiel reflejo de lo que ocurrió en Pamplona el pasado 2 de julio, en el que Enrique Villarreal ‘El Drogas’, y su banda superaron todas las expectativas con creces y demostraron el momento tan dulce que están viviendo. Bien arropados por unos invitados de lo más diversos, pero unidos todos ellos por el respeto y la admiración mutua hacia El Drogas y su banda. 4 formatos en 3 escenarios diferentes interpretando canciones de toda su carrera en Barricada, Txarrena, La venganza de la abuela y ya su carrera actual bajo el nombre de ‘El Drogas’, arropado por gente tan grande como Fito Cabrales (Fito & Fitipaldis), Carlos Tarque (M Clan), Kutxi Romero (Marea), Luz Casal, Quique González, Rosendo, Ara Malikian, Leiva, Yosi Domínguez (Los Suaves), Gorka Urbizu (Berri Txarrak), Rulo (Rulo y la contrabanda), Carlos Escobedo (Sôber), así hasta 19 invitados capaces de juntarse para que en un mismo concierto, crearan entre todos ellos unos de los mejores momentos mágicos e irrepetibles de la música en los últimos 35 años.</p>
<p> </p>
<p><img src="/files/images/resize/640x1000_imagen-drogas32895.jpeg" alt="640x1000_imagen-drogas32895.jpeg" /></p>
<p>El próximo viernes 2 diciembre. Enrique Villarreal ‘El Drogas’ nos presentara en una de las siete Únicas fechas de presentación de “Un día nada más” (2016) en directo en 2016 en todo el país.En este concierto irrepetible podremos disfrutar en primicia de su nuevo trabajo, en el que repasará los mejores momentos de su extensa carrera.</p>
<p><strong>2 Diciembre, Laboratorio de las Artes, Sala Blanca.</strong></p>
<p><strong>Apertura puertas: 21.00 hrs Concierto: 22.00 horas.</strong></p>
<p><strong>Entradas:</strong> anticipada 18 euros / taquilla 22 euros.</p>
<p><strong>Venta anticipada:</strong> Red Ticketmaster, Bar Otro Trastero, Bar Calaveras y Diablitos, Laboratorio de las Artes.</p>',
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<p class="Poromisin">Este año se prepara su edición número diecisiete, con un cartel que apuesta por la diversidad. Desde música electrónica donde destacan Major Lazer o el John Talabot, hip-hop con Kendrick Lamar, a indie-rock británico con Bloc Party e indie patrio con Dorian o La Habitación Roja. El encargado de abrir el cartel este año es Major Lazer, uno de los productores más solicitados del momento, que el verano pasado saco nuevo trabajo, uno de los mejores hasta el momento según algunas críticas. De momento seguimos esperando la segunda parte de este trabajo <em>Peace Is The Mission</em> que dijo iba a estar lista para principios de este año. Una obertura de festival con música en plena forma y cuyos proyectos siguen interesando al público actual.</p>
<p class="Poromisin">Además destaca la participación de Kendrick Lamar, un músico que está llamado a marcar un antes y un después en la deriva de la música popular y, quizás, uno de los más esperados en esta edición del festival.</p>
<p class="Poromisin">En cuanto al indie extranjero sin duda unos de los más esperados son los británicos Bloc Party que estrenaron nuevo álbum en enero de éste año. Después de la marcha de Matt Tong y Gordon Moakes apostaron por un disco en el que nos volvieron a sorprender con un sonido que mezcla tanto elementos de música electrónica como de rock. Un disco intimista y sorprendente que ha sido muy esperado por el público. No podemos dejar de nombrar a Muse, una banda que ya no tiene nada que demostrar y cuyos seguidores, fieles, llenaran el gran escenario del sábado.</p>
<p class="Poromisin">Por último un poco de música patria. Zahara, Dorian y La Habitación Roja, por citar a los más seguidos. La Habitación roja, uno de los grupos de la escena alternativa española que más llevan en activo, será un reclamo para los fans más incondicionales de la banda, que esperaran temas míticos así como del último disco que publicaron en 2014 <em>La moneda en el aire.</em></p>
<p class="Poromisin">En resumen, un festival que siempre apetece a los amantes de la música, no sólo por su gran variedad de géneros musicales que nos podemos encontrar en sus escenarios, sino también por su gran ambiente. Y es que una vez pruebas lo que es el FIB, siempre repites.</p>
<p><iframe src="http://www.youtube.com/embed/BC2dRkm8ATU" width="450" height="300"></iframe></p>
<p>+info:<a href="http://fiberfib.com/cartel.php"> fiberfib.com</a></p>',
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<p>Un año más vuelve el Portamérica. Este año con un día menos, hecho que agradecemos los más explotados, pero no por ello menos ganas de música y de un buen ambiente. O Porto do Molle nos acoge un año más para poder disfrutar de las mañanas de playa y las tardes de música. Puede que llueva, puede que no. Mejor pensar que este año el chubasquero se queda en casa.</p>
<p>Como no, Amaral protagoniza el cabeza de cartel este año acompañada de los mexicanos Molotov y de Izal. Dando la nota gallega tenemos a los eternos, maravillosos y divertidos Amaro Ferreiro y Eme DJ. Gracias a ellos, un Portamérica es un Portamérica.</p>
<p>Finalizamos con un segundo día donde tendrán todo el protagonismo Bunbury, Love of Lesbian, León Benavente y TheUndertones. Este año los más pequeños toman el escenario, FuriousMonkeyHouse se estrena en el Portamérica. A ver si no hacen sombra a los grandes con mucho nombre y mucho ego. Otros que no pueden faltar en un festival son ElyellaDJ’s, encargados de cerrar la fiesta. </p>
<p>No os olvidéis, nos vemos el Nigrán el 15 de julio.</p>
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<p>Este año el enoFestival celebra su quinta edición y lo hace mudándose al Teatro Goya con un cartel cuidado. En el nuevo espacio además de las actividades habituales, como las catas dirigidas, se incorporarán nuevas sorpresas como las ENOTALKS, mesas redondas para debatir el presente y el futuro del sector desde un punto de vista revolucionario, un espacio al aire libre para foodtrucks… y el winetruck de Torres! Djs, concursos, etc.</p>
<p>La oferta vinícola duplica el número de referencias de vino participantes, con la intención de convertir al enoFestival en una representación de la diversidad y calidad de vinos de todas las regiones de España.</p>
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<p> </p>
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<p>El CAB reúne en esta exposición una triple mirada en torno a la maravilla que habita en los objetos más corrientes, en los paisajes que nos son más familiares y en nuestros espacios más cotidianos a través del trabajo de las fotógrafas Andrea Baumgartl, María José Gómez Redondo y Fran López Bru.</p>
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<p>+ info: <a href="http://www.cabdeburgos.com">cabdeburgos.com</a></p>',
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<p>"All Access", haciendo gala de su significado (acceso libre a todas las áreas) reúne, tanto en blanco y negro como en color, más de veinte retratos de artistas como Mick Jagger, Iggy Pop, Kiss, Steve Van Zandt, El Cigala...</p>
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<p>Con esta confirmación, los organizadores del festival arandino, dicen seguir reivindicando y homenajeando nuestra música.</p>
<p>Ganadores de decenas de premios a lo largo de su carrera, entre ellos, un Grammy Latino por toda su trayectoria y tras componer más de 800 canciones, el Dúo Dinámico conseguirá que el próximo mes de agosto <span class="il">Sonorama</span> <span class="il">Ribera</span> se inunde del espíritu del mejor pop de los 60. </p>
<p>EL cartel cuenta también con artistas como The Hives, Love of Lesbian, Mando Diao, Quique González, Molotov, Izal, 091 o Kula Shakers...</p>
<p><iframe src="http://www.youtube.com/embed/K1rKj6XMt4Q" width="450" height="300"></iframe></p>
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<p>Inevitablemente atraída por sus melodías oscuras y por ese toque “Joy Division” me voy de peregrinaje con Álvaro (encargado de aporrear los teclados) por los rincones y bares oscuros de Malasaña, mientras me cuenta historias de esas que se pueden contar y de las que no...</p>
<p>Hablamos del sonido Trajano!, de cómo el post-punk es algo que aparece frecuentemente si se habla de ellos, del esoterismo puro y duro que desprenden sus riffs de guitarra, y me pregunto a qué gurú de la música recurren para buscar inspiración... <strong>“Cada uno tiene sus preferencias y eso enriquece al grupo. Últimamente estamos siguiendo a grupos como Toy, DIIV, The Drums, The Horrors... Siempre nos han gustado clásicos como The Smiths, The Cure (sobre todo sus primeros discos), Joy Division... Supongo que hay un poco de todo lo que escuchamos en nuestros temas pero de forma totalmente inconsciente. A nosotros mismos nos cuesta definir nuestro sonido con alguna etiqueta, aunque parece que la mayoría coincide en lo de post-punk. </strong></p>
<p>Es esa crudeza del sonido mezclado con oscuras letras lo que más me enganchó y lo que más destacaría de esta banda madrileña.</p>
<p>Mientras, los vasos vacíos se van acumulando en nuestro tablero de ouija, digo... mesa de bar. Es hora de resucitar a los muertos, y si pudieran resucitar a alguien para poder compartir escenario, Trajano! resucitaría a…<strong> “Ian Curtis, Joe Strummer y Kurt Cobain... para formar un súper grupo junto a Rocío Jurado”. </strong>Y yo no podría estar más de acuerdo. Si juntas a La Más Grande con Los Más Grandes evidentemente el resultado sería algo GRANDE.</p>
<p>Con respecto a sus directos también nos dan alguna pista para aquellos que aún no han podido verles subidos a un escenario, y por si no me habían conquistado suficiente, lo hacen mencionando la palabra mágica “pogos”: <strong>“Procuramos ser “serios” </strong>(ojo. comillas)<strong> en los directos, nuestros movimientos espasmódicos son reales, forman parte de cada tema. Lo sentimos así. Para nosotros el directo es la recompensa a las horas de ensayo e intentamos dejarlo todo en el escenario. Siempre nos ha gustado meternos en pogos cuando vamos a conciertos de otros grupos, aunque sabemos que nuestra música no se presta mucho a eso. Nos emociona ver a la gente moviendo la cabeza o cantando nuestras letras... Para nosotros es como un símbolo de aprobación.” </strong></p>
<p><iframe src="http://www.youtube.com/embed/XPd_BbrWzBc" width="450" height="300"></iframe></p>
<p><strong> </strong></p>
<p>No podemos perdernos su directo el próximo junio dentro del Palencia Sonora.</p>
<p>+info:<a href="http://www.palenciasonora.com/"> palenciasonora.com</a> </p>
<p> </p>
<p> </p>
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<p><strong> </strong></p>
<p>No podemos perdernos su directo el próximo junio dentro del Palencia Sonora.</p>
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<p>Sónar actúa como catalizador de relaciones entre el mundo de la creatividad, la tecnología y el conocimiento. El programa de actividades de este año fomenta la interacción entre los diferentes protagonistas del ecosistema de la innovación mediante la colaboración de la comunidad creativa con universidades, centros de investigación científica y el ámbito empresarial.</p>
<p>Entre los temas de esta edición, Sónar+D propondrá debates como: el impacto de los algoritmos sobre la prescripción cultural y su efecto en nuestras vidas, los retos de los artistas para abordar la tecnología como herramienta transformadora y de impacto cultural y social, los modelos que proponen volver a descentralizar la Red, las relaciones entre cultura y activismo, las posibilidades narrativas y experienciales de la realidad virtual o el potencial de los datos como materia de creación artística. Estrenos europeos y nacionales de producciones de realidad virtual, nuevos instrumentos musicales, prototipos sonoros o audiovisuales, experimentos colectivos que unen ciencia y arte destacan entre las propuestas que recorrerán el congreso transversalmente...</p>
<p><img src="/files/images/resize/640x1000_sonar-d33871.jpeg" alt="640x1000_sonar-d33871.jpeg" /></p>
<p>+info:<a href="https://sonar.es/"> sonar.es</a></p>
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<p>Para el calor del verano Muro lanza un nuevo modelo: Medusa, ideal para el perfecto outfit en las citas festivaleras...</p>
<p>El gran protagonista de Medusa es su tejido: una rejiilla 3D que permite un constante flujo de aire y una transpiración del 100%; además de una suela flexible de poliuretano, horma anatómica para garantizar el ajuste al pie y plantilla de foam de alta calidad, creando un conjunto más ligero para el verano.</p>
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<p> </p>
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<p>Izal, The Royal Concept, Dorian o el dúo Monarchy encabezan el cartel del Festival, en el que tampoco faltarán bandas como los veteranos Lagartija Nick, Belako, o el cuarteto donostiarra Correos, Novedades Carminha, entre otros....</p>
<p>No te pierdas sus fiestas de presención en diferentes ciudades, donde podrás participar en sorteo de abonos y merchandising.</p>
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<p>Cinco años después del parón indefinido de la banda, LCD Soundsystem vuelven con la misma fuerza con la que explosionaron en los inicios de la década pasada gracias a su arrollador directo, que se podrá disfrutar por partida doble en el marco del festival. Condensando 40 años de rock y baile en sus discos, el grupo ha sabido unir en su discografía el post punk, la música de baile, el pop y la electrónica y fundirlo en hits instantáneos como “Losing My Edge”, “All My Friends” o “Daft Punk Is Playing At My House”. Tres discos de estudio conforman su legado hasta el momento, a la espera de su inminente nuevo álbum.</p>
<p>Toda la información de como poder asistir a este concierto en <a href="https://www.primaverasound.com/">primaverasound.com</a></p>',
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<p><img src="/files/images/resize/640x1000_maians8572.png" alt="640x1000_maians8572.png" /></p>
<p>Tras vivir en París, donde se desarrolla una gran parte de su trabajo, está contenta de estar de vuelta en casa, por un tiempo. " Taipei es fascinante. Es el lugar donde tradición y modernidad se cruzan y conviven”.</p>
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<p>Para ella, la foto perfecta es la que habla por si misma. "Me gusta no anticipar ningún detalle sobre la historia y dejar a mi audiencia decidir y sentir algo propio, muy suyo. El arte es subjetivo y no debería ser definido por nadie. Estamos repletos de diversidad e imaginación y esto convierte nuestro planeta en algo 100% único”...</p>
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<p> Descubre más historias en::: <a href="http://maians.es/life-walkers/es/tingfang-taipei/">maians.es/life-walkers</a></p>
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<p>Estamos ansiosos de que llegue el momento de ver a Muse, Kendrick Lamar, The Chemical Brothers, Disclosure, Major Lazer y Massive Attack brillando en nuestros escenarios, del mismo modo que lo harán The Maccabees, The 1975, Biffy Clyro, Jamie xx, The Vaccines, Bloc Party, Skepta, Dj Shadow, Catfish And The Bottlemen, Mac DeMarco, Hinds, La Habitación Roja, Young Fathers y muchos más, que harán de los días 14, 15, 16 y 17 de julio sean una auténtica celebración...</p>
<p>+info:<a href="http://fiberfib.com"> fiberfib.com</a></p>
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<p>Y desde hace diez años, el punto de encuentro es la ciudad de Murcia. Tal es la expectación que desde finales de febrero es complicado encontrar alojamiento en la ciudad de los Acho y Estrella Levante. Todo esto incluso antes de saber el nombre de ningún grupo del cartel.</p>
<p>Ahora tenemos a unos cuantos: The Libertines, Chvrches, Amaral, Belize, Corizonas, León Benavente o Triángulo de Amor Bizarro…</p>
<p>Hay que reconocer que este año juegan una baza muy importante con el grupo de Pete Doherty y Carl Barat. El morbo siempre rodea una actuación de Pete Doherty. Por razones independientes a música todos sus movimientos generan mucha expectación.</p>
<p>Otro concierto que no debemos perdernos es el de los gringos Of Montreal. Su paranoia y locura nos transportarán a un mundo totalmente paralelo, de Murcia a Marte o cualquier parte de la constelación donde sólo existamos nosotros y nadie más.</p>
<p>Para otros lo será en el caso de Manic Street Peaches. Los galeses celebran el 20 aniversario del álbum “Everythingmustgo” con una gira internacional y con paradita en Murcia. Según cuentan Editors se unirán como invitados especiales a algunos de sus conciertos, ¿será nuestro caso? Ver a Editors en concierto aunque sea una colaboración nunca está mal.</p>
<p> </p>
<p><iframe src="http://www.youtube.com/embed/J9L-jyFEsK4" width="450" height="300"></iframe></p>
<p>Pero no todo va a ser música extranjera. No están dentro del listado de artistas principales pero uno de los grandes conciertos será el de Belize, esa banda navarra que ha tocado 20.000 veces este año por toda España y por todas las emisoras. No son nuevos en los festivales y no hay duda que será una actuación más tranquila pero no por ello menos intensa.</p>
<p>Pero si hay algo que no falla durante estos dos días son los DJs. No sé si será el estado de la gente pero lleven a quien lleven siempre, absolutamente siempre, consiguen ser una de las mejores partes del festival.</p>
<p>Acostumbrados años tras año a que nuestras madres nos hicieran sentir los peores hijos del mundo por preferir pasar su día en un festival, por fin este año podremos estar con ellas gracias a un cambio de fecha. Este año nos veremos las caras el fin de semana del seis de mayo, como siempre, en Murcia.</p>
<p> +info<a href="http://sos48.com/">:sos48.com</a></p>',
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<p>Hay que reconocer que este año juegan una baza muy importante con el grupo de Pete Doherty y Carl Barat. El morbo siempre rodea una actuación de Pete Doherty. Por razones independientes a música todos sus movimientos generan mucha expectación.</p>
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<p>Pero si hay algo que no falla durante estos dos días son los DJs. No sé si será el estado de la gente pero lleven a quien lleven siempre, absolutamente siempre, consiguen ser una de las mejores partes del festival.</p>
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<p>Compañeros de escenario serán Tripulante y Crucero con su maravillosa amalgama de sonidos pop...</p>
<p>+ info: <a href="http://www.winterindiecity.com/">winterindiecity.com</a></p>
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<p>La frase que da título a esta exposición <em>¡Chicas! ¿Por qué decidisteis montar un grupo?</em>... Es una pregunta aparentemente cándida que esconde las aristas de una realidad compleja e incómoda, pregunta a la que se enfrenta de forma habitual los grupos conformados integra o mayoritariamente por mujeres y cuya respuesta a menudo termina envuelta en silencio. Un silencio roto en este proyecto por cinco creadoras: FeeRega, Lorena Álvarez, Ainara LeGardón, Las CasiCasiotone y PL Girls, que nos abren su interior para compartir sus experiencias y visiones respecto a la actual presencia de la mujer en el mundo de la música. Pues sin duda la mujer, la música, la artista, la creadora, tiene discurso más allá de la mera participación como protagonista principal de la normalización de su actividad dentro del ámbito musical.</p>
<p> <em>¡Chicas! ¿Por qué decidisteis montar un grupo?</em> se concreta en una instalación audio visual realizada por Elena Gallén a partir de las entrevistas recogidas en el interior de las paginas del libro coeditado por MUSAC y Lados Magazine, donde se profundiza en el estado de la cuestión del rol de la mujer en la industria de la música.</p>
<p>+info: <a href="http://musac.es/#/musac.es/">musac.es</a></p>
<p><iframe src="http://www.youtube.com/embed/-HbUortzIAg" width="450" height="300"></iframe></p>
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<p>Lo que llama la atención de este modelo es su original diseño trenzado con detalles en piel, que consigue crear un nuevo efecto dentro del modelo más clásico de sneaker.</p>
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<p>Acércate a Woden y camina...</p>
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<p>Lo que llama la atención de este modelo es su original diseño trenzado con detalles en piel, que consigue crear un nuevo efecto dentro del modelo más clásico de sneaker.</p>
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<p>El viernes comenzaba tímido. Amatria hizo el resto. El valenciano inauguraba el festival en el bar La Musa. El escenario ayudaba al espectáculo y poco a poco, gracias a la hora, el concierto fue ganando calor y público. El grupo encabezado por Joni Antequera seguía con su gira y quemó la tarde noche mirandesa. Su disco homónimo, el último en salir, estuvo presente, aunque sin olvidar los pasos anteriores. Joni se fue “De Cañas con el Enemigo” y acabó versionando a Los Planetas con “La Copa de Europa”. No faltó “La Buhardilla” y tampoco el esperado tema “Chinches”. La fiesta terminó moviendo a todos con “Atarax”.</p>
<p>La melodía pop y el sonido electrónico de Amatria se cohesionó con la posterior Afterparty que montó Estereoclub. Breve pero intenso. Así fue la primera jornada de EbroFest. Había que recargar pilas porque se avecinaba un sábado muy movido.</p>
<p>Con el aperitivo se abrió paso Domador. Otra vez en La Musa y otra vez éxito. Chema, Ruben, Israel y Alfredo domaron con el pop pánico característico de la banda oscense. ‘No te Reconozco’ es el último disco de la banda y a la vez el más maduro. Directos e íntimos. Los de Huesca llegaban con ganas y se unieron a la familia EbroFest rápidamente. “Si me Dejaras” entró de lleno y el público les “dejaron intentarlo”. Deejay amenizó el camino al restaurante.</p>
<p>Tras la parada para comer, el siguiente fue Ada Van. Los digestivos comenzaban a hacer presencia entre los festivaleros. El grupo catalán se exhibía en La Madre. El toque rock and roll había llegado. Nos presentaron a “Hans”, corrimos por “Los Campos de Azafrán” y todo fue “La Fiesta del Cordero”. La cada canción absorbía con más intensidad a los presentes. Los bailes del cantante se contagiaban y el ritmo fluía en el aire. Brummel se infectó del estilo de los catalanes y continuó con la celebración.</p>
<p>Se acercaba el plato fuerte. La Sala Bocca abría las puertas y Rural Zombies sacaba a relucir su disco ‘BAT’. Desde Guipúzcoa vienen pegando fuerte, y es que la banda y la voz de Julia atraen. Nada más empezar, el grupo transmitió algo que a veces es muy complicado, buen rollo. Incluso pudimos ver que había varios seguidores ataviados como “zombis” rurales. “Nitro” hizo bailar hasta a los muertos vivientes. Seguido fue “Fall” y un tema en euskera. Hubo tiempo para la versión del “In For The Kill” del grupo ingles La Roux. Los de Zestoa se desenvolvían perfectamente en el escenario y tenían al público entregado. “Golden” encauzó el camino para poner la guinda con “Stones” y “Shut Up”.</p>
<p>Los festivaleros pedía tiempo muerto pero el deseo no fue concedido. Pemenanf y J. Polli los culpables. Había que coger fuerzas para llegar a la Fábrica de Tornillos donde tocaban Franco y Triángulo de Amor Bizarro.</p>
<p>La “velada” se originó con la pinchada de Teleclub Djs. Y fue entonces cuando Franco se subió al escenario. La joven banda de Bilbao sorprendió. El disco-punk mantuvo el punto álgido al que el público había llegado.</p>
<p>Los vizcaínos, a pesar de su corta edad, ya tienen tres publicaciones. Todas ellas presentes en el concierto. Su último disco ‘El Sueño Español’ muestra el salto de calidad que el grupo ha ido construyendo paso a paso. “Cabeza de Cartel”, “Siempre Saludaba” o “Rivaldo” fueron ejemplo de ello. El EP ‘Villa Soba’ se pronunció, moviendo a la gente con “Neoliberal” y “Canción para Cerrar”, o con “Winston” de su disco homónimo. Pero todavía sorprendieron más. Las letras pegadizas y directas con su crítica social se cantaron. Patente la idea en el track que da nombre al disco “El Sueño Español”, en “Iberduero”, o en “Caso Himalaya”. Versionaron “Jerk It Out” de Caesars, y acabaron convirtiendo la sala en una “Rave del Amor”.</p>
<p>Y llegó el cabeza de cartel. Triángulo de Amor Bizarro, comandado por Isa, Rodrigo, Rafa y Zippo, se adueñó de todos. El impresionante directo de la banda gallega no pasa desapercibido. La puesta en escena y la atmosfera que crean impacta. Y si a esto le añadimos el último trabajo, ‘Salve Discordia’, se conjuga el mejor escenario posible.</p>
<p>Todo empezó con “Desmadre Estigio”. La temperatura ascendió y contaminó los cuerpos de los festivaleros. “La Malicia de las Especies Protegidas” representó el disco ‘Año Santo’, así como “Robo Tu Tiempo” y “Ellas se Burlaron de mi Magia”, hicieron lo propio con ‘Victoria Mística’. Sin embargo hubo más espacio para la maravilla que presentaron en este 2016. “Gallo Negro se Levanta”, “Baila Sumetra”, “Barca Quemada”, “Seguidores”, “Como Encontre a la Diosa”/ “Que Hizo por Ella Cuando la Encontrés”… Podría enumerar cada uno de las canciones del disco, pero queda claro que explayaron su estilo rock-noise y post-punk. El fin llegó con los temas por excelencia de TAB: “El Fantasma de la Transición”, “Estrellas Místicas” y “De la Monarquía a la Criptocracia”.</p>
<p>Un final de EbroFest que augura que este proyecto va a tener futuro. La fiesta continuó con Estereobrothers –presentes en todo el festival con las instalaciones videomapping-, Panoramix y finalmente con Jeff Automatic en la sala Orosco. Desde luego, dos días intensos que se pasaron volando. Buen nivel de música, incremento de público y, sin duda, un ambiente envidiable. Larga vida a EbroFest.</p>',
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<p>La melodía pop y el sonido electrónico de Amatria se cohesionó con la posterior Afterparty que montó Estereoclub. Breve pero intenso. Así fue la primera jornada de EbroFest. Había que recargar pilas porque se avecinaba un sábado muy movido.</p>
<p>Con el aperitivo se abrió paso Domador. Otra vez en La Musa y otra vez éxito. Chema, Ruben, Israel y Alfredo domaron con el pop pánico característico de la banda oscense. ‘No te Reconozco’ es el último disco de la banda y a la vez el más maduro. Directos e íntimos. Los de Huesca llegaban con ganas y se unieron a la familia EbroFest rápidamente. “Si me Dejaras” entró de lleno y el público les “dejaron intentarlo”. Deejay amenizó el camino al restaurante.</p>
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<p>Los festivaleros pedía tiempo muerto pero el deseo no fue concedido. Pemenanf y J. Polli los culpables. Había que coger fuerzas para llegar a la Fábrica de Tornillos donde tocaban Franco y Triángulo de Amor Bizarro.</p>
<p>La “velada” se originó con la pinchada de Teleclub Djs. Y fue entonces cuando Franco se subió al escenario. La joven banda de Bilbao sorprendió. El disco-punk mantuvo el punto álgido al que el público había llegado.</p>
<p>Los vizcaínos, a pesar de su corta edad, ya tienen tres publicaciones. Todas ellas presentes en el concierto. Su último disco ‘El Sueño Español’ muestra el salto de calidad que el grupo ha ido construyendo paso a paso. “Cabeza de Cartel”, “Siempre Saludaba” o “Rivaldo” fueron ejemplo de ello. El EP ‘Villa Soba’ se pronunció, moviendo a la gente con “Neoliberal” y “Canción para Cerrar”, o con “Winston” de su disco homónimo. Pero todavía sorprendieron más. Las letras pegadizas y directas con su crítica social se cantaron. Patente la idea en el track que da nombre al disco “El Sueño Español”, en “Iberduero”, o en “Caso Himalaya”. Versionaron “Jerk It Out” de Caesars, y acabaron convirtiendo la sala en una “Rave del Amor”.</p>
<p>Y llegó el cabeza de cartel. Triángulo de Amor Bizarro, comandado por Isa, Rodrigo, Rafa y Zippo, se adueñó de todos. El impresionante directo de la banda gallega no pasa desapercibido. La puesta en escena y la atmosfera que crean impacta. Y si a esto le añadimos el último trabajo, ‘Salve Discordia’, se conjuga el mejor escenario posible.</p>
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<p>A través de los diferentes impactos de cada imagen o secuencia y, más allá, en la pieza en vídeo leitmotiv de toda la muestra, García-Alix nos conduce a una narración en primera persona. Su propia voz nos conduce a través de microrrelatos que nos trasladan a “San Carlos”, una ciudad de luces y sombras; el “jardín perdido” y sus alegorías orgánicas; los “olvidados y mártires”, retrato de una generación de supervivientes y caídos; “Rocinante”, la motocicleta vista como una montura abstracta de velocidad y desequilibrio.</p>
<p>García-Alix nos aproxima a su horizonte que es el de la propia fotografía. La transformación del referente en una nueva realidad creada a través de planos aberrantes, juegos de escala, sombras corpóreas, velos y desvelos. Pasado y destino conviven en un presente incierto, angustioso, onírico, creado a través de un monólogo al que asistimos como <em>voyeurs</em> silenciosos.</p>
<p><a href="http://www.promociondelarte.com/tabacalera/"> + info:promociondelarte.com/tabacalera</a></p>
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<p>Tras fichar por Warner, lanzaron el pasado 24 de marzo su single de debut Thank You, producido por JIm Abbiss (Arcade Fire, Kasabian), canción que presenta una magnífica instántanea del sonido de All Tvvins: indie rock crudo apoyado por una vorágine de sintetizadores, en una colisión de influencias muy dispares que da como resultado una mezcla del pop art sonoro de Tv On The Radio con las excursiones psicodélicas de Animal Collective.</p>
<p>Actualmente la banda prepara su álbum de debut con las colaboraciones de Abbis, Cam Blackwood (GeorgeEzra, LondonGrammar), MarkRankin (Queens of the Stone Age, Bombay Bicycle Club) y MattSchwartz, entre otros...</p>
<p><iframe src="http://www.youtube.com/embed/iUh8X705Xrc" width="450" height="300"></iframe></p>
<p>Podremos disfrutar de su personal sonido el próximo 12 de febrero en Razzmatazz (Barcelona).</p>
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<p>Para darle una mayor resistencia y durabilidad a esta GEL-LYTE V, se han empleado materiales resistentes como el nubuck, el ripstop nylon y la tecnología TecTuff en el talón. Esta edición lleva un acabado en GORE-TEX para resistir en los días más lluviosos.</p>
<p>+info: www.asicstiger.com </p>
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<p>Para darle una mayor resistencia y durabilidad a esta GEL-LYTE V, se han empleado materiales resistentes como el nubuck, el ripstop nylon y la tecnología TecTuff en el talón. Esta edición lleva un acabado en GORE-TEX para resistir en los días más lluviosos.</p>
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<p> </p>
<p><img src="/files/images/resize/640x1000_zola-jesus77695.jpeg" alt="640x1000_zola-jesus77695.jpeg" /></p>
<p>Este próximo Sábado 31 de Octubre dentro del ciclo Son Estrella Galicia, tendremos la oportunidad de dejarnos encantar de esta poderosa y creativa voz en directo y comprobar in situ si estamos ante una realidad, ante una nueva diva.</p>
<p><iframe src="http://www.youtube.com/embed/sV9O17Fy7Wk" width="450" height="300"></iframe></p>',
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<p>Era viernes por la tarde y el pelotazo de salida al festival lo daban los británicos Fat White Family en el <em>Teatro Barceló</em>. Los pantalones de Lias, líder vocal y espiritual, tras aguantar un par de envistes se mantuvieron en su sitio hasta el final del concierto, (más de una y de dos veces no ha sido así). El coutry-pop , el rock y el macarrismo amenazante de Lias pusieron la miel en los labios de quién se acercaba curioso a ver “a unos colgaos” y hizo las delicias de quienes íbamos directos a por el espectáculo. Una hora mal escogida que no dio más de sí para un show ansioso y altivo que pedía más energía y pogos en el foso de Barceló.</p>
<p> </p>
<p>A estos les seguían las divertidas y legendarias ESG, que ya poco conserva de su formación original. Esperadas y aclamadas, demostraron su status en una primera y por el momento, última visita a España. Con influencias del hip-hop y dance, los neoyorkinos dieron en Madrid un recital divertido y simpático aunque sin demasiado brillo y poca técnica. Eso sí, ayudaron a fluir la cerveza en el cuerpo de los asistentes que aquí si se arrancaron con los bailoteos.</p>
<p> </p>
<p><iframe src="http://www.youtube.com/embed/kV7KVGThUdc" width="450" height="300"></iframe></p>
<p>Mientras tanto y durante viernes y sábado <em>El Cielo</em> acogía las apuestas y propuestas nacionales, muy buenas propuestas. Entre ellas destacar Ocellot y San Senra.</p>
<p><iframe src="http://www.youtube.com/embed/oEBe5gXtv2k" width="450" height="300"></iframe></p>
<p>Pero todo el buen rollo se quedó en Barceló, y el aforo se llevó el protagonismo del viernes noche, con un porcentaje mínimo de asistentes dentro de Sirocco y un número muy alto de gente haciendo cola en la calle. Estos últimos tuvieron que recurrir a la sala Yasta, que como es evidente, no ofrecía lo mismo que Sirocco.</p>
<p> </p>
<p>La jornada del sábado se centró en lo que ya se preveía como “la noche de los Sonics”, <em>Psycho y Have Love Will Travel,</em> levantaron los pies hasta a los que tienen por norma solo agitar la cabeza. Además, recalcar que los nuevos temas de los <em>Sonics</em> no desmerecieron entre los clásicos.</p>
<p><em>Moon Duo y La Luz,</em> cada uno en lo suyo, son también dignos de mención en esta noche.</p>
<p> </p>
<p><iframe src="http://www.youtube.com/embed/ZamjlaIOvU8" width="450" height="300"></iframe></p>
<p>El domingo se concentró en Joy Eslava. Por orden actuaron: el post-punk mitad disco mitad house de <strong>Golden Teacher</strong><strong>, </strong>unos bizarros y desconocidos <strong>EEK feat. Islam Chipsy </strong>y un final y aclamado <strong>Lindstrom</strong>, otra de las apuestas más esperadas del festival que, las cosas como son, podría haberse esforzado más para poner punto y final a un Villamanuela que como se suele decir, nos deja jodido pero contentos. Un par de peros y una gran enhorabuena a una propuesta tan especial como necesaria.</p>
<p><iframe src="http://www.youtube.com/embed/UX0MZHO5Fys" width="450" height="300"></iframe></p>
<p>Larga vida al Villamanuela, a los carteles con banda que aún no han pisado España o que hace tiempo que no lo hacen. Bravo también por la apuesta por bandas nacionales más allá de Lori Meyers y larga vida a las tapas, las tiendas y la cultura en la zona Maravillas, y en todos y cada uno de los barrios que forman Madrid.</p>
<p>Hasta 2016.</p>',
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<p>A estos les seguían las divertidas y legendarias ESG, que ya poco conserva de su formación original. Esperadas y aclamadas, demostraron su status en una primera y por el momento, última visita a España. Con influencias del hip-hop y dance, los neoyorkinos dieron en Madrid un recital divertido y simpático aunque sin demasiado brillo y poca técnica. Eso sí, ayudaron a fluir la cerveza en el cuerpo de los asistentes que aquí si se arrancaron con los bailoteos.</p>
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<p>Mientras tanto y durante viernes y sábado <em>El Cielo</em> acogía las apuestas y propuestas nacionales, muy buenas propuestas. Entre ellas destacar Ocellot y San Senra.</p>
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<p>Pero todo el buen rollo se quedó en Barceló, y el aforo se llevó el protagonismo del viernes noche, con un porcentaje mínimo de asistentes dentro de Sirocco y un número muy alto de gente haciendo cola en la calle. Estos últimos tuvieron que recurrir a la sala Yasta, que como es evidente, no ofrecía lo mismo que Sirocco.</p>
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<p>La jornada del sábado se centró en lo que ya se preveía como “la noche de los Sonics”, <em>Psycho y Have Love Will Travel,</em> levantaron los pies hasta a los que tienen por norma solo agitar la cabeza. Además, recalcar que los nuevos temas de los <em>Sonics</em> no desmerecieron entre los clásicos.</p>
<p><em>Moon Duo y La Luz,</em> cada uno en lo suyo, son también dignos de mención en esta noche.</p>
<p> </p>
<p><iframe src="http://www.youtube.com/embed/ZamjlaIOvU8" width="450" height="300"></iframe></p>
<p>El domingo se concentró en Joy Eslava. Por orden actuaron: el post-punk mitad disco mitad house de <strong>Golden Teacher</strong><strong>, </strong>unos bizarros y desconocidos <strong>EEK feat. Islam Chipsy </strong>y un final y aclamado <strong>Lindstrom</strong>, otra de las apuestas más esperadas del festival que, las cosas como son, podría haberse esforzado más para poner punto y final a un Villamanuela que como se suele decir, nos deja jodido pero contentos. Un par de peros y una gran enhorabuena a una propuesta tan especial como necesaria.</p>
<p><iframe src="http://www.youtube.com/embed/UX0MZHO5Fys" width="450" height="300" frameborder="0"></iframe></p>
<p>Larga vida al Villamanuela, a los carteles con banda que aún no han pisado España o que hace tiempo que no lo hacen. Bravo también por la apuesta por bandas nacionales más allá de Lori Meyers y larga vida a las tapas, las tiendas y la cultura en la zona Maravillas, y en todos y cada uno de los barrios que forman Madrid.</p>
<p>Hasta 2016.</p>',
'autor' => 'Miriam Castro Gómez',
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<p>Cuando nos despojamos de todo lo banal que nos pasa, aparece lo esencial. Y eso es lo que han reflejado Miren Iza y sus chicos en este disco. Todas las emociones que muchas veces se ocultan con el ruido de los días. Tulsa logran desnudar esa realidad de todo eso que nos rodea, hasta quedarse en esta colección de temas de amor-desamor que plasman a través de sintetizadores hipnóticos, cajas de ritmos, y una voz rasgada y suave, nacida de las profundidades del dolor. Así la voz de Miren se abre en canal para salir del letargo en Oda al amor efímero, sin duda uno de los baladones del año con peligro de ponértelo en bucle. A destacar, también la sabia combinación de sintes y guitarras de Gente común y de distorsiones y susurros en Casa. y Los amantes del puente, como una de esas canciones que no te da rubor decir que es bonita sin más. Una declaración de guerra a la realidad que finaliza con la delicada gema Los ilusos.</p>
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<p>Cuando nos despojamos de todo lo banal que nos pasa, aparece lo esencial. Y eso es lo que han reflejado Miren Iza y sus chicos en este disco. Todas las emociones que muchas veces se ocultan con el ruido de los días. Tulsa logran desnudar esa realidad de todo eso que nos rodea, hasta quedarse en esta colección de temas de amor-desamor que plasman a través de sintetizadores hipnóticos, cajas de ritmos, y una voz rasgada y suave, nacida de las profundidades del dolor. Así la voz de Miren se abre en canal para salir del letargo en Oda al amor efímero, sin duda uno de los baladones del año con peligro de ponértelo en bucle. A destacar, también la sabia combinación de sintes y guitarras de Gente común y de distorsiones y susurros en Casa. y Los amantes del puente, como una de esas canciones que no te da rubor decir que es bonita sin más. Una declaración de guerra a la realidad que finaliza con la delicada gema Los ilusos.</p>
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<p>Título exacto para el tercer trabajo de Pablo, y en general para toda su carrera y forma de hacer música. Esa obsesión por las emociones está patente de nuevo, igual que la agonía con la que entona sus poéticos versos, que recita de forma juglaresca. Sin duda la pieza más vigoréxica de todas es Bares Vacíos, en la que el piano adquiere la misma profundidad que la voz, elevándola a un nivel de sentimentalismo fuera de los límites. Califato también los sobrepasa comenzando con un órgano y rematando con la aparición en escena de las gaitas, que no dejan que olvidemos las raíces asturianas de a quien escuchamos.</p>
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<p>Título exacto para el tercer trabajo de Pablo, y en general para toda su carrera y forma de hacer música. Esa obsesión por las emociones está patente de nuevo, igual que la agonía con la que entona sus poéticos versos, que recita de forma juglaresca. Sin duda la pieza más vigoréxica de todas es Bares Vacíos, en la que el piano adquiere la misma profundidad que la voz, elevándola a un nivel de sentimentalismo fuera de los límites. Califato también los sobrepasa comenzando con un órgano y rematando con la aparición en escena de las gaitas, que no dejan que olvidemos las raíces asturianas de a quien escuchamos.</p>
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'entradilla_esp' => 'A pesar de que su líder, Leo Mateos, emprendió un nuevo camino en solitario con su proyecto ACUARIO, ahora, y tras dos años inerte, NUDOZURDO regresa con ROJO ES PELIGRO (Everlasting Records, 2015), su cuarto disco. Con él, la tornadiza banda madrileña se vuelve a abrir hueco entre los grupos insignes del panorama español.',
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<p><img src="/files/images/resize/640x1000_nudozurdo-foto-luis-diaz-diaz-27434.jpeg" alt="640x1000_nudozurdo-foto-luis-diaz-diaz-2" /></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo: Visto el frenazo en seco que sufrió NUDOZURDO y la irrupción de ACUARIO, muchos han podido pensar en el fin de la banda. Aunque el vocalista calma a sus seguidores</span>. <span class="txt_respuesta">Leo Mateos: Son dos proyectos independientes y cada uno marcha con su propio ritmo. A modo de broma, podría decir que NUDOZURDO peligra todos los días. Todos los grupos peligran a diario, cuando estás ahí dedicándote a este mundo no es fácil.</span><span class="txt_pregunta"> Íñigo Renedo: Más que un impedimento, ACUARIO se está convirtiendo en una fuente de alimentación para el conjunto madrileño. El vocalista del grupo está trasladando su hábito de trabajo y lo ha puesto en marcha en ROJO ES PELIGRO</span>. <span class="txt_respuesta">Leo Mateos: Necesito hacer determinadas cosas y me dejo llevar, no sé hasta dónde me llevan y si después va a ser un camino con recompensa. Hace tiempo que no me apetecía pasar por el local o componer de una manera colectiva y me encontré muy a gusto en casa con los teclados y sintetizadores. Me pareció un buen punto de partida para seguir sumando. La parte de local de este disco también ha sido muy importante, pero cuando compones con el grupo muchas veces acabas enterrando la voz y es un origen que ya no puedes borrar. En cambio, en casa podía controlar todo eso. Podía dirigir los teclados, las guitarras, las baterías, incluso estar un poco por encima sin necesidad de correr</span>.</p>
<p><iframe src="http://www.youtube.com/embed/pS8U7OeCPr0" width="450" height="300"></iframe></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo: Como es costumbre, NUDOZURDO es una de las bandas más inestables en cuanto a integrantes se refiere. Ricky Lavado, batería del grupo Standstill, se bautiza como nuevo integrante en ROJO ES PELIGRO.</span> <span class="txt_respuesta">Leo Mateos: Ya conocía a Ricky Lavado de ACUARIO y él puede aportar mucha experiencia. Un claro ejemplo es que estuve trabajando ROJO ES PELIGRO durante unos seis meses aproximadamente, y cuando ya lo tenía, me reuní con Meta (bajista) y con Ricky para rodarlo y que ellos se hicieran con su parte del disco. A penas teníamos semanas y Ricky fue capaz de entenderlo y sacarlo adelante. Tiene este tipo de habilidades.</span><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo: En de abril sale a la calle el nuevo trabajo y uno de los principales escaparates del disco es el título. Su líder nos explica por qué el ROJO ES PELIGRO.</span> <span class="txt_respuesta">Leo Mateos: A veces los títulos llegan sin más explicaciones y tampoco hay que darle demasiada importancia. Pero sí que es verdad que trabajando el diseño había dos razones por las cuales me pareció buen título. Hablábamos de colores y siempre acabábamos en el rojo. Quizás puede ser por el concepto que teníamos de álbum clásico y donde las flores que aparecen en portada tenían un mecanismo especial… El disco tenía ese color. La parte del peligro es porque el álbum es una vuelta de tuerca más. Te puedes instalar en lo que vienes haciendo, pero nosotros decidimos salir de esa zona de confort.</span></p>
<p><img src="/files/images/resize/640x1000_nudozurdo-foto-luis-diaz-diaz-23390.jpeg" alt="640x1000_nudozurdo-foto-luis-diaz-diaz-2" /></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo: Para llegar a esta nueva evolución, NUDOZURDO se centra en su Alma máter, que son ellos mismos, pero con la melodía como principal elemento en su publicación.</span> <span class="txt_respuesta">Leo Mateos: Creo que el músico debe de ir avanzando. Es un proceso inevitable. Últimamente he estado escuchando muchos discos pero puedo hablar de trabajos de referencia respecto al sonido. Hemos querido buscar un tipo de sonido antes que hacer un tipo de canción porque a alguien le está funcionando. Son momentos en la vida que de repente te sientes a gusto con lo que haces y piensas que esa es la mejor solución</span></p>
<p><iframe src="http://www.youtube.com/embed/3qW-48VHDok" width="450" height="300"></iframe></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo: El hijo de Dios, Mil espejos, Prometo hacerte daño… son las canciones más coreadas por el público. Ahora entre los diez temas de ROJO ES PELIGRO sobresale El grito. Aunque todavía ni el mismo artista sabe si pasará a formar parte de ese selecto grupo, no parece preocuparle.</span> <span class="txt_respuesta">Leo Mateos: Procuro no pensar mucho en estas cosas. Como músico lo que pretendo es hacer una canción con la que yo esté orgulloso y satisfecho, y si después, conecta con la gente y todo va bien, pues es estupendo.</span> <span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo: El directo es uno de los puntos fuertes, pero esta vez, la camaleónica banda tendrá que reformarse ya que con las nuevas canciones se incorporan elementos electrónicos.</span> <span class="txt_respuesta">Leo Mateos:</span> <span class="txt_respuesta">Estamos ensayando. Nosotros teníamos la suerte de que, como no íbamos con claquetas ni ordenadores, podíamos estirar los temas. Con estas nuevas canciones tendremos que ver como las integramos con lo anterior. Puede funcionar. Ahora, a por la gira.</span> <span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo: Estos madrileños se reinventan con un sonido más elaborado incorporando sintetizadores y teclados en ROJO ES PELIGRO (Everlasting Records, 2015) pistoletazo de salida, que significa que unos NUDOZURDO vuelven, pero esta vez para quedarse.</span></p>',
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<p><img src="/files/images/resize/640x1000_nudozurdo-foto-luis-diaz-diaz-27434.jpeg" alt="" width="100%" /></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo: Visto el frenazo en seco que sufrió NUDOZURDO y la irrupción de ACUARIO, muchos han podido pensar en el fin de la banda. Aunque el vocalista calma a sus seguidores</span>. <span class="txt_respuesta">Leo Mateos: Son dos proyectos independientes y cada uno marcha con su propio ritmo. A modo de broma, podría decir que NUDOZURDO peligra todos los días. Todos los grupos peligran a diario, cuando estás ahí dedicándote a este mundo no es fácil.</span><span class="txt_pregunta"> Íñigo Renedo: Más que un impedimento, ACUARIO se está convirtiendo en una fuente de alimentación para el conjunto madrileño. El vocalista del grupo está trasladando su hábito de trabajo y lo ha puesto en marcha en ROJO ES PELIGRO</span>. <span class="txt_respuesta">Leo Mateos: Necesito hacer determinadas cosas y me dejo llevar, no sé hasta dónde me llevan y si después va a ser un camino con recompensa. Hace tiempo que no me apetecía pasar por el local o componer de una manera colectiva y me encontré muy a gusto en casa con los teclados y sintetizadores. Me pareció un buen punto de partida para seguir sumando. La parte de local de este disco también ha sido muy importante, pero cuando compones con el grupo muchas veces acabas enterrando la voz y es un origen que ya no puedes borrar. En cambio, en casa podía controlar todo eso. Podía dirigir los teclados, las guitarras, las baterías, incluso estar un poco por encima sin necesidad de correr</span>.</p>
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<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo: Como es costumbre, NUDOZURDO es una de las bandas más inestables en cuanto a integrantes se refiere. Ricky Lavado, batería del grupo Standstill, se bautiza como nuevo integrante en ROJO ES PELIGRO.</span> <span class="txt_respuesta">Leo Mateos: Ya conocía a Ricky Lavado de ACUARIO y él puede aportar mucha experiencia. Un claro ejemplo es que estuve trabajando ROJO ES PELIGRO durante unos seis meses aproximadamente, y cuando ya lo tenía, me reuní con Meta (bajista) y con Ricky para rodarlo y que ellos se hicieran con su parte del disco. A penas teníamos semanas y Ricky fue capaz de entenderlo y sacarlo adelante. Tiene este tipo de habilidades.</span><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo: En de abril sale a la calle el nuevo trabajo y uno de los principales escaparates del disco es el título. Su líder nos explica por qué el ROJO ES PELIGRO.</span> <span class="txt_respuesta">Leo Mateos: A veces los títulos llegan sin más explicaciones y tampoco hay que darle demasiada importancia. Pero sí que es verdad que trabajando el diseño había dos razones por las cuales me pareció buen título. Hablábamos de colores y siempre acabábamos en el rojo. Quizás puede ser por el concepto que teníamos de álbum clásico y donde las flores que aparecen en portada tenían un mecanismo especial… El disco tenía ese color. La parte del peligro es porque el álbum es una vuelta de tuerca más. Te puedes instalar en lo que vienes haciendo, pero nosotros decidimos salir de esa zona de confort.</span></p>
<p><img src="/files/images/resize/640x1000_nudozurdo-foto-luis-diaz-diaz-23390.jpeg" alt="" width="100%" /></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo: Para llegar a esta nueva evolución, NUDOZURDO se centra en su Alma máter, que son ellos mismos, pero con la melodía como principal elemento en su publicación.</span> <span class="txt_respuesta">Leo Mateos: Creo que el músico debe de ir avanzando. Es un proceso inevitable. Últimamente he estado escuchando muchos discos pero puedo hablar de trabajos de referencia respecto al sonido. Hemos querido buscar un tipo de sonido antes que hacer un tipo de canción porque a alguien le está funcionando. Son momentos en la vida que de repente te sientes a gusto con lo que haces y piensas que esa es la mejor solución</span></p>
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<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo: El hijo de Dios, Mil espejos, Prometo hacerte daño… son las canciones más coreadas por el público. Ahora entre los diez temas de ROJO ES PELIGRO sobresale El grito. Aunque todavía ni el mismo artista sabe si pasará a formar parte de ese selecto grupo, no parece preocuparle.</span> <span class="txt_respuesta">Leo Mateos: Procuro no pensar mucho en estas cosas. Como músico lo que pretendo es hacer una canción con la que yo esté orgulloso y satisfecho, y si después, conecta con la gente y todo va bien, pues es estupendo.</span> <span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo: El directo es uno de los puntos fuertes, pero esta vez, la camaleónica banda tendrá que reformarse ya que con las nuevas canciones se incorporan elementos electrónicos.</span> <span class="txt_respuesta">Leo Mateos:</span> <span class="txt_respuesta">Estamos ensayando. Nosotros teníamos la suerte de que, como no íbamos con claquetas ni ordenadores, podíamos estirar los temas. Con estas nuevas canciones tendremos que ver como las integramos con lo anterior. Puede funcionar. Ahora, a por la gira.</span> <span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo: Estos madrileños se reinventan con un sonido más elaborado incorporando sintetizadores y teclados en ROJO ES PELIGRO (Everlasting Records, 2015) pistoletazo de salida, que significa que unos NUDOZURDO vuelven, pero esta vez para quedarse.</span></p>',
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'body_esp' => '<p><span class="txt_pregunta">Carmen Cerqueira: Huw Gwynfryn Evans es el hombre que encontramos tras H Hawkline. Músico, escritor y diseñador de todas los grafismos de sus obras. Un galés habituado a compartir escenario con grandes artistas del panorama indie británico. Reconoce que las diferencias entre sus dos discos se debe solamente a un cambio natural y que, aficionado a la lírica, debe su nombre a uno de sus libros favoritos. Para este In the pink condition. ha abandonado su Gales natal por California, para grabar de la mano de Cate Le Bon, su productora y pareja actual. L.A. ha sido la ciudad elegida y no se puede dejar de pensar que en cierto modo este cambio podría haber condicionado algunos cambios o evoluciones en la grabación.</span> <span class="txt_respuesta">H Hawkline: Creo que el hecho de mudarme a los Los Ángeles ha ayudado a que me relaje a la hora de grabar. California es un sitio precioso, magnífico para grabar discos y para disfrutar de la música. Es un enclave perfecto donde disfrutar del sol, del mar, de una vida relajada y de muchas influencias artísticas. Estaría muy bien continuar trabajando por aquí aunque todavía no hemos pensado sobre este tema. Además, el equipo de producción es increíble.</span></p>
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<p><span class="txt_pregunta">Carmen Cerqueira: una producción dirigida por alguien tan cercano como tu pareja sentimental.</span> <span class="txt_respuesta">H Hawkline la verdad es que no hay mejor persona que Cate le Bon para tomar decisiones. Yo iba a grabar un disco en dos semanas y necesitaba a alguien que no se dejara llevar por los 20.000 cambios que uno quiere hacer cuando se mete en el proceso de grabación sobre cualquier punto. Cuando Cate produce un disco no está solamente en la mesa con los controles, ella sugiere ideas, aporta sonidos, ella misma toca algún instrumento y toma decisiones.</span> <span class="txt_pregunta">Carmen Cerqueira: Pero quizá este cambio de ciudad haya ayudado a Mister H para otorgar cierta atemporalidad en el disco. Canciones como Concrete Colours Clothes o In Love nos transportan a años pasados, a una época anterior. Da la sensación de que su intención es que viajemos por el tiempo y disfrutemos de otra era.</span> <span class="txt_respuesta">H Hawkline: La verdad es que cuando grabo un disco o compongo una canción no quiero que suene de una determinada manera. La música transmite lo que siento en cada momento. El sonido no es premeditado. Es decir, no me levanto una mañana y pienso “quiero sonar como en los 60”. Sencillamente vamos al estudio, tocamos y nos gusta como suenan los instrumentos. Entonces es cuando sí pensamos: “vamos a hacer un álbum que suene así, vamos a ir trabajando en esta dirección”. Sé que suena raro pero viene solo. Estoy muy contento por como ha quedado el sonido en el disco. He conseguido hacer lo que siempre quise.</span></p>
<p><iframe src="http://www.youtube.com/embed/Y9VRRumdoR4" width="450" height="300"></iframe></p>
<p><span class="txt_pregunta">Carmen Cerqueira: In The Pink Condition es un trabajo extrañamente psicodélico y paranoico, su música ha sido clasificada como Wiry Weirdo Pop, o como podríamos decir en español: pop nervioso y raro. Extrañezas aparte, ha sido comparado con grupos del circuito como Belle and Sebastian o The Kinks</span>. <span class="txt_respuesta">H Hawkline: La verdad es que ser comparado con grupos consolidados y con tanta repercusión es algo bueno pero intento no darle importancia, son cosas que no se pueden controlar. No me puedo quejar, son grupos muy buenos y con gran reconocimiento del público. Es muy agradable leer este tipo de comparaciones, eso significa que a la gente le gustas pero por eso mismo es tan peligroso. No debemos dejar llevarnos por todas las opiniones de los demás. Es mejor seguir haciendo la música que nos gusta.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Carmen Cerqueira: Lo ha repetido hasta la saciedad, Paul McCartney es uno de los artistas que más le ha influido a lo largo de su carrera. Sobretodo en las letras. Pero al escuchar su voz no podemos dejar de acordarnos de artistas como Lou Reed, del que percibimos la voz rasgada, soberbia y transgresora.</span><span class="txt_respuesta">H Hawkline:</span> <span class="txt_respuesta">No puedo decir que tenga una influencia exacta en este disco, creo que es más bien una mezcla de muchos. No es algo exacto, ha sido una sinergia y cúmulo de confluencias.</span> <span class="txt_pregunta">Carmen Cerqueira: Huw Gwynfryn es del tipo de personas que siempre piensan en el siguiente paso. Grabar, entrevistas, gira… sin un paso siguiente establecido no es su hobby favorito</span>. <span class="txt_respuesta">H Hawkline: Odio finalizar un paso sin tener otro establecido o en mente. No es mi estilo. Me gustaría grabar un disco nuevo antes de acabar el año, pero ya se sabe que estas cosas son un poco misión imposible. Hay veces que siento cierta envidia de gente como Euros Childs o Gruff Rhys, esos tíos parece que siempre tienen en su cabeza los siguientes dos álbumes. Para ellos es siempre el momento adecuado de escribir o componer y siempre se superan. Estoy muy orgulloso de este álbum, me encantan las canciones y disfruto mucho de los directos. A pesar de querer grabar uno nuevo, no me importaría repetir el proceso una y otra vez. Ha sido una de las grabaciones que más he disfrutado.</span></p>
<p><iframe src="http://www.youtube.com/embed/Up4-0kB4s7U" width="450" height="300"></iframe></p>
<p><span class="txt_pregunta">Carmen Cerqueira: Una de las canciones que se debe destacar sobre las once restantes es Rainy Summer. Un tema dedicado a la meteorología británica y sus maravillosos veranos.</span><span class="txt_respuesta"> H Hawkline: Esta es la canción más antigua de todo el trabajo, la escribí hace mucho tiempo durante un caluroso verano. Como todos saben los veranos en Gales son bastante lluviosos, el tiempo no se caracteriza por lo soleado. Grabar esta canción fue increíble, tenía un sonido demasiado rocoso pero al final acabó sonando exactamente como quería.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Carmen Cerqueira: Por otro lado tenemos Modium, totalmente diferente a las otras con un sonido extraño y salvaje.</span> <span class="txt_respuesta">H Hawkline:</span> <span class="txt_respuesta">Modium es salvaje, tiene un sonido extraño con guitarras y letra esquizofrénica. Es otra de las canciones con la que estoy muy contento con el resultado final, nunca pensé que fuera a sonar así hasta que acabamos de grabarla. A veces la magia aparece sin más y esta vez fue una de ellas.</span> <span class="txt_pregunta">Carmen Cerqueira: Al acabar de crear la magia empieza el siguiente paso: los conciertos. Una época cargada de viajes, conciertos y mucho, mucho trabajo</span>.<span class="txt_respuesta"> H Hawkline: En principio la gira empezará en Reino Unido y tocaré en algún festival. Pero me gustaría hacer un tour europeo completo: Italia, Francia, Alemania, Holanda… Me apetece mucho tocar en España, he viajado varias veces allí pero solamente como turista y me gustaría dar un concierto. Tengo varios proyectos, entre ellos la grabación de un nuevo disco que hemos empezado.</span></p>
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<p><span class="txt_pregunta">Carmen Cerqueira: Y nuestro siguiente interés es ¿alguna recomendación? Mister H barre para casa y nos habla de otro británico.</span> <span class="txt_respuesta">H Hawkline: Estoy muy enganchado a Gwenno, del grupo de The Pippettes. Tiene un álbum que se llama Peski y creo que es muy, muy bueno. Su música es muy extraña, bebe un poco de la electrónica y del pop pero con unas letras muy intensas y matices políticos. La vi actuar una vez y fue un directo alucinante. Su música es del pasado.</span></p>
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<p><span class="txt_pregunta">Carmen Cerqueira: Lo ha repetido hasta la saciedad, Paul McCartney es uno de los artistas que más le ha influido a lo largo de su carrera. Sobretodo en las letras. Pero al escuchar su voz no podemos dejar de acordarnos de artistas como Lou Reed, del que percibimos la voz rasgada, soberbia y transgresora.</span><span class="txt_respuesta">H Hawkline:</span> <span class="txt_respuesta">No puedo decir que tenga una influencia exacta en este disco, creo que es más bien una mezcla de muchos. No es algo exacto, ha sido una sinergia y cúmulo de confluencias.</span> <span class="txt_pregunta">Carmen Cerqueira: Huw Gwynfryn es del tipo de personas que siempre piensan en el siguiente paso. Grabar, entrevistas, gira… sin un paso siguiente establecido no es su hobby favorito</span>. <span class="txt_respuesta">H Hawkline: Odio finalizar un paso sin tener otro establecido o en mente. No es mi estilo. Me gustaría grabar un disco nuevo antes de acabar el año, pero ya se sabe que estas cosas son un poco misión imposible. Hay veces que siento cierta envidia de gente como Euros Childs o Gruff Rhys, esos tíos parece que siempre tienen en su cabeza los siguientes dos álbumes. Para ellos es siempre el momento adecuado de escribir o componer y siempre se superan. Estoy muy orgulloso de este álbum, me encantan las canciones y disfruto mucho de los directos. A pesar de querer grabar uno nuevo, no me importaría repetir el proceso una y otra vez. Ha sido una de las grabaciones que más he disfrutado.</span></p>
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Hoy, hablamos de Death Cab For Cutie. Una grupo que cuando suena hace retumbar los cimientos y flaquear a la emociones. Kintsugi ( Atlantic 2015) es su último trabajo, aprobechando la excusa tuvimos a bien hablar con Ben Gibbard, cantante y letrista, sin duda alma y nucleo de Death Cab For Cutie.',
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<p><span class="txt_pregunta">Daniel Sanchez: Después de casi veinte años en el panorama musical Death Cab for Cutie lanza su octavo álbum de estudio, el primero desde que en 2012 Ben Gibbard y la popular actriz de la serie New Girl y voz de She & him, Zooey Deschanel pusieran punto y final a tres años de matrimonio. Ahora que todo terminó, todos se preguntan si las nuevas canciones de Kintsugi como Black Sun e Ingenue fueron inspiradas por Deschanel como respuesta a su ex. Pero Gibbard, a pesar de ver venir la polemica, no ha llegado a ser uno de los compositores más respetados del panorama Rock - Indie por esconder o esquivar los momentos duros de su vida en sus letras..</span>.<span class="txt_respuesta">DEATH CAB FOR CUTIE Es mi forma natural de escribir las letras de mis canciones, no voy a cambiar la manera en que siempre he escrito por miedo a que la gente de forma correcta o incorrectamente asigne o identifique un nombre y un rostro a estas canciones, siempre he escrito sobre mi vida y las vidas de las personas que tengo a mi alrededor, y cómo todo se entrelaza.</span></p>
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<p><span class="txt_pregunta">Daniel Sanchez: Pero a pesar de los giros bruscos de los últimos años, los de Seattle durante sus veinte años de trayectoria el grupo a llevado un camino sólo de subida, un camino directo al exito.</span> <span class="txt_respuesta">DEATH CAB FOR CUTIE. Supongo que a lo largo de todos estos años hemos sido bastante constantes, ninguno de los discos que hemos hecho ha sido determinante al cien por cien o ninguna canción en concreto nos condujo directos al estrellato. Nuestra carrera se basa en la constancia y en mantener de alguna forma un estilo propio. Una de las causas que seguramente respalden nuestra trayectoria es que hemos tocado mucho, cada trabajo lo hemos reforzado con un tour muy largo, prácticamente por todo el mundo, porque una banda se hace grande en los directos, es cuando más cerca estás de la gente y cuando de verdad se genera esta verdadera relación entre grupo y fan.</span><span class="txt_pregunta">Daniel Sanchez: En muchos casos, es una canción, un concierto en concreto o una performance la que hace dar un giro a una banda o artista que impulsa su carrera. En este caso, nos debemos remontar a 2003, cuando los norteamericanos de Death Cab for Cutie lanzaron su álbum Transantlanticisim. Largo que sin duda marcó un antes y un después en el reconocimiento del grupo y seguro que también en sus vida.</span> <span class="txt_respuesta">DEATH CAB FOR CUTIE. Estoy completamente de acuerdo, ese disco fue el cabo que nos saco del indie undergroud y atrajo una gran cantidad de atención hacia nosotros. Y desde entonces, todo empezó a cambiar para nosotros, tanto como banda como a nivel personal</span>.</p>
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<p><span class="txt_pregunta">Daniel Sanchez. Y es que este disco llegó a muchos rincones, series, anuncios etc… lo que provocó una publicidad mayor. Sin embargo, el uso de la música para otros fines no siempre comulga con la filosofía de la banda, por mucha publicidad que se consiga.</span> <span class="txt_respuesta">DEATH CAB FOR CUTIE. The O.C. fue una serie donde se empleó mucho Transantlanticisim, la serie era fresca y nos postuló como una banda opuesta a los sonidos mainstream que por entonces reinaban mucho más que ahora, además de darnos a conocer de un modo más internacional. Pero me niego a pensar que este tipo de usos hayan sido lo que nos dio la fama, la música que hemos hecho siempre ha sido bastante buena y si no fuese así nuestra carrera habría terminado con el fin de la serie.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Daniel Sanchez .Y es que DEATH CAB FOR CUTIE dio cobijo a toda una generación de chavales “geek-cool indie” como Seth el protagonista de la serie, que encontró en Gibbard una voz calida y amable, un compañero nerd que escribía con seriedad sobre el amor y el desamor con ese toque agridulce que brota del desengaño…</span> <span class="txt_respuesta">DEATH CAB FOR CUTIE.Las personas recurren a nosotros, a nuestras canciones porque no quieren sentirse solas en sus momentos de melancolía, estoy encantado de proporcionarles esa banda sonora.</span><span class="txt_pregunta">Daniel Sanchez: Sin tener muy clara la razón por la cual el guitarrista del conjunto, Chris Wallas, abandona y con menos intención de echar sal a las heridas, preferimos preguntarle en qué se diferencia este Death Cab For Cutie del que nos tenían tan bien acostumbrados.</span> <span class="txt_pregunta txt_respuesta">DEATH CAB FOR CUTIE. Death Cab for Cutie sigue avanzando. Los cambios siempre suponen algo bueno dependiendo de cómo se enfoque la situación. Lo que te puedo decir con seguridad es que el espíritu de la banda sigue como ha estado siempre. Kintsugi es un gran trabajo y pertenece por entero a sus creadores, y esos somos los integrantes de Death Cab for Cutie</span>.</p>
<p><span class="txt_pregunta">Daniel Sanchez. Amén, porque este último largo no defrauda a los que ya somos parroquianos. Un sonido depurado con tintes algo menos melancólicos, pero no siempre.</span><span class="txt_pregunta">Daniel Sanchez: Codes and Keys y Narrow Stairs , fueron dos grandísimos álbumes que acompañan y suponen un paso más en la obra de Death Cab for Cutie, quizás hijos de un dios que crecieron a la sombra de algo tan importante y relevante como su predecesor Transantlaticisim pero no por ello menores. La duda ahora es que pasos seguira Kintsugi, sera uno más a la sombra o tendrá la misma luz propia, el mismo efecto y brillo que Transantlanticism solo nos lo confirmara el tiempo, aunque ya avanzamos que hechuras y fondo para responder por si mismo tienen de base..</span>. <span class="txt_respuesta">DEATH CAB FOR CUTIE. En mi opinión Transantlaticisim es el mejor álbum que hemos hecho hasta la fecha. Codes and Keys y Narrow Stairs son diferentes, y ahora Kintsugi es un poco vuelta a lo que hacíamos en 2003. La gente lo está recibiendo con una acogida inmejorable y puede que sí que se convierta en otro gran paso, pero eso sólo lo sabremos con el tiempo.</span></p>
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<p><span class="txt_pregunta">Daniel Sanchez: Death Cab for Cutie con un estilo definido por muchos como melancólico y pesimista sus discos navegan entre canciones lentas y calmadas. Kintsugi como cura y terapia es una vuelta a los origines, a la necesidad de encontrar paz y gloria en los objetos, aromas y luces de aquellos sentimientos que podemos reconocer como hogar .</span>.<span class="txt_respuesta">DEATH CAB FOR CUTIE El sonido que producimos es el que hemos estado siempre buscando, en cada disco tratamos de mejorarlo y hacerlo más grande, más redondo y perfecto. Kintsugi es un pequeño culmen de todo este proceso y a esto se le añade la virtud de ser poseedor de una contundencia renovada. La gente siempre a conectado muy bien con este sonido, y por lo que parece Kintsugi está. consiguiendo que el sentimiento que se comparte se mantenga.</span></p>
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<p><span class="txt_pregunta">Daniel Sanchez: Entramos de lleno en el álbum y comenzamos el análisis meticuloso, en profundidad, diseccionando con precisión de cirujano cada uno de los grandes temas, Little Wanderer. tema que inspira y se define al milímetro con la única palabra que encaja a la perfección; ternura.</span> <span class="txt_respuesta">DEATH CAB FOR CUTIE Creo que es una afirmación justa, tanto para la banda, así como para el disco y esta canción demuestra que la manera en la que veo las cosas nunca es blanca o negra. Existe una empatía imperante que fluye a través de la música y las letras para transformarse en sensaciones claras. Cuando era joven puede que me influyeran ciertos estéreotipos como el de la chica joven e ingenua que está desprotegida pero que te rompe el corazón. Y es este cambio hacia un entendimiento mayor de lo que les sucede a los demás lo que estoy tratando de hacer.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Daniel Sanchez: Death Cab for Cutie sigue en su empeño de continuar haciendo temas inolvidables. Como así lo demuestran el introspectivo Hold no Guns, que te teletransporta a los inicios del recorrido de la banda o la intachable Binary Sea que cierra el viaje de Kinstugi despertando una sensación rara de querer volverla a oír una y otra vez de un modo casi enfermizo.</span><span class="txt_pregunta">y es que seguramente el hecho de volver al Seattle que vio crecer a Gibbard tras el divorcio supone un antes y un después en la composición de KINTSUGI, coger perspectiva como herramienta para hacer mas pequeños los grandes miedos como la soledad y el desamor , comprender y darse cuenta de las neurosis y psicosis de la gente con la que has convivido y relacionado diariamente durante tres años…</span><span class="txt_respuesta"> DEATH CAB FOR CUTIE Good Help refleja una amalgama de personalidades y personas, no se centra especialmente en nadie en concreto, aunque de primera puedas pensar eso, el tema va mas alla de lo evidente. Good Help es un tema que se aleja de la venganza, busca mas bien la empatía, conectar con las personas que se dejan afectar por su ambiente más cercano, a veces tóxico, todos hemos sufrido una ruptura en nuestras vidas</span></p>
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<p><span class="txt_pregunta">Daniel Sanchez: Toda esta energía y música canalizada por Death Cab for Cutie encuentra su razón de ser en las letras. Parte de la que Gibbard siempre ha estado a cargo.Unas letras tan cercanas y personales que nos trae la duda sobre su caracter autobiográfico, composición es íntimas y personales, donde Gibbard desnuda sus sentimientos, sus ilusiones, sus preocupaciones para describirnos miedo, confusión y esperanza...</span> . <span class="txt_respuesta">DEATH CAB FOR CUTIE . Depende,es cierto que hay mucho de mi en las canciones, pero no por ello todas deben hablar de mis experiencias vitales. Considero que todas y cada una de las canciones han de tener algo de quien las escribe para ser completamente verdaderas y para que funcionen. Aunque es complicado porque hay canciones donde la gente puede pensar que hay mucho de implicación mía propia y en realidad son más creación, y por otro lado hay otras que nadie se esperaría que fuesen tan cercanas o personales y sin embargo lo son.</span></p>
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<p><span class="txt_pregunta">Daniel Sanchez. Y es que el genio de Gibbard no sólo escribe canciones para Death Cab for Cutie, sino también para proyectos que firma bajo su propio nombre. En un proceso continuo de creación debe quedar perfectamente calro cual es el criterio selectivo, cual es el listón, la criba o el elemento capar de singularización para establecer las diferencias a la hora de trabajar y componer para cada uno de los múltiples proyectos....</span> <span class="txt_respuesta">DEATH CAB FOR CUTIE. No es tanto una separación del trabajo o dos proyectos distintos. Constantemente estoy componiendo canciones, lo que ocurre es que algunas de ellas sencillamente no encajan con Death Cab for Cutie, por lo que salen a la luz a través de otro canal, pero el proceso o las implicaciones son siempre las mismas que en mi carrera individual.</span><span class="txt_pregunta">Daniel Sanchez. Para los que aun no se crean la magia de Gibbard les recomiendo este párrafo en concreto. Pues en Kintsugi, hay tesoros maravillosos, uno de ellos se llama You have hunted me all my life, honesta y pasional....</span> <span class="txt_respuesta">DEATH CAB FOR CUTIE. Esta canción en particular es muy especial porque cuando la compuse me di cuenta de que de un modo u otro todo el mundo puede sentirse identificado con ella. Contarle a la gente de que se trata sería arruinarla, porque como ya he dicho, todo el mundo tiene algo o alguien que siempre le ha estado persiguiendo en su cabeza, y cada propia historia es construible en base a la canción. Contar la mía particular nublaría al resto, y no voy a hacerlo eso a You have hunted me all my life.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Daniel Sanchez. Centrados en Kintsugi nos dirigimos al single Black Sun</span>. <span class="txt_respuesta">DEATH CAB FOR CUTIE. Cuando compuse Black Sun y se la mostré a la gente todo el mundo tuvo una reacción inmediata. Funciona a la perfección, y por eso ha sido la que más ha destacado en un principio.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Daniel Sanchez: Con una confianza tal vez nacida de la longevidad y persistencia Death Cab for Cutie se alza junto con Modest Mouse, The Decemberists o Sleater-Kinney como grandes heroes y salvadores del Indie, que regresan con grandes temas bajo el brazo. Y es que desde que en 2004 firmaran para Atlantic Death cAb for Cutie no ha parado de cosechar numerosos éxitos como meter tres discos entre los cinco primeros puestos del bildboard o como llenar el Madison Square Garden y sin embargo Gibbard no se ve en ningun caso como una gran estrella del rock…</span> <span class="txt_respuesta">DEATH CAB FOR CUTIE (Risas) Principalmente, porque ya no existen. Gracias a la actual cultura digital, no hay grandes bandas a las que todo el mundo sigue, no hay “New Springsteens”, la escena musical se a fragmentado, las nuevas tecnologías y formas de consumir y comunicarse hace que cada banda pueda tener su pequeña porción de tarta de forma directa y rapida. Esto hace 20 años, no habría ocurrido. La gente en los años 90 si querías comprar algo fuera del mainstream, tenías que tomar un ferry a Seattle. Es mejor ahora. Das todas las opciones a la gente, y hay una audiencia para cada uno.”</span></p>
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<p><span class="txt_pregunta">Daniel Sanchez: Y es que a Gibbard no le importa que Death Cab sea sólo uno mas de los innumerables grupos que puedas elegir dentro de la oferta musical. A el solo le importa tocar y para ello solo necesita su maltrecho corazón y salir a recorrer el mundo…</span> <span class="txt_respuesta">DEATH CAB FOR CUTIE Estamos en un sello importante, tenemos un disco de platino, disponemos de todos los ingredientes para el éxito. Pero nunca me ha preocupado el éxito en si , es muy agradable poder pasear por Seattle y que nadie te moleste. Estamos en este punto dulce: en el que tenemos éxito pero no somos famosos.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Daniel Sanchez: Grandes entre los grandes que se pasarán por el viejo continente y por la tierra patria. Hasta entonces nos quedamos con Kintsugi como aperitivo de lo bueno y sublime que esta por llegar, consolación a la espera de que salgan las entradas para disfrutar del arrollador y envolvente directo. Death Cab for Cutie, la banda que conquistó primero al pop y luego a todos los demás.</span></p>',
'body_html_clean' => '<p>Hoy, hablamos de Death Cab For Cutie. Una grupo que cuando suena hace retumbar los cimientos y flaquear a la emociones. Kintsugi ( Atlantic 2015) es su último trabajo, aprobechando la excusa tuvimos a bien hablar con Ben Gibbard, cantante y letrista, sin duda alma y nucleo de Death Cab For Cutie.</p>
<p><span class="txt_pregunta">Daniel Sanchez: Después de casi veinte años en el panorama musical Death Cab for Cutie lanza su octavo álbum de estudio, el primero desde que en 2012 Ben Gibbard y la popular actriz de la serie New Girl y voz de She & him, Zooey Deschanel pusieran punto y final a tres años de matrimonio. Ahora que todo terminó, todos se preguntan si las nuevas canciones de Kintsugi como Black Sun e Ingenue fueron inspiradas por Deschanel como respuesta a su ex. Pero Gibbard, a pesar de ver venir la polemica, no ha llegado a ser uno de los compositores más respetados del panorama Rock - Indie por esconder o esquivar los momentos duros de su vida en sus letras..</span>.<span class="txt_respuesta">DEATH CAB FOR CUTIE Es mi forma natural de escribir las letras de mis canciones, no voy a cambiar la manera en que siempre he escrito por miedo a que la gente de forma correcta o incorrectamente asigne o identifique un nombre y un rostro a estas canciones, siempre he escrito sobre mi vida y las vidas de las personas que tengo a mi alrededor, y cómo todo se entrelaza.</span></p>
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<p><span class="txt_pregunta">Daniel Sanchez: Pero a pesar de los giros bruscos de los últimos años, los de Seattle durante sus veinte años de trayectoria el grupo a llevado un camino sólo de subida, un camino directo al exito.</span> <span class="txt_respuesta">DEATH CAB FOR CUTIE. Supongo que a lo largo de todos estos años hemos sido bastante constantes, ninguno de los discos que hemos hecho ha sido determinante al cien por cien o ninguna canción en concreto nos condujo directos al estrellato. Nuestra carrera se basa en la constancia y en mantener de alguna forma un estilo propio. Una de las causas que seguramente respalden nuestra trayectoria es que hemos tocado mucho, cada trabajo lo hemos reforzado con un tour muy largo, prácticamente por todo el mundo, porque una banda se hace grande en los directos, es cuando más cerca estás de la gente y cuando de verdad se genera esta verdadera relación entre grupo y fan.</span><span class="txt_pregunta">Daniel Sanchez: En muchos casos, es una canción, un concierto en concreto o una performance la que hace dar un giro a una banda o artista que impulsa su carrera. En este caso, nos debemos remontar a 2003, cuando los norteamericanos de Death Cab for Cutie lanzaron su álbum Transantlanticisim. Largo que sin duda marcó un antes y un después en el reconocimiento del grupo y seguro que también en sus vida.</span> <span class="txt_respuesta">DEATH CAB FOR CUTIE. Estoy completamente de acuerdo, ese disco fue el cabo que nos saco del indie undergroud y atrajo una gran cantidad de atención hacia nosotros. Y desde entonces, todo empezó a cambiar para nosotros, tanto como banda como a nivel personal</span>.</p>
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<p><span class="txt_pregunta">Daniel Sanchez. Y es que este disco llegó a muchos rincones, series, anuncios etc… lo que provocó una publicidad mayor. Sin embargo, el uso de la música para otros fines no siempre comulga con la filosofía de la banda, por mucha publicidad que se consiga.</span> <span class="txt_respuesta">DEATH CAB FOR CUTIE. The O.C. fue una serie donde se empleó mucho Transantlanticisim, la serie era fresca y nos postuló como una banda opuesta a los sonidos mainstream que por entonces reinaban mucho más que ahora, además de darnos a conocer de un modo más internacional. Pero me niego a pensar que este tipo de usos hayan sido lo que nos dio la fama, la música que hemos hecho siempre ha sido bastante buena y si no fuese así nuestra carrera habría terminado con el fin de la serie.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Daniel Sanchez .Y es que DEATH CAB FOR CUTIE dio cobijo a toda una generación de chavales “geek-cool indie” como Seth el protagonista de la serie, que encontró en Gibbard una voz calida y amable, un compañero nerd que escribía con seriedad sobre el amor y el desamor con ese toque agridulce que brota del desengaño…</span> <span class="txt_respuesta">DEATH CAB FOR CUTIE.Las personas recurren a nosotros, a nuestras canciones porque no quieren sentirse solas en sus momentos de melancolía, estoy encantado de proporcionarles esa banda sonora.</span><span class="txt_pregunta">Daniel Sanchez: Sin tener muy clara la razón por la cual el guitarrista del conjunto, Chris Wallas, abandona y con menos intención de echar sal a las heridas, preferimos preguntarle en qué se diferencia este Death Cab For Cutie del que nos tenían tan bien acostumbrados.</span> <span class="txt_pregunta txt_respuesta">DEATH CAB FOR CUTIE. Death Cab for Cutie sigue avanzando. Los cambios siempre suponen algo bueno dependiendo de cómo se enfoque la situación. Lo que te puedo decir con seguridad es que el espíritu de la banda sigue como ha estado siempre. Kintsugi es un gran trabajo y pertenece por entero a sus creadores, y esos somos los integrantes de Death Cab for Cutie</span>.</p>
<p><span class="txt_pregunta">Daniel Sanchez. Amén, porque este último largo no defrauda a los que ya somos parroquianos. Un sonido depurado con tintes algo menos melancólicos, pero no siempre.</span><span class="txt_pregunta">Daniel Sanchez: Codes and Keys y Narrow Stairs , fueron dos grandísimos álbumes que acompañan y suponen un paso más en la obra de Death Cab for Cutie, quizás hijos de un dios que crecieron a la sombra de algo tan importante y relevante como su predecesor Transantlaticisim pero no por ello menores. La duda ahora es que pasos seguira Kintsugi, sera uno más a la sombra o tendrá la misma luz propia, el mismo efecto y brillo que Transantlanticism solo nos lo confirmara el tiempo, aunque ya avanzamos que hechuras y fondo para responder por si mismo tienen de base..</span>. <span class="txt_respuesta">DEATH CAB FOR CUTIE. En mi opinión Transantlaticisim es el mejor álbum que hemos hecho hasta la fecha. Codes and Keys y Narrow Stairs son diferentes, y ahora Kintsugi es un poco vuelta a lo que hacíamos en 2003. La gente lo está recibiendo con una acogida inmejorable y puede que sí que se convierta en otro gran paso, pero eso sólo lo sabremos con el tiempo.</span></p>
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<p><span class="txt_pregunta">Daniel Sanchez: Death Cab for Cutie con un estilo definido por muchos como melancólico y pesimista sus discos navegan entre canciones lentas y calmadas. Kintsugi como cura y terapia es una vuelta a los origines, a la necesidad de encontrar paz y gloria en los objetos, aromas y luces de aquellos sentimientos que podemos reconocer como hogar .</span>.<span class="txt_respuesta">DEATH CAB FOR CUTIE El sonido que producimos es el que hemos estado siempre buscando, en cada disco tratamos de mejorarlo y hacerlo más grande, más redondo y perfecto. Kintsugi es un pequeño culmen de todo este proceso y a esto se le añade la virtud de ser poseedor de una contundencia renovada. La gente siempre a conectado muy bien con este sonido, y por lo que parece Kintsugi está. consiguiendo que el sentimiento que se comparte se mantenga.</span></p>
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<p><span class="txt_pregunta">Daniel Sanchez: Entramos de lleno en el álbum y comenzamos el análisis meticuloso, en profundidad, diseccionando con precisión de cirujano cada uno de los grandes temas, Little Wanderer. tema que inspira y se define al milímetro con la única palabra que encaja a la perfección; ternura.</span> <span class="txt_respuesta">DEATH CAB FOR CUTIE Creo que es una afirmación justa, tanto para la banda, así como para el disco y esta canción demuestra que la manera en la que veo las cosas nunca es blanca o negra. Existe una empatía imperante que fluye a través de la música y las letras para transformarse en sensaciones claras. Cuando era joven puede que me influyeran ciertos estéreotipos como el de la chica joven e ingenua que está desprotegida pero que te rompe el corazón. Y es este cambio hacia un entendimiento mayor de lo que les sucede a los demás lo que estoy tratando de hacer.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Daniel Sanchez: Death Cab for Cutie sigue en su empeño de continuar haciendo temas inolvidables. Como así lo demuestran el introspectivo Hold no Guns, que te teletransporta a los inicios del recorrido de la banda o la intachable Binary Sea que cierra el viaje de Kinstugi despertando una sensación rara de querer volverla a oír una y otra vez de un modo casi enfermizo.</span><span class="txt_pregunta">y es que seguramente el hecho de volver al Seattle que vio crecer a Gibbard tras el divorcio supone un antes y un después en la composición de KINTSUGI, coger perspectiva como herramienta para hacer mas pequeños los grandes miedos como la soledad y el desamor , comprender y darse cuenta de las neurosis y psicosis de la gente con la que has convivido y relacionado diariamente durante tres años…</span><span class="txt_respuesta"> DEATH CAB FOR CUTIE Good Help refleja una amalgama de personalidades y personas, no se centra especialmente en nadie en concreto, aunque de primera puedas pensar eso, el tema va mas alla de lo evidente. Good Help es un tema que se aleja de la venganza, busca mas bien la empatía, conectar con las personas que se dejan afectar por su ambiente más cercano, a veces tóxico, todos hemos sufrido una ruptura en nuestras vidas</span></p>
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<p><span class="txt_pregunta">Daniel Sanchez: Toda esta energía y música canalizada por Death Cab for Cutie encuentra su razón de ser en las letras. Parte de la que Gibbard siempre ha estado a cargo.Unas letras tan cercanas y personales que nos trae la duda sobre su caracter autobiográfico, composición es íntimas y personales, donde Gibbard desnuda sus sentimientos, sus ilusiones, sus preocupaciones para describirnos miedo, confusión y esperanza...</span> . <span class="txt_respuesta">DEATH CAB FOR CUTIE . Depende,es cierto que hay mucho de mi en las canciones, pero no por ello todas deben hablar de mis experiencias vitales. Considero que todas y cada una de las canciones han de tener algo de quien las escribe para ser completamente verdaderas y para que funcionen. Aunque es complicado porque hay canciones donde la gente puede pensar que hay mucho de implicación mía propia y en realidad son más creación, y por otro lado hay otras que nadie se esperaría que fuesen tan cercanas o personales y sin embargo lo son.</span></p>
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<p><span class="txt_pregunta">Daniel Sanchez. Y es que el genio de Gibbard no sólo escribe canciones para Death Cab for Cutie, sino también para proyectos que firma bajo su propio nombre. En un proceso continuo de creación debe quedar perfectamente calro cual es el criterio selectivo, cual es el listón, la criba o el elemento capar de singularización para establecer las diferencias a la hora de trabajar y componer para cada uno de los múltiples proyectos....</span> <span class="txt_respuesta">DEATH CAB FOR CUTIE. No es tanto una separación del trabajo o dos proyectos distintos. Constantemente estoy componiendo canciones, lo que ocurre es que algunas de ellas sencillamente no encajan con Death Cab for Cutie, por lo que salen a la luz a través de otro canal, pero el proceso o las implicaciones son siempre las mismas que en mi carrera individual.</span><span class="txt_pregunta">Daniel Sanchez. Para los que aun no se crean la magia de Gibbard les recomiendo este párrafo en concreto. Pues en Kintsugi, hay tesoros maravillosos, uno de ellos se llama You have hunted me all my life, honesta y pasional....</span> <span class="txt_respuesta">DEATH CAB FOR CUTIE. Esta canción en particular es muy especial porque cuando la compuse me di cuenta de que de un modo u otro todo el mundo puede sentirse identificado con ella. Contarle a la gente de que se trata sería arruinarla, porque como ya he dicho, todo el mundo tiene algo o alguien que siempre le ha estado persiguiendo en su cabeza, y cada propia historia es construible en base a la canción. Contar la mía particular nublaría al resto, y no voy a hacerlo eso a You have hunted me all my life.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Daniel Sanchez. Centrados en Kintsugi nos dirigimos al single Black Sun</span>. <span class="txt_respuesta">DEATH CAB FOR CUTIE. Cuando compuse Black Sun y se la mostré a la gente todo el mundo tuvo una reacción inmediata. Funciona a la perfección, y por eso ha sido la que más ha destacado en un principio.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Daniel Sanchez: Con una confianza tal vez nacida de la longevidad y persistencia Death Cab for Cutie se alza junto con Modest Mouse, The Decemberists o Sleater-Kinney como grandes heroes y salvadores del Indie, que regresan con grandes temas bajo el brazo. Y es que desde que en 2004 firmaran para Atlantic Death cAb for Cutie no ha parado de cosechar numerosos éxitos como meter tres discos entre los cinco primeros puestos del bildboard o como llenar el Madison Square Garden y sin embargo Gibbard no se ve en ningun caso como una gran estrella del rock…</span> <span class="txt_respuesta">DEATH CAB FOR CUTIE (Risas) Principalmente, porque ya no existen. Gracias a la actual cultura digital, no hay grandes bandas a las que todo el mundo sigue, no hay “New Springsteens”, la escena musical se a fragmentado, las nuevas tecnologías y formas de consumir y comunicarse hace que cada banda pueda tener su pequeña porción de tarta de forma directa y rapida. Esto hace 20 años, no habría ocurrido. La gente en los años 90 si querías comprar algo fuera del mainstream, tenías que tomar un ferry a Seattle. Es mejor ahora. Das todas las opciones a la gente, y hay una audiencia para cada uno.”</span></p>
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<p><span class="txt_pregunta">Daniel Sanchez: Y es que a Gibbard no le importa que Death Cab sea sólo uno mas de los innumerables grupos que puedas elegir dentro de la oferta musical. A el solo le importa tocar y para ello solo necesita su maltrecho corazón y salir a recorrer el mundo…</span> <span class="txt_respuesta">DEATH CAB FOR CUTIE Estamos en un sello importante, tenemos un disco de platino, disponemos de todos los ingredientes para el éxito. Pero nunca me ha preocupado el éxito en si , es muy agradable poder pasear por Seattle y que nadie te moleste. Estamos en este punto dulce: en el que tenemos éxito pero no somos famosos.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Daniel Sanchez: Grandes entre los grandes que se pasarán por el viejo continente y por la tierra patria. Hasta entonces nos quedamos con Kintsugi como aperitivo de lo bueno y sublime que esta por llegar, consolación a la espera de que salgan las entradas para disfrutar del arrollador y envolvente directo. Death Cab for Cutie, la banda que conquistó primero al pop y luego a todos los demás.</span></p>',
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<p><span class="txt_pregunta">Diego Hidalgo: Black Yaya, grabado en un ambiente especial, en el que David fue capaz de resaltar su alter ego en su estado más puro….</span><span class="txt_respuesta">BLACK YAYA Si…, sin duda fue un entorno perfecto. Lo grabamos en un “home Studio” en Malibú cerca de la costa. Lo único malo fue que no pudimos disfrutarlo mucho ya que siempre teníamos que estar en el estudio…Pero de alguna manera ahí es donde el concepto “YAYA” fue creado.</span></p>
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<p><span class="txt_pregunta">Diego Hidalgo: Para aquellos que no conozcan a David Ivar (Black Yaya) fue líder del grupo Herman Dune de origen francés, con más de Diez álbumes desde el año 2000, acompañados con singles conocidos como, Monkey Makers On My Back, Tell Me Something I Don’t know, My Love Is Nowhere Without You y por supuesto , I Wish That I Could See You Soon. Todo un gran éxito que acompañaba el anuncio de Estrella Damm en el verano de 2011. Exito que supuso quizás el punto de inflexión para dar un giro a esta gran y extensa carrera artística para pasar de Herman Dune a la figura en solitario que se esconde tras BLack Yaya.</span><span class="txt_respuesta">BLACK YAYA; La verdad, es que este paso, no ha sido por la noción del éxito que he podido tener en ese tiempo como grupo. La verdad, es que ni mucho menos pienso que pueda ser una persona exitosa en ese sentido. Nunca he pensado; ”Oh, he tenido una experiencia muy positiva con esto, ahora debería hacer otra cosa.” Esto es sin duda, lo que quiero y lo que me apetece hacer, en este particular momento. Personalmente pienso que estar en un grupo, suele ser digamos ,una etapa más juvenil, saca el niño que hay en ti. Por eso, a veces pienso que mucha gente le gusta permanecer un tiempo en ese “estado”. Yo, por lo contrario, me gusta el sentimiento de haberme hecho mayor, de haber madurado porque al final en cierta manera tu objetivo es ser tu mismo, seguir tus propios instintos. Es un sentimiento que no se puede expresar en general para un artista, el proponerse algo y conseguir crearlo.</span><span class="txt_respuesta">Así una de las cosas que más destaco, es que he conseguido aprender a grabar mi voz de la forma que pienso más adecuada, para sacar el mayor potencial posible, dentro de mi límite claro está. Comparandome con otras personas con las que he podido trabajar anteriormente, creo que para este Black Yaya, he facturado un mejor trabajo, en cierta manera, ya que no hay nada mejor que conocerse a uno mismo, sobre todo artísticamente hablando.</span></p>
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<p><span class="txt_pregunta">Diego Hidalgo: Flying Rocket, fue expuesto como primer single, antes del lanzamiento del disco, como un adelanto a este Black Yaya. Un disco íntimo, donde la mayoría de canciones tienen diferentes conexiones entre sí, que disponen de un contraste de letras cálidas con ciertos puntos de melancolía, manifestada por la voz de su pseudónimo ,que apuesta, en este caso, por melodías equilibradas, un contraste perfecto entre Pop y Folk. </span><span class="txt_respuesta">BLACK YAYA Espero que la gente pueda adentrarse en diferentes viajes a lo largo del álbum, que cada uno pueda tener un sentimiento y una experiencia exclusiva de por sí, eso significará que es un buen álbum. Muchas veces pienso que los álbumes son diferentes a las películas. La película la ves y ahí queda la cosa, pero el significado y la utilidad de un álbum es que se puede escuchar una y otra vez, cada vez que se escuche tiene un diferente motivo o significado. Hay múltiples formas de escuchar un álbum. Eso es lo que verdaderamente valoro.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Diego Hidalgo: Analizando de una manera más específica cada uno de los tracks, destaco Paint A Smile On Me un single que estreno en 2013, mucho antes del disco, y que encontraremos como un “Bonus Track” junto con sus dos últimos singles Flying Rocket y Under Your Skin, donde nos confiesa que el mismo fue el encargado de rodar esos videoclips. </span><span class="txt_respuesta">BLACK YAYA Mi propósito para este proyecto era hacerlo todo por mí mismo, incluyendo, por supuesto, los videos. Intente elegir las canciones donde pudieran tener una localización clave para el respetivo video y a su vez, aproveche para ofrecerme a dirigirlo, cosa que conseguí. ¡Fue súper divertido! A veces hay momentos en los que te gusta pensar que no te hace falta depender de nadie. Ese fue uno de los sentimientos que me animó a hacer este proyecto. Con respecto a Paint A Smile On Me, es una canción que se estrenó el verano pasado con Dj Yuksek. Esta canción ,sin duda, tiene vida propia. Por eso está representado en el disco como un Bonus Track. En este caso el video no fue dirigido por mí, sino por un director español increíble, Alberto Moya. Condujimos hasta Woodstock ,Nueva York, y lo grabamos ahí. Fue como grabar una película.</span></p>
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<p><span class="txt_pregunta">Diego Hidalgo A mitad de este pequeño pero intenso viaje, vemos que hay una conexión entre varias canciones, como en Wacthman o en Gimme a Gun donde se percibe un sentimiento de protección reconfortante, acompañada, la mayoría de ellas, por instrumento con gran personalidad, la armónica.</span><span class="txt_respuesta">BLACK YAYA En la canción de Wacthman toco la batería aparte de otros instrumentos, es un ritmo perfecto. En mi opinión, hay dos o tres instrumentos en esa canción que son muy divertidos de tocar. Es la clase de ritmo que te permite tocar de una manera fluida y tranquila al mismo tiempo. Confieso que esta canción me encanta. El álbum en sí, dispone de varias canciones con una cierta conexión, Vigilante, Wactman, Gimme a Gun son canciones que fueron creadas en un sitio y en un momento concreto. </span><span class="txt_respuesta">Con la armónica consigo en cierta manera un sonido algo más común entre ellas siguiendo una misma línea. Nunca tuve la oportunidad de poner ese instrumento en ninguno de mis álbumes anteriormente. Sentí que esta vez, era necesario ya que es un instrumento que siempre me ha gustado.</span></p>
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<p><span class="txt_pregunta">Diego Hidalgo: Throught the Deep Night, es una canción conflictiva .No sabes muy bien si es una canción triste o alegre al mismo tiempo. En ella se manifiesta un gran espíritu de nostalgia con frases como “Throught the Deep Night were we Walkin’…</span><span class="txt_respuesta">BLACK YAYA Puedo decir que cualquier sentimiento de duda que pueda otorgar la canción es un sentimiento correcto. Es de lo que trata la canción básicamente. Cuando conoces a alguien, te enamoras… Hay un momento en el que te das cuenta que ya todo ha acabado en cierta manera, pero eso no significa que no la quieras. Es un sentimiento de tristeza pero al mismo tiempo hay algo bueno en ello, la capacidad de pasar página. Y que algún día podamos, con el tiempo, caminar juntos de nuevo.</span><span class="txt_pregunta">Diego Hidalgo: Pero acerquemosnos hacia lo mas personal de David Ivar, muchas seran las memorias recopiladas, fotos, experiencias…, poniéndote en compromiso, si alguien viniera directamente a ti, de una manera misteriosa y mística, te diera un sobre y te dijera que todas tus experiencias profesionales serán borradas y que sólo pudieras salvar una, en ese mismo sobre,¿ cuál sería?</span><span class="txt_respuesta">BLACK YAYA: Verás, muchos de los conciertos que he tenido han sido increíbles. Pero sobre todo lo que me quedaría en la memoria como recuerdo, es que solía tocar con todos mis amigos en un sitio llamado Peace Candy Store un bar que tenía un escenario muy pequeño. He tocado muchas veces en ese sitio. Eran shows donde siempre experimentábamos con nuevos sonidos, tocábamos diferentes canciones, con diferentes personas….Tocar porque quería y me apetecía, no había ningún tipo de sentimiento de trabajo. Mi recuerdo sería una foto con un amigo y yo en ese escenario.</span></p>
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<p><span class="txt_pregunta">Diego Hidalgo: Profundizando un poco más en la misma línea, si tuvieras y pudieras enviar un Twiter a tu yo del pasado….</span><span class="txt_respuesta">BLACK YAYA: Me pondría un recordatorio del día en que murió Amy Winehouse y la dirección de su casa para pasarme e intentar hacer algo…jajaja Pienso que cuando murió fue nuestra última oportunidad de escuchar ese esencia soul que daba a las radios en nuestro tiempo. Sin ella, eso se ha perdido.</span><span class="txt_pregunta">Diego Hidalgo: El tiempo se va agotando y es el momento de retomar los planes de futuro y los directos confirmados ...</span><span class="txt_respuesta">BLACK YAYA: Probablemente me pase toda la primavera y todo el verano de tour, cosa que es genial para mí. Con este álbum no siento que necesite las canciones que solía cantar. Esto es un nuevo comienzo. Voy a dedicarme plenamente a las nuevas canciones y sobre todo tocarlas como las sienta en el momento. Se que cada show será diferente. Puedo coger una guitarra normal y tocar algo más cálido e íntimo, o como coger una guitarra eléctrica y hacer un par de solos, punteos…¡lo que sienta! Si he podido arriesgarme y romper muros necesito hacer exactamente lo que me apetece.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Diego Hidalgo: Black Yaya, El anti-divo como muchos le llaman. Un disco, según él, inspirado por grandes artistas como Jonathan Richmond, Dylan, Lennon...sin duda, un disco muy recomendado, y que seguramente será una de las revelaciones para este 2015.</span></p>',
'body_html_clean' => '<p><span class="txt_pregunta">Me reuní con David un día después del show. Una Barba frondosa debo decir, pero detrás de ella se apreciaba una ilusión infinita. La ilusión, de un artista que con este trabajo demuestra que la industria empieza a cambiar, donde uno mismo es capaz de sacar su propio proyecto sin agobios ni presiones y sobre todo, poder confiar plenamente en uno mismo.</span><span class="txt_respuesta">BLACK YAYA Bueno en cierta manera, quiero que la gente tenga un concepto propio de lo que puede ser Black Yaya. Creo que es un nombre que puede dar un montón de significados. Pero de una manera digamos, más realista, YAYA era un nombre que se me puso hace mucho tiempo y la gente acabo llamándome de esa manera. De hecho, mi primer álbum que hice en 2001, más o menos, también se llamo YAYA. De alguna manera, pensé que este disco tendría que ser llamado Black Yaya (City Slag, 2015), realmente fue un nombre para mí que salió solo, fue fácil de buscar y personalmente pienso que es un nombre muy real.</span></p>
<p> </p>
<p><span class="txt_pregunta">Diego Hidalgo: Black Yaya, grabado en un ambiente especial, en el que David fue capaz de resaltar su alter ego en su estado más puro….</span><span class="txt_respuesta">BLACK YAYA Si…, sin duda fue un entorno perfecto. Lo grabamos en un “home Studio” en Malibú cerca de la costa. Lo único malo fue que no pudimos disfrutarlo mucho ya que siempre teníamos que estar en el estudio…Pero de alguna manera ahí es donde el concepto “YAYA” fue creado.</span></p>
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<p><span class="txt_pregunta">Diego Hidalgo: Para aquellos que no conozcan a David Ivar (Black Yaya) fue líder del grupo Herman Dune de origen francés, con más de Diez álbumes desde el año 2000, acompañados con singles conocidos como, Monkey Makers On My Back, Tell Me Something I Don’t know, My Love Is Nowhere Without You y por supuesto , I Wish That I Could See You Soon. Todo un gran éxito que acompañaba el anuncio de Estrella Damm en el verano de 2011. Exito que supuso quizás el punto de inflexión para dar un giro a esta gran y extensa carrera artística para pasar de Herman Dune a la figura en solitario que se esconde tras BLack Yaya.</span><span class="txt_respuesta">BLACK YAYA; La verdad, es que este paso, no ha sido por la noción del éxito que he podido tener en ese tiempo como grupo. La verdad, es que ni mucho menos pienso que pueda ser una persona exitosa en ese sentido. Nunca he pensado; ”Oh, he tenido una experiencia muy positiva con esto, ahora debería hacer otra cosa.” Esto es sin duda, lo que quiero y lo que me apetece hacer, en este particular momento. Personalmente pienso que estar en un grupo, suele ser digamos ,una etapa más juvenil, saca el niño que hay en ti. Por eso, a veces pienso que mucha gente le gusta permanecer un tiempo en ese “estado”. Yo, por lo contrario, me gusta el sentimiento de haberme hecho mayor, de haber madurado porque al final en cierta manera tu objetivo es ser tu mismo, seguir tus propios instintos. Es un sentimiento que no se puede expresar en general para un artista, el proponerse algo y conseguir crearlo.</span><span class="txt_respuesta">Así una de las cosas que más destaco, es que he conseguido aprender a grabar mi voz de la forma que pienso más adecuada, para sacar el mayor potencial posible, dentro de mi límite claro está. Comparandome con otras personas con las que he podido trabajar anteriormente, creo que para este Black Yaya, he facturado un mejor trabajo, en cierta manera, ya que no hay nada mejor que conocerse a uno mismo, sobre todo artísticamente hablando.</span></p>
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<p><span class="txt_pregunta">Diego Hidalgo: Flying Rocket, fue expuesto como primer single, antes del lanzamiento del disco, como un adelanto a este Black Yaya. Un disco íntimo, donde la mayoría de canciones tienen diferentes conexiones entre sí, que disponen de un contraste de letras cálidas con ciertos puntos de melancolía, manifestada por la voz de su pseudónimo ,que apuesta, en este caso, por melodías equilibradas, un contraste perfecto entre Pop y Folk. </span><span class="txt_respuesta">BLACK YAYA Espero que la gente pueda adentrarse en diferentes viajes a lo largo del álbum, que cada uno pueda tener un sentimiento y una experiencia exclusiva de por sí, eso significará que es un buen álbum. Muchas veces pienso que los álbumes son diferentes a las películas. La película la ves y ahí queda la cosa, pero el significado y la utilidad de un álbum es que se puede escuchar una y otra vez, cada vez que se escuche tiene un diferente motivo o significado. Hay múltiples formas de escuchar un álbum. Eso es lo que verdaderamente valoro.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Diego Hidalgo: Analizando de una manera más específica cada uno de los tracks, destaco Paint A Smile On Me un single que estreno en 2013, mucho antes del disco, y que encontraremos como un “Bonus Track” junto con sus dos últimos singles Flying Rocket y Under Your Skin, donde nos confiesa que el mismo fue el encargado de rodar esos videoclips. </span><span class="txt_respuesta">BLACK YAYA Mi propósito para este proyecto era hacerlo todo por mí mismo, incluyendo, por supuesto, los videos. Intente elegir las canciones donde pudieran tener una localización clave para el respetivo video y a su vez, aproveche para ofrecerme a dirigirlo, cosa que conseguí. ¡Fue súper divertido! A veces hay momentos en los que te gusta pensar que no te hace falta depender de nadie. Ese fue uno de los sentimientos que me animó a hacer este proyecto. Con respecto a Paint A Smile On Me, es una canción que se estrenó el verano pasado con Dj Yuksek. Esta canción ,sin duda, tiene vida propia. Por eso está representado en el disco como un Bonus Track. En este caso el video no fue dirigido por mí, sino por un director español increíble, Alberto Moya. Condujimos hasta Woodstock ,Nueva York, y lo grabamos ahí. Fue como grabar una película.</span></p>
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<p><span class="txt_pregunta">Diego Hidalgo A mitad de este pequeño pero intenso viaje, vemos que hay una conexión entre varias canciones, como en Wacthman o en Gimme a Gun donde se percibe un sentimiento de protección reconfortante, acompañada, la mayoría de ellas, por instrumento con gran personalidad, la armónica.</span><span class="txt_respuesta">BLACK YAYA En la canción de Wacthman toco la batería aparte de otros instrumentos, es un ritmo perfecto. En mi opinión, hay dos o tres instrumentos en esa canción que son muy divertidos de tocar. Es la clase de ritmo que te permite tocar de una manera fluida y tranquila al mismo tiempo. Confieso que esta canción me encanta. El álbum en sí, dispone de varias canciones con una cierta conexión, Vigilante, Wactman, Gimme a Gun son canciones que fueron creadas en un sitio y en un momento concreto. </span><span class="txt_respuesta">Con la armónica consigo en cierta manera un sonido algo más común entre ellas siguiendo una misma línea. Nunca tuve la oportunidad de poner ese instrumento en ninguno de mis álbumes anteriormente. Sentí que esta vez, era necesario ya que es un instrumento que siempre me ha gustado.</span></p>
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<p><span class="txt_pregunta">Diego Hidalgo: Throught the Deep Night, es una canción conflictiva .No sabes muy bien si es una canción triste o alegre al mismo tiempo. En ella se manifiesta un gran espíritu de nostalgia con frases como “Throught the Deep Night were we Walkin’…</span><span class="txt_respuesta">BLACK YAYA Puedo decir que cualquier sentimiento de duda que pueda otorgar la canción es un sentimiento correcto. Es de lo que trata la canción básicamente. Cuando conoces a alguien, te enamoras… Hay un momento en el que te das cuenta que ya todo ha acabado en cierta manera, pero eso no significa que no la quieras. Es un sentimiento de tristeza pero al mismo tiempo hay algo bueno en ello, la capacidad de pasar página. Y que algún día podamos, con el tiempo, caminar juntos de nuevo.</span><span class="txt_pregunta">Diego Hidalgo: Pero acerquemosnos hacia lo mas personal de David Ivar, muchas seran las memorias recopiladas, fotos, experiencias…, poniéndote en compromiso, si alguien viniera directamente a ti, de una manera misteriosa y mística, te diera un sobre y te dijera que todas tus experiencias profesionales serán borradas y que sólo pudieras salvar una, en ese mismo sobre,¿ cuál sería?</span><span class="txt_respuesta">BLACK YAYA: Verás, muchos de los conciertos que he tenido han sido increíbles. Pero sobre todo lo que me quedaría en la memoria como recuerdo, es que solía tocar con todos mis amigos en un sitio llamado Peace Candy Store un bar que tenía un escenario muy pequeño. He tocado muchas veces en ese sitio. Eran shows donde siempre experimentábamos con nuevos sonidos, tocábamos diferentes canciones, con diferentes personas….Tocar porque quería y me apetecía, no había ningún tipo de sentimiento de trabajo. Mi recuerdo sería una foto con un amigo y yo en ese escenario.</span></p>
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<p><span class="txt_pregunta">Diego Hidalgo: Profundizando un poco más en la misma línea, si tuvieras y pudieras enviar un Twiter a tu yo del pasado….</span><span class="txt_respuesta">BLACK YAYA: Me pondría un recordatorio del día en que murió Amy Winehouse y la dirección de su casa para pasarme e intentar hacer algo…jajaja Pienso que cuando murió fue nuestra última oportunidad de escuchar ese esencia soul que daba a las radios en nuestro tiempo. Sin ella, eso se ha perdido.</span><span class="txt_pregunta">Diego Hidalgo: El tiempo se va agotando y es el momento de retomar los planes de futuro y los directos confirmados ...</span><span class="txt_respuesta">BLACK YAYA: Probablemente me pase toda la primavera y todo el verano de tour, cosa que es genial para mí. Con este álbum no siento que necesite las canciones que solía cantar. Esto es un nuevo comienzo. Voy a dedicarme plenamente a las nuevas canciones y sobre todo tocarlas como las sienta en el momento. Se que cada show será diferente. Puedo coger una guitarra normal y tocar algo más cálido e íntimo, o como coger una guitarra eléctrica y hacer un par de solos, punteos…¡lo que sienta! Si he podido arriesgarme y romper muros necesito hacer exactamente lo que me apetece.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Diego Hidalgo: Black Yaya, El anti-divo como muchos le llaman. Un disco, según él, inspirado por grandes artistas como Jonathan Richmond, Dylan, Lennon...sin duda, un disco muy recomendado, y que seguramente será una de las revelaciones para este 2015.</span></p>',
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'entradilla_esp' => 'Cuatro años sin publicar en el mundo de la música parece una eternidad. Esto es lo que ha esperado Francisco Fernández, o mejor dicho FRANCISCO NIXON, para reaparecer con LO MALO QUE NOS PASA (Siesta, 2015).Tras el LP GLORIA Y LA BELLEZA SUREÑA (Siesta, 2010) y EL PROBLEMA DE LOS TRES CUERPOS (Cydonia / Playas de Normandía, 2011) junto a THE NEW RAEMON y Ricardo Vicente, el cantautor asturiano tiene mucho que “cantar”.',
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<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo: FRANCISCO NIXON es un artista español de música pop, pero esto sólo es una descripción corta.....</span> <span class="txt_respuesta">Francisco Nixon. En definición larga podría decirse que soy un chaval que hace canciones desde hace veinte años. Empecé con AUSTRALIAN BLONDE haciendo rock en inglés involucrado en lo que era la escena indie de los 90; A principio de los 2000 mi carrera dio un giro hacia el pop en castellano con la COSTA BRAVA; y a finales de los 2000 monté mi proyecto en solitario FRANCISCO NIXON con el que continúo hasta ahora. Me muevo entre el pop castellano, el indie, lo “viejuno”, la música ligera en español, y la música de baile con influencias del soul.</span></p>
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<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. El repentino éxito cosechado con AUSTRALIAN BLONDE dejó marcado al artista. Esta fama le ha podido perjudicar.</span> <span class="txt_respuesta">Francisco Nixon. con AUSTRALIAN BLONDE fue un grupo que no estaba pensado para triunfar que de repente se ve proyectado a nivel nacional con un disco con letras en “spanglish” de producción casera. Pasamos de estar tocando para veinte personas en un bar, a tocar para mil en Benicasim al lado de tus ídolos. Me sentí desbordado. Teníamos muy poca información de cómo funciona la industria o la prensa, y creo que cometimos errores. A pesar de todo, el balance es positivo. Gracias a eso he podido dedicarme a la música. Agradezco lo que viví con AUSTRALIAN BLONDE. He sido un privilegiado en ese sentido. </span></p>
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<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. Reconoces errores de aquella epoca, ¿Qué errores?</span> <span class="txt_respuesta">Francisco Nixon Hay muchas cosas que a lo mejor no habría hecho, sobre todo la dinámica interna entre nosotros. Cuando te pilla el éxito tan joven se generan expectativas y si no se cumplen empieza a haber fricciones en el grupo. Pero a pesar de que cada uno de nosotros hemos tenido carreras independientes nunca nos hemos disuelto. Nos juntamos y tocamos porque seguimos siendo amigos. Para el 25º aniversario de Subterfuge hicimos YOU KILL ME (Marxophone, 2014).</span></p>
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<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. Quizás esos “fallos” le empujaron a elegir otra vertiente, la del pop castellano, con la COSTA BRAVA, y hacerlo de otra manera.</span> <span class="txt_respuesta">Francisco Nixon Tanto Sergio Algora – ex de EL NIÑO GUSANO–, como yo, veníamos de haber estado en la gran discográfica RCA e hicimos las cosas sin ninguna pretensión. Hacíamos lo que queriamos y tocábamos lo que nos gustaba. Si venían veinte personas a vernos bien, y si eran cien también, si vendíamos cien discos bien y si eran mil, también estaba bien. Grabamos muchos discos en poco tiempo hasta que Sergio falleció</span>.<span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo Sin embargo la COSTA BRAVA implicaba, muchas veces, la escasez de ingresos. Esta fue una de las causas del nacimiento de FRANCISCO NIXON</span>.<span class="txt_respuesta">Francisco Nixon. Con COSTA BRAVA lo pasábamos muy bien pero no ganábamos y en esa época vivía de la música. Necesitaba tener un proyecto con el que pudiera salir a tocar y volver con dinero. FRANCISCO NIXON me permitía cobrar mi cache y volver a casa con beneficios.</span></p>
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<p><span class="txt_pregunta"> Íñigo Renedo Seis años después presentas LO MALO QUE NOS PASA (Siesta, 2015), donde vemos que te mueves en los mismos parámetros de cantautor de pop en castellano enfocado a los años 70 con algo de folk y rock, pero con diferentes matices respecto a los primeros trabajos como: ES PERFECTA (Siesta, 2006) y EL PERRO ES MÍO (Siesta, 2009).</span> <span class="txt_respuesta">Francisco Nixon Quería hacer un disco de baile, pero no quería verme como el típico “viejuno” que intenta hacer algo moderno. He hecho lo que creo que podía hacer. Me he basado en los arreglos de cuerda, metal, y de ritmos de baile lentos, desde sudamericanos hasta la rumba tipo Peret</span>.<span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo LO MALO QUE NOS PASA, es un trabajo cocinado a fuego lento durante seis meses</span><span class="txt_respuesta txt_pregunta">. Francisco Nixon. Lo hice después de llevar mucho tiempo sin publicar. Cuando componía estas canciones no las hice pensando en el álbum, grababa la canción que me gustaba y la subía a bandcamp. Lo grababa en mi casa y luego en casa de mi productor Nahúm García grababa otras pistas. De pronto me vi con canciones que había recopilado durante 3 ó 4 años. Ha sido a la hora de grabar cuando he intentado darles una coherencia. Sobresale la música disco anterior a la actual de España y de ahí todo el rollo del “Sonido Costa Fleming” y “Sonido Torrelaguna”. Con esa idea, mi productor y yo hemos empezado a grabar todo.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo Productor, palabra y pieza clave para este nuevo trabajo, pues es evidente que podemos encontrarnos ligeros cambios en los temas publicados en bandcamp, con respecto a lo que podemos disfrutar en LO MALO QUE NOS PASA. Sin duda, el papel del productor es capital en este álbum.</span> <span class="txt_respuesta">Francisco Nixon. Mi productor dio una vuelta a mis maquetas. Las canciones han mejorado. En general es bueno que un grupo tenga un productor, le da otro punto de vista. Echo de menos estos procesos de producción en los que había un arreglista, un compositor, un intérprete… era una cadena de montaje con mucha gente que aportaba. Ahora el artista se ve obligado a hacerlo todo.</span></p>
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<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. Y es que más que lanzar un mensaje, FRANCISCO NIXON cuenta historias.</span><span class="txt_respuesta"> Francisco Nixon Yo no tengo nada que decir, simplemente hago canciones basadas en lo que me pasa a mí o a mis amigos. Chicos Bajos, chicas Altas trata sobre una chica que se partió un diente dándole un beso a un chico más bajo que ella. Médico Rural explica la sensación de no conectar con la gente y estar aislado; y podría seguir.</span></p>
<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo Pero el momento de subirse al escenario es siempre complicado, no es lo mismo salir con una banda que salir solo con tu guitarra</span>. <span class="txt_respuesta">Francisco Nixon. Con una banda estás más arropado. Cuando sales solo, tienes que apoyarte más en la voz, la letra, la guitarra, o en el cambio de tensión. Al público le tengo un respeto terrible, me impone mucho. Por eso estoy intentando ofrecer el mejor directo posible con temas nuevos más los antiguos de FRANCISCO NIXON y de la COSTA BRAVA.</span></p>
<p> </p>
<p><span class="txt_pregunta"> Íñigo Renedo Se acabó la espera. FRANCISCO NIXON vuelve con LO MALO QUE NOS PASA a la carretera, acompañado de la banda que conforman Enrique Moreno a la batería y Ricardo Vicente a la guitarra, ambos integrantes de COSTA BRAVA, Ana Naranjo de LINDA MIRADA a los teclados y el productor Nahúm García en el bajo. Momento de defender y poner de largo los temas que conforman este intrepido y arriesgado LO MALO QUE NOS PASA.</span></p>
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<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo: FRANCISCO NIXON es un artista español de música pop, pero esto sólo es una descripción corta.....</span> <span class="txt_respuesta">Francisco Nixon. En definición larga podría decirse que soy un chaval que hace canciones desde hace veinte años. Empecé con AUSTRALIAN BLONDE haciendo rock en inglés involucrado en lo que era la escena indie de los 90; A principio de los 2000 mi carrera dio un giro hacia el pop en castellano con la COSTA BRAVA; y a finales de los 2000 monté mi proyecto en solitario FRANCISCO NIXON con el que continúo hasta ahora. Me muevo entre el pop castellano, el indie, lo “viejuno”, la música ligera en español, y la música de baile con influencias del soul.</span></p>
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<p><span class="txt_pregunta">Íñigo Renedo. El repentino éxito cosechado con AUSTRALIAN BLONDE dejó marcado al artista. Esta fama le ha podido perjudicar.</span> <span class="txt_respuesta">Francisco Nixon. con AUSTRALIAN BLONDE fue un grupo que no estaba pensado para triunfar que de repente se ve proyectado a nivel nacional con un disco con letras en “spanglish” de producción casera. Pasamos de estar tocando para veinte personas en un bar, a tocar para mil en Benicasim al lado de tus í